阿丽塔：战斗天使

坐在第四排看3D IMAX，特效和动作场面特别有临场感。

尤其阿丽塔这个真人+CG最终做出来的角色，大银幕上看她醒来时光照在脸上的特写，恍惚中你仿佛化身镜头凑到她跟前在细细打量她皮肤上的毛孔，还有鼻梁上有个小小的凹坑。

质感之强，让我狠狠赞叹了一下。

说起来这也是很讽刺的，现实里修图美颜盛行，真人们热衷于把自己修得像假人，拼命磨皮，而CG却在努力给假人加上一些不完美的特征来显得更逼真更像真人……世界观的架构和视觉呈现我觉得可以打80分吧，没打更高分是我比较苛刻地觉得它风格化得还不够，我也理解它为什么是现在这个样子，毕竟风格化就意味着不走寻常路会有更大的商业风险。

但是它现在这个调子，就不免得让人想起《雷神3》的萨卡星 了……战斗场面其实细想想还蛮残暴的，不过因为它巧妙的发生在各种机械身体被肢解被打飞，连流出来的都是蓝色的机油，就，血腥与否全看你怎么理解从哪个角度去理解。

影响我给它打更高分的，主要在于我压根不想在这样的世界里看女主角像高中生一样谈恋爱，偏偏这片子要把我不感兴趣的东西演给我看。

女主和男主的邂逅与相爱，都令我感到厌倦，女主要把心脏（做为改造人，这也是一个有强大驱动力的零件）交给男主的时候，冷血如我，毫不动容，甚至有点想叹气。

你拥有战天斗地的能力，你曾经是个为战斗而生的狂战士，结果你还是像个恋爱脑的小女生被一个长得还不帅的小男生迷得晕头转向。

最后果不其然，要让一个主角小宇宙爆发的真谛就是夺走她之所爱，男主角领便当了。

救命啊，我真的不想看这种老套的恋爱故事。

爽片在我这儿通常起评分不会太高，除非爽到一定程度。

我对一部爽片的要求也很简单，就是你真得在生理和心理上同时爽到我。

《阿丽塔：战斗天使》显然符合这个标准。

通常情况下，爽片看一遍也就够了。

但《阿丽塔》我连着看了两遍，尽管我承认，它在剧作上相对简单了些，人物的情感转变也略显单薄，可是，在影片的视效和暴力呈现上，却结结实实地“打”到了我，而且拳拳到肉。

一个有想法的导演都是从屏幕点亮的第一秒就开始掌控一切了。

《阿丽塔》的开始，20世纪福斯的厂标出现，数字却换成了26，厂牌上锈迹斑斑。

紧接着画面进入一片广漠的废墟，外科医生依德正在垃圾场里翻找零件。

影片迅速将我们带入到一个未来情境中，而此时的世界已是一片荒原。

通常导演在处理大场面时，都爱用定场镜头，最好能多角度全方位地展示一个恢宏的空间。

可《阿丽塔》没有。

给我印象很深的是，废墟那场戏，影片刻意采用浅焦拍摄，前景的依德很清晰，背景全是虚的，隐约可见高耸的挖掘机在废墟里肆虐。

这是导演的底气，不用故意摆给观众看，而是要让观众自己在叙事中发现、自景深处窥探，从而建立整个空间。

影片后续也大量运用了景深处的调度，这是《阿丽塔》从一开始就让我眼前一亮的部分。

《阿丽塔》改编自日本漫画家木城雪户的代表作《铳梦》。

什么是“铳梦”？

木城雪户对此这样解释：“铳”代表暴力，是物质层面的，“梦”代表内心，“铳梦”是物理和内心的融合。

尽管我没有看过原著，但可以想见，原著着重探讨的应是科幻的永恒主题：在科技与人性、物质与灵魂之间，究竟何为人类？

但凡涉及到义体人的作品，通常都绕不过这个话题。

同样《阿丽塔》对此也有涉及。

单纯从文本层面看，《阿丽塔》的故事极为单纯，讲述义体人女孩阿丽塔重新找回自我的故事。

影片构建了一个两层世界，上层是名为“撒冷”的天空城，下层是破败不堪的钢铁城。

连接上下两层的是一条不明来由的管道，像一条钢索，却不允许任何人通过。

如果说撒冷是“梦”的话，钢铁城显然就是“铳”。

影片自始至终都没有展现“撒冷”的样子，它只能作为一个梦存在，正如底层人根本无法想象上层人的生活。

而阿丽塔的头颅是从撒冷被当作垃圾一样丢下来的。

她或许曾经到过那里，但现在，她被遗弃在了钢铁城——这个如“铳”一般预示着冰冷残暴的地方。

乍一看《阿丽塔》，你甚至会想到《谍影重重》系列，同样是讲了一个忘记身份的人，发现自己竟身怀绝技并遭遇追杀，最终重获身份的故事。

在整个过程中，对阿丽塔影响最大的是两个男人：依德和雨果。

前者承担父亲的角色，后者承担爱人的角色。

正如一个人最终建立“自我”，都是从他人关系的映射中实现的。

一开始，阿丽塔在镜子中辨认自己，后来，她从别人的眼里辨认自己。

在依德那里，她做回了一个女儿。

尽管一开始，她只是一个替身。

但最后，她损毁了依德女儿的义体，重新穿上了曾经的义体，并第一次喊出“父亲”。

这个过程就像是一次对父权的反抗和重新确认：“我不要做你死去女儿的替身，我是你另一个女儿。

”在雨果那里，阿丽塔初尝到爱情的滋味。

味道，是阿丽塔认识这个世界的方式。

带皮的橘子和巧克力，同样是苦中带甜，那是女孩在成长过程中尝到的滋味。

这场成长，从面对依德的第一滴泪开始，到失去雨果的最后一滴泪结束，在不停的闪回中，阿丽塔终于找回了自己的宿命，奔赴最终的战场。

ok，简单剖析了文本后，下面说说《阿丽塔》最震撼我的地方。

还是回到“铳梦”两个字，我们换一种对位方法，将它们对位到影片的两个创作者身上，你会发现，罗德里格斯就是“铳”，而卡梅隆是“梦”。

而《阿丽塔》就是一部运用科技造梦并呈现暴力美学的电影。

可以先说说卡梅隆的“梦”。

卡梅隆毫无疑问是当下电影界技术最牛的导演了。

只要稍微了解一下《阿丽塔》的幕后，你会看到一堆吓人的数字，比如：阿丽塔眼睛的CG模型由900万个多边形组成，脸上的细微绒毛超过50万根，头发有13.2万根，机械躯干由7000多个零部件构成……要实现如此复杂的特效渲染，全片共使用了3万台电脑同时运作，总计耗时4.32亿个小时。

是不是挺吓人的？

但其实这些数字并不重要，重要的是把数字落实到观感体验上。

在这方面来说，《阿丽塔》的完成度是极高的。

不说别的，就说影片开始不久阿丽塔苏醒的镜头，大特写，拍阿丽塔缓缓睁开眼，头发、眼睛、皮肤在镜头中纤毫毕现，鼻子上还有一个自然的小坑。

看到这个镜头我就想起《比利·林恩的中场战事》，影片一上来是一段手机拍摄的粗糙画面，紧接着就进入120帧的高清晰画面。

这当然是李安故意为之的技巧，从第一分钟开始，他就要让观众深刻体验到120帧意味着什么。

而《阿丽塔》的这个镜头，有着同样的效果。

你或许觉得阿丽塔的大眼睛有些违和，但其实那就是为了区别于真人所做的一个标志物，卡梅隆就是要让你知道，这不是真人，但她又无处不是真人。

所谓“真人表情动作捕捉加CG渲染”技术，发展到极致，不就是和真人没区别吗？

可《阿丽塔》要先让你看出区别来，然后再通过后续逼真的表情和动作，让你最终信服，她和人没区别。

技术牛，特效牛，这个没得说。

只要看你就知道了。

除此之外，我觉得不可忽视的是罗德里格斯导演为影片注入的暴力内核。

我个人很喜欢罗德里格斯，作为墨西哥三杰之外的墨西哥裔导演，罗德里格斯一直被人忽视。

他常年拍低成本血浆片，这也是他第一次执导大制作电影，或许借此迎来事业转机。

你只要看过他的《罪恶之城》《杀出个黎明》《弯刀》《老师不是人》等作品中的任意一部，你就了解罗德里格斯的“暴力”，比他的好友昆汀还要疯狂。

具体到《阿丽塔》中，影片巧妙地利用义体人这一概念，规避了血浆四射的血腥感，但与此同时，生猛而纯粹的“疼痛感”却一丝不减。

四分五裂的躯体、残肢断臂、被削去半边的脸、滚落的头颅……不由分说的“冷暴力”场面，接踵而至。

当然，这不是一味的输出暴力，而是隐含着表意。

首先，“暴力”是整个钢铁城的底色。

在这座失序的城市里，暴力就是一切高尚与卑鄙者的唯一通行证。

影片就是用这种突如其来、不由分说又不留余地的暴力，来渲染这个世界的残酷。

其次，也是让我感到尤其兴奋的一个设定：“暴力”是阿丽塔的宿命。

整部影片，与其说是阿丽塔在找寻自我，不如说是她在找寻战斗的理由，找寻自己满满的战斗力究竟因何存在。

她虽然忘了自己是谁，却从未忘记战斗。

她在机动球的竞技场里，和男孩们拼得你死我活；她一度怀疑依德的身份，跟踪他并在巷子里手刃了作恶的真凶；她在酒馆里，和赏金猎人们打斗；她被肢解并重新复活后，仍然继续战斗……这一次次战斗，看似有点草率，其实不如这样理解：阿丽塔就是为了战斗而生的，只是她暂时忘了战斗的理由，却保留了战斗的肌肉记忆。

因此她一次次起身战斗，不过是为了寻找。

直到影片最后，她终于醒悟，只见她拿起刀站上擂台，用刀指向天空城的诺瓦，指向一个狂妄而腐朽的体制。

那一幕很燃，既是一场恶斗的预兆，又是一个人终于看清自己宿命的悲壮感。

应该说，贯穿影片始终的“暴力”内核，带来的既是视觉的冲击，也是心理的震撼。

还是前文的观点，你不必把《阿丽塔：战斗天使》当作一部科幻片看待，也不用试图挖掘其背后深刻的含义。

它就是一部爽片，一部技术支撑下的暴力动作片。

从这个维度讲，它真的足够好看。

我又想起影片开始的那一幕，废墟上，依德用双手托起了阿丽塔的头颅，那一刻，光芒像是重新想起了这片废墟一样降临。

在沉睡了300年后，阿丽塔重新走进了自己的命运。

——漫谈《铳梦》电影与漫画

从得知卡神监制的《阿丽塔：战斗天使》国内定档2月22日之后，就开始马不停蹄地补原著漫画《铳梦》了。

赶在电影上映之前，终于算是补完了。

原本只是想着稍微了解一下背景，想着可能有助于理解电影。

但没想到，不看不知道，一看吓一跳——这原来是一个无比宏大、充满未知的科幻宇宙，一段跨度极大、充满勇气的探索历史，一个巨大无比、难以自拔的大坑。

在正式开始聊漫画与电影之前，先让我想想第一次听说卡梅隆要拍《铳梦》这个消息是在什么时候。

如果没有记错的话，应该是2010年前后。

当时看媒体报道说，《铳梦》已经进入前期准备阶段，2011年可以上映。

嗯，当然最终结果如何，那就是一个听者伤心，闻者流泪的故事了。

那个时候，《阿凡达》上映不久，在全球范围内获得了极大的成功。

卡梅隆先生站在自己人生的巅峰，天天都在对新闻媒体说要马上开拍《阿凡达2》啊。

而每当被问及《铳梦》的情况时，他总是推辞地说要再准备准备。

可没想到的是，《阿凡达》的续集电影也是一拖再拖，而这部“再准备准备”的《铳梦》更是如此。

当年看来，是那么的漫长和遥不可及。

时间回到1991年，那一年年初，一个名为木城雪户的日本漫画家在杂志《Business Jump》上开了一部名为《铳梦》的漫画连载。

这一开，就是连载二十八年：1991-1995年，第一部《铳梦》完结；1997-2006年，《铳梦外传》完结；2000-2014年，第二部《铳梦 Last Order》完结；2014年至今，第三部《铳梦：火星战记》还在连载之中。

三部《铳梦》漫画和一部外传，使得木城雪户成为日本最知名的漫画家之一。

大家评价其作品风格凝厚大气，以宏伟的世界观及精细的描写而为人称道，善于描绘复杂的事物与人体动作。

木城雪户没有想到的是，在他画完第一部《铳梦》的两年之后，大洋彼岸一位来自墨西哥的电影导演看到了这部漫画，一下子就被漫画中的世界和画风所吸引，并随后推荐给了他的好朋友。

这位好朋友也是一名导演，同样一下子就被漫画所吸引，并决定一定要把它拍成电影。

这两位导演不是别人，前者正是《潘神的迷宫》《水形物语》的导演吉尔莫·德尔·托罗，后者则是大名鼎鼎的卡梅隆。

很快，卡梅隆便进入到剧本创作阶段。

但是面对《铳梦》这么一个浩大的宇宙，如何取舍，如何改编，如何展现都是很大的问题。

卡梅隆说：它“太浩繁”，也“太细腻”，“太未来”，也“太当下”了。

在剧本创作的头四、五年，卡梅隆只写出一小部分。

在经过不断的创作和修改，如今这剧本已成长了近20年。

后来的事情，大家都知道了。

因为卡梅隆本人还得优先完成他的《阿凡达》续集项目，所以在2015年的时候，把《铳梦》电影版交给了《罪恶之城》《杀出个黎明》的导演罗伯特·罗德里格兹，而卡梅隆本人则仅仅担任制片兼编剧。

卡梅隆把这个项目交给罗德里格兹的时候，就像把自己的孩子送人一样，不仅附送了186页的剧本以及超过1000页的手稿，从世界观构建到各个角色小传，还特别带着了卡梅隆工作室中整个负责《铳梦》的全部团队，而这个团队早在《阿凡达》筹备阶段就开始为《铳梦》项目做着准备了。

曾有记者问卡梅隆为何想要筹拍《铳梦》，他表示“我很爱这个主人公，这可能是因为有女儿的缘故吧。

这个电影的主角就是一个小女孩儿，她坚强、勇敢、善战，我很爱这个角色。

”究竟是怎么样的一部漫画能够让卡梅隆如此沉迷，如此不计成本和精力地投入？

当我真的看完漫画已经完结的前两部之后，或多或少能够理解到卡梅隆的心情。

《铳梦》最初的定位是一部cult漫画，充满血腥桥段，爆头、断手断脚、血肉模糊、肠子流得一地。

故事发生在26世纪文明崩溃后的后启示录时代，作品围绕着地上城市“废铁城”和天空之城“萨雷姆”的对立展开。

漫画的世界观非常黑暗，一开始就是一个男人在堆积如山的钢铁垃圾上漫无目的地寻找着什么，结果他找到了一具残破的机械肢体，也就是女主角凯莉，电影中的阿丽塔。

不过随着连载和故事的发展，漫画的定位又慢慢地变成了大型科幻格斗。

比如第一部中花费大量笔墨描写的残忍的死亡球比赛；还比如第二部中用以把故事推向高潮的宇宙星际格斗比赛。

而在这无数场格斗之间，穿插了大量极具哲理高度的思辨，关于勇气，关于自我，关于宇宙。

整部漫画，不仅时间跨度极长，人物繁多，而且画风多变，主题也随之层层深入。

其所创造出来的浩大宇宙，纷杂繁多，无所不含，从科幻、格斗，到中国功夫、日本空手道，再到哲学、佛学、伦理学、社会学。

人何以为人？

是记忆还是肉体。

人类怎样才算活着？

是活生生的脑子还是血肉之躯。

人类的未来又是如何？

是一片光明，进入无比和谐的社会还是充满混乱，注定灭亡。

科技进步究竟能到达怎么样的程度？

人工智能、纳米科技还是赛博朋克，是机器取代人类还是人类奴役机器。

类似的问题贯穿整部漫画，发人深思。

而在这些哲思的背后，是一股说不出来的悲凉感。

就像很多日本漫画动漫一样，比如《攻壳机动队》《新世纪福音战士》《星际牛仔》等等，这种悲凉感是刻在充满末世情结的日本人的骨子里的。

也正是因为如此，现在反而会觉得由罗德里格兹来执导，可能比卡梅隆更加合适。

毕竟文化差异的存在，使得理解上总是存在一些偏差。

美国人的科幻作品，包括卡梅隆本人的，其内心深处依旧坚信：即使有困难但是人类绝对能够胜利。

比如《独立日》中美国总统可以带队开飞机大战外星人，《异形》系列中有异形就一定有牛逼的人类战士，《黑客帝国》一定会有救世主。

这与《铳梦》风格是有些差异的。

正如作者木城雪户自己所说的那样：“《铳梦》有着两个截然不同的主题，黑暗模式涉及人生的阴暗面，而光明模式则包涵了人性的善良，在这个鲜明对比下，我又创作了在阴暗世界里，为生存奋斗的人类。

”所以《铳梦》不仅仅是人类的勇气和善良，还有颓废、混乱。

一面黑暗，一面光明，二者之间，一片混沌。

此时，战斗天使降临，扫清喧嚣，为世界而战。

这才是《铳梦》的真谛。

所以，在此基础上选择罗德里格兹来指导，卡梅隆当监制，反而是最佳的搭配。

一方面这位墨西哥裔的浑小子和他的好基友昆汀一样，脑洞极大，手段残忍，毫无套路，搞不好就会拍出一些令人惊喜的东西。

另一方面卡梅隆在电影拍摄技巧和技术上一直是个锐意进取的导演，从《泰坦尼克号》到《阿凡达你》，都在不断挑战和推进电影技术的极限。

有他的保驾护航，相信《铳梦》的特效势必是令人满意的。

如今看着电影公布的越来越多的物料，海报以及预告，结合原著漫画，电影的故事线于我而言可能已经非常清晰了。

很可能只有第一部漫画中的一小部分，从阿丽塔的“诞生”到认识这个世界和自己，但是其细节算得上是高度还原。

首先是主角阿丽塔的设计，电影似乎采用了动作捕捉技术，融合了真人动作，灵活的展现了战斗少女的英姿。

尤其是她的躯体和手臂和漫画中十分神似，骨感的手指，纤细柔美，却充满力量。

其次主角所面临的敌人机械人的设计也非常优秀，他那链条般可以伸缩的机械手指更是和漫画中高度一致。

他与阿丽塔之间的那场战斗，无论是漫画，还是电影中，都具有极其重要的意义。

因为这一战，阿丽塔理解了自己身为战斗天使的宿命。

另外还有整部作品的世界观设定，电影版也有所体现。

无论是“高端人口”居住的天空之城萨雷姆，还是下面底层人民居住的垃圾城市废铁城，都展示得淋漓尽致。

一个是气势恢宏，伟大壮美，好像永远高不可及；另一个则是衰败颓废，充满混乱，好像永远都逃不出去。

二者所形成的强烈对比，正是原著漫画中的重中之重。

不管怎么样，这部电影无疑是我个人年后最期待的一部了。

从最开始听说，到补完漫画，甚至还看了仅有两集的动画，期待的时间已经够久了。

长达二十年的筹备，如今总算是不远了。

在期待的同时，小小地期望电影做出超级炸裂的特效，也能够兼具漫画中的赛博朋克、废土文化的气息。

那样可就完美了。

上世纪八十年后期，西方世界的赛博朋克热潮漂洋过海来到日本，深深影响了一大批日本漫画家，身处泡沫经济时代的漫画家们开始对未来世界的社会构成、科技发展、人性畸变进行深入思考，并且将其构想的反乌托邦社会融入到漫画故事中。

一时间，大量优秀的赛博漫画如雨后春笋般涌现。

《阿丽塔：战斗天使》宣传图但在岁月的冲刷下，绝大多数日系赛博漫画都失去了原有的色彩与光芒，渐渐被世人遗忘。

时至今日，只剩下《攻壳机动队》、《光明战士阿基拉》以及《铳梦》（本片原作）等极少数作品光彩依旧，仍能受到人们的热议和肯定。

同名动画电影《攻壳机动队》截图

同名动画电影《阿基拉》中最有名的红摩托与前二者不同的是，《铳梦》并非因为同名动画电影的火爆而活跃在大众视野，大陆影迷接触到这部漫画，很大程度上得益于导演詹姆斯·卡梅隆。

早在十余年前，网络上便有“卡梅隆将要拍摄电影版《铳梦》”的传闻，之后每隔几年，他都会公开表明自己对于《铳梦》的推崇和想要指导这部作品的愿望，却不得不为了《阿凡达》无限期搁置电影版《铳梦》。

詹姆斯卡梅隆在《阿凡达》片场慢慢的，詹姆斯·卡梅隆和他的《铳梦》成为了一个影迷们津津乐道的电影趣闻，就像我们谈论亚历桑德罗·佐杜洛夫斯基的《沙丘》、特瑞·吉列姆的《谁杀死了唐吉坷德》一样。

这部《谁杀死了唐吉坷德》，导演花了整整十七年才完成这样一段传奇的故事，让《阿丽塔：战斗天使》在上映前便备受瞩目，《阿丽塔：战斗天使》会对《铳梦》进行怎样的改编？

是否会保留原作的精髓？

同为《铳梦》粉丝的导演罗伯特·罗德里格兹能拍出詹姆斯·卡梅隆想要的“钢铁城”吗？

一个个问题抛向了这部筹备多年的科幻电影。

如今，“阿丽塔”终于来了。

一《阿丽塔：战斗天使》改编自木城雪户著名的cult（邪典）漫画《铳梦》，背景设定在26世纪，讲述了意外重生却失去所有记忆的女孩阿丽塔在追寻自我的过程中一步步觉醒了战斗之魂，从而踏上了探索真相的旅程。

《铳梦gunnm》第六话《影音俱乐部》评价这部电影时说：影片跟其它很多高成本科幻片一样，《阿丽塔：战斗天使》都被试图开启一个系列的美好憧憬而拖累，而且这个梦想永远也不可能具体化。

言辞辛辣，却一语中的。

作为序章，影片没有贸然地将原作完整的世界观传达给观众，而是着眼于小小的钢铁城，以女主角阿丽塔的个人成长与情感经历作为主线，哪怕到了结尾，也只揭开了天空之城“撒冷”（Zalem）的一角面纱，导演似乎在说：“想看更精彩的吗？

那就等下一部吧。

”至于外太空中更高一级的城市“耶路”（Jeru），电影中更是只字未提。

这使得《阿丽塔：战斗天使》的受众面更广（不再局限于漫画粉丝），娱乐价值更高，但也致使影片的视角过于狭隘，未能很好地展现出撒冷与钢铁城之间的两极对立。

电影《大都会》中地上的摩天大楼早在1927年，德国导演弗里茨·朗在电影《大都会》中便构想了对立的两个阶级：上层统治者生活在富丽堂皇的摩天大楼内，下层劳动者只能生活在昏暗的地下城中日夜辛劳。

明确的两极对立让影片对于阶级分化的批判更加有力，具有警世意义。

近几年科幻电影中，《逆世界》、《雪国列车》和《极乐世界》也有着类似的设定。

再回到《阿丽塔：战斗天使》，电影中生活在地上的穷苦民众都梦想着去往如“天堂般”的撒冷，电影却没有给出天空之城上人民的生活状态，只能从人物的只言片语中获取关于撒冷的碎片信息。

云雾中的神秘之城地上的人总是抬头仰望着神秘的撒冷，除了那个总会排放废钢废铁的通道，其实他们和看电影的我们一样对那里一无所知，永远沉浸在幻想中的乌托邦中。

二原作《铳梦》的世界观非常黑暗，在文明崩溃的后启示录时代，人类社会的传统道德准则不再适用，人的异化在疯狂的时代中更为明显。

在这样一个阶级分化严重的反乌托邦社会，阿丽塔像一个天使般降临，在无处不见的血腥与残忍斗争中维护着内心的正义。

漫画中一片黑暗的钢铁城

电影中钢铁城互动场景的概念图电影中的钢铁城显然要“阳光”很多，大多数配角的性格也不如原作般阴暗——导演在继承赛博文化的基础上做了不少明亮处理，用来增强电影的娱乐效果、削弱哲学思辨。

整个城市没那么“脏”了，也几乎看不到导演罗伯特·罗德里格兹的个人痕迹了。

导演个人风格化明显的《罪恶之城》系列这样的处理奠定了《阿丽塔：战斗天使》的基调，它不像押井守的《攻壳机动队》那样通过义体人类来集中探讨人与机器、自主意识与人工智能的矛盾关系，也不像弗里茨·朗的《大都会》那样通过两极对立来反映反乌托邦社会中底层人民的状态。

在故事的深度上，《阿丽塔：战斗天使》更像是2017年斯佳丽·约翰逊主演的真人版《攻壳机动队》，虽然沿用了原作中诸多精彩的元素，但对于“人”的理性思考都停留在表面，最终呈献给观众的依然是一个视觉体验极佳却没有多大心意的好莱坞式故事。

究其根本，《阿丽塔：战斗天使》和那些改编自青春文学的反乌托邦电影有着相同的气质，这类电影以《饥饿游戏》、《分歧者》为代表，在前几年取得了巨大的成功，它们都不深入探讨社会状态，只是借用“反乌托邦”的设定来讲述主角的成长历程。

《饥饿游戏》让“大表姐”詹妮弗·劳伦斯人气迅速蹿升这类电影往往能够赢得观众的喜爱，所以就某种程度而言，《阿丽塔：战斗天使》对反乌托邦电影的传播有一定的积极意义，毕竟不是所有反乌托邦电影都要朝着《银翼杀手》的深度看齐，无论是“阳春白雪”还是“下里巴人”，都应该被包容与接纳。

三《铳梦》与同时期大友克洋的《光明战士阿基拉》与士郎正宗的《攻壳机动队》不同，它不以“哲理化”场面与内核为主导——动作戏才是这部漫画的金字招牌。

大篇幅的战斗场面与激烈而残酷的机动球比赛赋予了这部漫画新的意义，电影《阿丽塔：战斗天使》也完美复刻了漫画中的经典动作场景。

值得一提的是：饰演阿丽塔的罗莎·萨拉扎尔为了能够更好的演绎动作戏，从确定选角后第二天便开始了训练，每天都要训练几个小时，持续了近五个月，内容包括空手道、咏春、泰拳等多种功夫流派的武术。

利落的动作设计和先进的特技技术相得益彰，这让《阿丽塔：战斗天使》的动作场面极具美感，尤其是几场机动球大赛，几乎瞬间便点燃了全场的热情。

除了动作场面，许多情节都被重新编排后加入到了电影的故事中去，还原度极高：例如电影刚开头时，依德医生（克里斯托弗·沃尔兹 饰）在落日的余晖中高高举起残破的半机械少女——她就是阿丽塔；

例如阿丽塔在地下与格鲁伊什卡（杰基·厄尔·哈利 饰）大战被打碎躯体后，单手撑起剩余的躯体，并在绝境中重创敌人；

例如阿丽塔用自己的心脏维持爱人雨果（基恩·约翰逊 饰）的生命；

再例如高空管道上阿丽塔与雨果最后的对话等等……

也许这就是《阿丽塔：战斗天使》的魅力所在吧，哪怕电影的情节有太多生硬与不合理之处，但当漫画中的经典场面再现时，当阿丽塔爆发出烙印在灵魂深处的战斗本能时，依然能赢得漫画粉丝和普通观众的喜爱。

此刻，似乎我们已经不再是电影的观众了，而是一个个与阿丽塔一样的、心存正义的、不畏强权的战斗天使。

我并不是一名日本赛博迷，也没读过赛博漫画，对赛博朋克的了解仅限于攻壳机动队剧集以及几部近年的科幻类电影。

可以说我喜欢赛博类电影完全是出于对一个未知的高度文明社会的期待。

夜幕，绿色蓝色或紫色的霓虹光影和金属撞击带来的视听刺激下，我们很轻易就被带入赛博朋克营造的未来感。

赛博朋克是生物科技和金属的巧妙结合，完善人类的脆弱躯壳。

用人力可以探索的科技挑战生老病死的自然法则，这种想法本身就令人激动。

不得不说，来看Alita前我还有所顾虑，法国上映好久了还拖着不看。

毕竟脑中还留着两年前的阴影——穿肉色保暖内衣练体操的黑寡妇和被糟蹋得一塌糊涂的攻壳剧情。

可谁知道呢，一天之内我竟然看了Alita两遍（第二遍为了拉着朋友来看顺便看3D），真香。

故事发生在一个叫铁城的地方。

这是一个赏金猎人，恶棍和普通居民混居的地方。

其中不乏官匪勾结，赏金猎人各司其政的那些烂事儿，和所有普通的城市一样。

也不乏年轻的友情和不知所起的爱情，和所有普通的的城市一样。

在铁城，最大的特点是自然人和机械改造人和平共处，人类克服了自然躯壳的局限性，尽可能地延续了生命。

铁城，说得好听，实际上就是个巨大的垃圾场。

铁城居民辛苦劳作以满足天上悬浮着的大都会（Zalem）需求，天上飘着的大都会再把没用的废料垃圾倾倒回铁城。

大都会是一个为有权势的富人群体设计的天空之城，上边的生活是个谜，是个成功的象征，是个诱饵。

下面的人仰望天空，梦想着有朝一日能在Zalem过人上人的生活。

然而千百年来我们只见到上面的人被流放出来，没见过下面的人爬到金字塔顶端。

唯一进入大都会的机会是赢得Motor ball球赛冠军，尽管这种球赛根本就是个罗马角斗场，人在自相残杀中争取自由的唯一机会。

铁城人民这种阶级矛盾的垂直配置让人想起 Fritz Lang的《大都会》，或者说这里就和所有普通的社会一样，少数精英群体控制多数财富，民众饱受奴役却不知苦难来源何处。

下层人耍狠卖凶，窝里斗，不择手段攒赏金，一门心思往上爬。

人们却不知阶级永远存在，社会阶层早已定型，奴役与被奴役的关系古往今来并不会因为一个人的成功而被撼动。

Hugo就是一个生于斯长于斯的大好青年，最大的抱负就是有朝一日脱离铁城加入大都会。

平日的主要活动就是和朋友打球，看别人打球，开机车兜风，他也会干些不法营生赚点黑钱。

直到有一天他在车前救了一个一脸杀气的赛博朋克少女Alita，一切都变了。

Alita失忆，平日不谙世事宛如婴儿，需要战斗时却能一路开挂遇神杀神与魔杀魔。

她尤善近身肉搏，还会打咏春拳，谜一样的身世。

她和其他铁城少年不一样，她不想削尖脑袋钻进大都会。

她在寻找记忆的过程中找到了她的使命，她要摧毁大都会，杀掉统治者Nova，她不一样。

作为漫改系列电影的第一部，Alita的完成度非常高。

剧情丰富饱满尊重原作满足原著粉的基础上，最大程度上照顾对漫画内容一无所知的受众，很好的完成了一次¨卡梅隆最喜欢的漫画全球性大安利¨。

机器人大作战的动作也好看，不同机器人针锋相对各有特色，绝不拖泥带水。

与蜘蛛女的初次交锋Alita的动作还有些滞缓，到Alita单枪匹马杀进Vector办公室的时候她就已经彻底找回了状态，行云流水一气呵成，柔韧而不失强势，展示了充满东方哲学的暴力美学。

两场激战，地下世界对战大块头和赛场屠杀中突破重围，展现了两代身体的差异。

对战大块头时身体的能力滞后于心中预计，惨败。

到换上原装赛博朋克躯体后，终于能展现Alita一人以万人敌的真正实力。

作为一部前奏，电影没有囿于女主思想成长，而是更多的着眼于女主身体机能的恢复以及作战能力的增强，为后续做铺垫，让人着实期待Alita怎么把大都会的天捅个稀巴烂。

说来奇怪，Alita让我几次想到大闹天宫的孙悟空。

同样是身世成谜，一个从天上掉下来，一个从石头里蹦出来；同样是捞出来了万人敌升级装备，一个是赛博躯体，一个是定海神针；同样是铁了心要把天捅个窟窿，一个拔剑直指苍穹，一个大闹天宫搞得鸡犬不宁。

似乎反叛的人物总有些相似点，例如生长环境与世俗土壤格格不入，由此可以跳出原住民的狭隘思想，从局外人的角度看出苦难根源的制度固疾。

例如能为他们加buff的神器都是和当前社会没什么关系的奇妙外力，由此具备了对抗强权的准备。

例如在众人还在醉生梦死沉迷盛世幻象之际，他们已经做好准备搅个天翻地覆了，即使单枪匹马也无所畏惧。

这让我想起高中时看的《悟空传》：我要这天再也遮不住我的眼，我要这地再也埋不了我的心，我要这诸佛都烟消云散。

多么令人激动的豪情壮语啊，多么闪闪发光的理想主义啊。

古今中外莫不如是。

只是当年的猴子被五指山镇压了五百年，最后还是背上行囊随了玄奘西天取经，天宫照旧莺歌燕舞，花果山不再有齐天大圣美猴王。

而Alita的反抗号角刚刚吹响，谁也不知道等待着她的是怎样的结局。

这部电影并不回避理想主义，也不回避现实。

在一定程度上跳出了好莱坞套路。

Alita在酒馆的激情演讲和我们熟知的英雄电影套路一样，不过接下来的场景并不是振臂一呼应者云集，而是无动于衷的看客们压抑不住的笑声。

这并不是嘲笑，而是听到笑话的笑。

对啊，多么幼稚的小女孩啊，居然想让自私的人类为了正义团结一心。

当理想主义触礁现实，哪有那么多一呼百应，大多数人冷眼旁观才是最正确的打开方式吧。

电影对人性的探讨也很值得玩味。

再善良的少年也会为财贩卖（机械）人体器官；大块头在酒馆要虐杀Alita，随手戳死了个赏金猎人。

其他人顿时噤若寒蝉任由坏人为所欲为，倒是Alita路边认识的小狗挺身而出叫得英勇；魔王集团明目张胆卖凶杀人，比赛现场变成角斗场，观众看着虐杀现场欢呼雀跃。

人性的懦弱和恶被彻底展现。

然而电影也不回避人性的灵魂闪光。

原本无动于衷的赏金猎人在小狗被虐杀后带上猎狗奋而追击；被Alita影响的Hugo决心停止作恶并力阻伙伴继续沉沦；为回归上流社会生活而服务反派集团的医生前妻最后反水成全Alita和Hugo。

这些矛盾而又真实的人性饱满了人物形象，也保证故事的思想深度。

说到人物形象的饱满度，不得不提一下Ido医生。

Ido医生对Alita父爱的表现是层层递进的关系，集中表现于三次叫Alita别动。

第一次是对决大块头三人组，叫Alita别动好在自己不敌对手时趁机逃跑。

第二次是在领赏金前开玩笑似的说别动免得又打死人了，这时的Ido医生已经清楚认知到了Alita的超强战斗力，也知道Alita的实力远在他本人之上。

第三次别动是在酒馆，大块头升级全身装备后再来袭，明知不敌对手，明知Alita实力超过自己，Ido医生还是说了声别动，然后把Alita保护在身后，大有螳臂当车的架势。

这只种勇气能解释做父爱的本能了，甘心舍弃自身做Alita的挡箭牌。

Ido医生作为不可忽视的主要人物之一，他也有自己的矛盾性和复杂性。

因为女儿被自己亲手创造的怪物杀害而自甘成为赏金猎人，手刃仇人也未能让他获得心灵宁静。

他白日做妙手神医，晚上捕杀通缉犯。

怎料怪物越杀越多，他却依然无法找回宁静。

¨我杀他们，或是有一天叫他们把我杀了。

¨他是一个彻底与天空之城决裂的人，一个失去了妻儿的人，一个在杀戮中寻求宁静的人。

知道他在垃圾堆捡起了Alita。

一个痛失爱女后焦灼而痛苦父亲终于平静下来了。

Alita问他，Have you found your peace？

Ido医生回答，I found you. 同样因为Alita而改变人生轨迹的是少年Hugo。

最后一幕天人永诀，Hugo说，Thank you for saving me. 我想这话语里有愧疚也有感激吧。

为Alita两次舍身相救而自己注定要死去，为满足自己野心而做出的诸多错事，为Alita始终不离不弃的爱和救赎。

想来人性和权力的关系也真是奇妙。

人们总是在追求权力的过程中抛弃人性，而一旦人性被唤醒，权力也就没那么大的吸引力了。

魔王阵营三番五次妄图杀死Alita而不得，孰料Alita离死亡最近的一次却是为了爱情。

为了帮助Hugo实现梦想筹措资金，她毫不犹豫地掏出自己的心，那颗可以供整个铁城运转多年的赛博朋克心。

拿走我的心吧，卖了她，她很值钱，哪怕去黑市上卖也能卖很多钱……说真的，第一次看时我真的很怕。

出于对爱情的不信任和人性的体会，我怕Hugo真的拿走了她的心满足自己的私欲。

可是他没有。

他放回了Alita的心，也成全了他们的爱。

怕是Nova大魔王看到了要气到翘辫子，两个多小时的明枪暗箭都抢不过来的心竟然就这样被送回去了。

想是Nova知道如何利用权力获得效忠，却早已忘了爱情才是真正的毒酒和良药。

Nova善用权利蛊惑人心，他的铁城代理人Vector更是官场老油条。

宁做鸡头不当凤尾，与其在上层社会处于食物链顶端，不如骑在穷人头上作威作福。

这种官场学问我是不敢苟同的。

Alita更是一语道破他狐假虎威的嘴脸。

¨你是只提线木偶。

¨她一刀戳进Vector胸膛说。

面对大块头，她不无轻蔑地说：¨你是个奴隶，而我，是个不著名的垃圾桶女孩。

¨但就是这个不著名女孩摧毁了Nova大魔王设立的铁城国家机器，并剑指苍穹，公然向高高在上的等级制度提出了挑战。

我爱第一部这样的收尾。

不论最后大结局是成是败，都不重要了。

一切停留在发出挑战的时刻。

仿佛美猴王刚刚插上齐天大圣的大旗，一切都是个未知数，欣欣然的样子。

鉴于好莱坞当今越来越僵化的状态，超级英雄以及漫威作品的格式化，Alita是回归也是突破。

作为一个野心勃勃的大变革序曲，电影的完成度很高，值得获得荣誉。

这是罗伯特罗.德里格斯这个拍出《罪恶之城》《杀死比尔2》《杀出个黎明》的硬汉导演，能拿出这么一部柔中带刚的Alita不能不感激出于某种原因隐藏在他身后的詹姆斯 .卡梅隆。

卡梅隆作为漫画《Gunnm》的改编作家和制片人，通过饱满的叙事和精湛的视觉呈现，最大程度上呈现了一个科技高度发达的赛博朋克宇宙。

我喜欢这部Alita更多的是喜欢它层层铺垫后带来的无限可能性。

Hugo高空坠落真的领了便当吗？

Alita到底有没有摧毁大都会？

摧毁了大都会我们又能建立一个怎样的新社会？

假使Nova被推翻，新上任的统治者会不会成为一个新的Nova？

简而言之，Alita不是一部单纯的少女长成电影，它的眼界更大，发展空间更广阔，它更像是一部政治电影，一场大革命的前奏。

我愿意给出五星拭目以待这个赛博朋克少女将怎样大闹天宫，看这旧王朝如何土崩瓦解，看着新世界又会有什么不一样。

革命长路漫漫，希望Alita快快长大，打开一片新天地。

我要这诸佛，都烟消云散。

《阿丽塔：战斗天使》（2019），导演罗伯特·罗德里格斯，编剧詹姆斯·卡梅隆《战斗天使：阿丽塔》是詹姆斯·卡梅隆潜心十年之作，改编自木城雪户创作于90年代初期的漫画《铳梦》。

卡梅隆一直是电影行业的技术革新者，在电影制作上，卡梅隆一直坚持创造技术，而非仅仅是使用技术。

从《异形2》到《终结者》，从《泰坦尼克号》到《阿凡达》，卡梅隆一直致力于开创电影行业技术之先，无论是大规模使用特效还是动作捕捉，卡梅隆一直都在向所有人示范“原来电影还可以这么拍”。

《战斗天使》的技术创新之处在于采用了以动作捕捉创作的极度仿真CG角色与真人共同拍摄的先河。

如果单纯说动作捕捉的CG角色+真人，其实并不是新鲜事。

但是《战斗天使》之所以可以被视为当今电影工业的技术开拓者，就是因为这部影片只做了大量极度仿真的CG角色与真人深入互动互动甚至“乱斗”场景，这是之前采用CG+真人的影片难以企及的技术高度。

CG人物接吻的场面是很难制作的，因为接吻时需要调动丰富的面部肌肉，需要大量的建模。

另外，画面上CG人物和真人演员有交叠的部分，这工作量想想都害怕以现在电影工业的发展程度，做出CG角色已经不是难事。

但是最难之处，在于展现CG角色的细节，例如眼球的光影、毛发的动态以及大量调动肌肉运动的动作状态。

以往的CG角色，大多是只能建立人体外表的模型，给到中景、远景、全景是没有问题的，但是一到近景和特写就容易露出“马脚”，在人体细节和肌肉活动上不够逼真。

但是《战斗天使》的CG角色阿丽塔，之所以完全不惧近景与特写，正是因为特效公司给骨骼、肌肉、皮肤、毛发和衣服（包括角色被改造的身体）分别建模而后合成，从骨骼运动就开始模仿真人运动模式，使得CG角色阿丽塔高度仿真，克服了以往CG角色的“恐怖谷”效应，几乎达到乱真的效果。

为了使CG角色完全融入真人拍摄的场景，在拍摄过程中需要至少拍摄两条素材：一条是动作捕捉演员与真人演员共同表演的素材，以充分呈现未来CG角色与真人演员的互动感；另一条是不含动作捕捉演员的纯真人演员表演素材，以方便后期添加CG角色。

《战斗天使》中，CG角色参与了所有动作场面，而这些动作场面的调度都极为复杂，可想而知在影片拍摄和后期制作的过程当中工作量有多大。

眼球的光影看起来简单，在CG制作的过程中是极为复杂的在《战斗天使》的多场动作戏当中，最值得关注的就是Kansas酒馆阿丽塔与赏金猎人乱斗的那一场动作戏。

在这一场戏里，包括完全真人出演的演员（伊德医生与雨果等人）、“改造人”演员（包括扎潘在内的数名赏金猎人）以及CG角色阿丽塔。

最终呈现在大银幕上时，这一场戏景别丰富，剪辑节奏也流畅迅速，可想而知不仅在前期拍摄时摄取了大量素材，后期的特效和CG制作工作量也难以想象。

和可以靠纯CG制作的阿丽塔与改造人的初次战斗以及后期的几次机动铁球赛相比，混杂真人演员、特效演员与CG角色的这一场戏，可谓是目前电影工业最高水平的一次全面展现。

两边的人物是真人演员，左侧的改造人扎潘应该是由真人演员穿上绿色紧身衣做出来的真人CG形象，而阿丽塔是由动作捕捉创作的CG形象。

打斗这种程度的互动画面，制作起来简直太复杂了另外，在制作CG角色阿丽塔的时候，影片勇敢地“踩”了目前CG制作中最大的难点之一：毛发。

如今的特效技术，制作飘逸的毛发已经不是难事，三年前的《疯狂动物城》就已经能做到把动物毛茸茸的皮毛做得以假乱真。

然而《战斗天使》将CG毛发的制作更上了一层台阶——挑战了毛料织物和潮湿状态下的头发。

CG人物阿丽塔在被重塑以后，第一套衣服就是毛衣。

毛衣之所以难做，是因为其毛线料是由无数羊毛纤维组成的毛料编织而成，纤维纵横交错且在规则的构造下呈现不规则的排列，色泽和光感都非常复杂。

如果回想从前电影CG的衣物设计，大部分是无明显特征的织物。

而在《战斗天使》出现了高仿真毛衣的设计，并用两场戏去展现了毛衣的动态形象，可以说是CG技术的突破之一。

阿丽塔所穿的毛衣，不仅要跟随阿丽塔的动作不停变化形状，还要根据场景的布光来制作光影。

图片清晰度不高，在影院里看电影画面时可以感受到震撼：这居然是CG制作出来的毛衣！

另一个突破就是水中头发及潮湿状态的头发。

阿丽塔与雨果等人来到湖边看到火联的飞船，阿丽塔跳下水去从水中进入飞船，拿回狂战士机甲。

这里有大段的阿丽塔在水中游泳的场景，出水后的阿丽塔头发潮湿。

头发在水中呈现的状态是很难表现的，尤其是阿丽塔的发型是披散的中长发，发丝在水中的运动需要非常复杂的建模。

而潮湿状态的头发，既有结块，又有散落的发丝，还有水在头发上流动并滴落的状态，一帧画面需要建立无数图层去表现潮湿状态的头发。

这段短短几分钟的戏，头发的潮湿状态占了大半，并且做得相当逼真，这样复杂且没有现成模型可用的特效技术在之前的所有CG技术里面都不曾有人涉及。

或许只有始终走在电影工业技术尖端的卡梅隆才敢有如此大的魄力来挑战这样尖端的CG制作技术。

逼真的潮湿状态下的头发，虽然这只是个不太会被观众关注的小细节，但是其背后却是令人嫉妒的尖端电影工业技术在《战斗天使》的创作当中，詹姆斯·卡梅隆既是制片人也是编剧，从影片中可以很明显地看出，卡梅隆对于可以将特效和CG做到何种程度非常清楚，对于如何将这些最尖端的电影工业技术极致展现是有非常清晰的考虑的。

大到整体的情节推进、人物演进，小到每一场戏的场景设置、人物安排，卡梅隆都有明确的设计目的，不放过任何一个可以用来展示工业技术之美的机会。

这也让影片最终呈现出了目前好莱坞电影工业极致尖端的制作技术，让人瞠目结舌。

可以说，卡梅隆无愧于影迷对于其“卡神”的称谓，是真正的世界电影工业的执牛耳者。

《战斗天使》所展现出来的工业技术之美固然是一方面，从另一方面来说，作为改编自日本漫画《铳梦》的改编电影，《战斗天使》有一些值得深入思考之处。

《战斗天使：阿丽塔》改编自木城雪户的漫画《铳梦》我在写《疯狂的外星人》时曾经写过，改编电影有三种方法，一是只取形，二是只取神，三是形神兼取。

三者无分高下，皆有所长。

毫无疑问，《战斗天使》是取形的改编方法，借用《铳梦》第一部的内容，讲述了一个典型美国式青春故事。

影片主人公阿丽塔成长的核心动力，是与伊德医生逐渐产生的家人情感。

而除阿丽塔与医生之外的几组核心人物关系，包括伊德与前妻绮莲、绮莲与阿丽塔、阿丽塔与恋人雨果以及雨果与他的朋友们，情感核心也是亲情或类似亲情的一种情感纽带。

家人与亲情（包括类似亲情羁绊的爱情）是美式青春电影（或者更广义来讲，美式热血电影）采用较多的核心概念，主人公总是会通过失去旧的亲人（或恋人）、获得新的亲人（或恋人）和强化已有的亲情（或类似亲情的爱情）来取得行动推力，完成人物的成长或蜕变。

这种美式的故事驱动内核，或许来源于美国由来已久的人本主义思想。

得益于得天独厚的地理位置与历史条件，美国鲜少有来自于外部的整体危机与压力，因而有足够的空间与条件去追寻自我实现。

举一个不知道是否恰当的例子，同样是创作二战题材的电影，苏联的视角时常是呈现战争给普通人带来的苦难，德国的视角时常是对集体非理性的反思，而美国的视角则普遍是个人人性的升华，很多时候还带着一些宗教意味。

而美国的热血电影，事实上也时常讲的是个人的成长与带有一些宗教色彩的救赎。

《战斗天使》也是如此，正如我在写《流浪地球》的影评时所写到的，美国式的科幻电影总是会有基督教式的个人救赎与圣地情结，阿丽塔一人之力拯救（或感化）众人，并将撒冷天空城视为带有圣地色彩的所在，事实上是标准的美式情结。

同时，有一个有意思且非常美式的细节就是，阿丽塔的机甲术融合了一些咏春、一些自由搏击和一些空手道、跆拳道，而她使用大马士革钢刀的技法又带有一些日式剑道与居合道的风格，这种“拿来主义”式的融会贯通，可以说也是非常美国了。

阿丽塔的机甲术，带有一些咏春的痕迹在这种文化语境的局限下，《战斗天使》选择将以阿丽塔为核心的人物关系呈现为近似家庭关系的网络，并将钢铁镇呈现出一种带有童话色彩的城市、将撒冷天空城呈现为类似圣地的图景，是非常自然而然的一种选择。

不过，这种呈现的方式，与《铳梦》的原著有一定的差距。

这种差距，可以被视为《战斗天使》在改编过程当中，受到创作者所在语境的影响而发生的改变，这是一种不可避免的内核更换。

这种更换，使得《战斗天使》更像是一部美国电影，完全可以剥离原著，成为一个独立的电影故事。

帮助阿丽塔重生的伊德医生，在影片末尾被阿丽塔叫作“爸爸”，这样温馨的家庭情结，还是挺美式的如果我们回到原作《铳梦》的语境当中去，我们就会发现，电影对其所做的改编，几乎是颠覆性的。

《铳梦》创作于1993年左右的日本，是一部带有极强的时代特征与社会特征的漫画。

其时，日本刚刚经历过80年代的泡沫时期及1990年的泡沫破裂与金融崩盘，泡沫时期的繁荣与浮华瞬间破灭，整个社会经济陷入持久停滞甚至倒退。

九十年代被称为日本“失去的十年”，而在这个时期当中，产生了包括《铳梦》在内的一大批后来被视为杰作的科幻动漫作品——《机动警察》《攻壳机动队》《新世纪福音战士》《星际牛仔》等等，这些作品都富含了基于时代背景的深刻哲学，对于宇宙、世界、社会、科技与人本身都有极为强烈的思考。

《铳梦》漫画前6本在《铳梦》的世界里，撒冷天空城下方的废铁镇（在电影中被称作“钢铁镇”）是天空城倾倒垃圾的地方，也是为天空城生产物资的处所。

在此处，“人”的概念是混乱的，几乎所有人都是改造人（Cyborg），“原装”的肉身人（meat boy）几乎不存在。

而所谓改造人，与我们想象的状态完全不同，人可以被改造为任何形状，货车，枪械甚至蠕虫，只要安装上人脑与脊柱，就能被称为“人”。

正因为人已经失去了原本的形状和社会功能，所以在这个世界当中，所谓人的尊严是被消解的在废铁镇，正如“废铁”之名，所有东西，包含“人”在内，都是能够被“再利用”的垃圾。

任何“原装”的肉身人，都是废铁镇诸多“科学家”眼中的猎物，一旦有人失去了反抗能力便会被疯狂肢解并进行改造，由是被迫成为以劳动支付“改造”费用的奴隶。

这种逻辑是如此无懈可击而又无比讽刺——人类创造了科技文明，而又成为了被科技文明所奴役的“垃圾”。

《战斗天使：阿丽塔》中的场景。

只有这些器官，也能被称为“人”，那么人的意义到底是什么？

在《铳梦》的漫画中有更深入的思考，不过电影中只有这样一个镜头浅尝辄止这种社会构造，暗合了“失去的十年”的日本社会。

在泡沫时代，普通人创造了大量的财富，并由极尽享乐而花光了未来几十年的财富；在泡沫破灭后，大量人又因为这些虚无财富的消失而一夕破产。

曾经是风光无限的“职场精英”，如今只落得妻离子散、无家可归，回想当初穿金戴银、锦衣玉食仿似一场幻梦。

大量企业倒闭裁员，许多职员被弃如敝履，尊严尽失，自杀率逐阶攀升，至今仍居高不下。

也正是在这种社会环境下，所有人为了生存而承受着巨大的压力，艺术家也被逼迫向更深层次去思考人本身存在的意义。

这也是一种极为荒诞的场景，就好像庵野秀明在拍《新世纪福音战士》时，原本是想拍一部不亚于《高达》的机甲格斗动画，因为资金不足而不得不走入意识流的哲学层面，却意外创作出了“神作”。

《铳梦》的创作过程虽没有《EVA》这样戏剧化，但也恰恰体现了那一个时代独特的社会思潮。

《铳梦》经典场景，在《战斗天使：阿丽塔》中也有呈现《铳梦》的精神内核可贵之处在于，即便是在无尊严、被奴役的状态之下，女主角加里（即影片中的阿丽塔）仍然绽放成了希望之花。

这是一种根植于日本“绚烂毁灭”文化，而又将其升华的一种极富特点的精神内核。

这是一种值得深入研究的社会思潮，在昭和末、平成初有如昙花一现，在当时的一大批动漫作品中均有体现。

日本曾有过一种“昭和精神”，如果不带任何政治立场来看的话，这是一种尖锐的、木讷而刚毅的思潮，带有强烈的集体主义和理想主义精神，甚至为了达成信仰中的目标不惜“玉碎”（令人愤慨的是，正是这种思潮，给20世纪前期的东亚，尤其是中国带来了深重的苦难）。

而昭和的年号恰好结束于1989年这个特殊的年份——这正是日本泡沫破裂的前夜，也是冷战格局彻底解体、世界局势风云突变的一年。

1990年开始，日本进入平成时代（到今年结束，恰好是30年整），平成的前十年虽然是“失去的十年”，但是此时的政治、经济和文化的中坚力量都是生长于昭和年代的人，尽管被泡沫破灭的压力所奴役，却仍保有一定程度的昭和式的理想主义。

因而，《铳梦》当中在极度缺失尊严、极度奴役压迫的环境中绽开的希望之花加里，可以一定程度上被视作是日本当时这种独特思潮的高度凝练的一种象征。

在《铳梦》的世界里，所谓“人”，与虫子无异之所以说昭和末平成初的这种思潮是独特的，是因为随着时代的变化与当时中坚力量的老去，这种思潮很快隐匿于历史发展的潮流当中，逐渐消失褪去。

我们现在所熟知的“平成豚”的概念，大约是产生于2000年代中期，这个时代的年轻人正是出生于泡沫时代、成长于“失去的十年”的这一批人。

他们的童年亲历了从极尽浮华到社会崩塌的全过程，而在他们逐渐步入社会的时期，日本的经济增长缓慢、社会结构硬化，所谓“理想”与“奋斗”已经成为了令人耻笑的特质。

因而到了如今这个时代，在这些年轻人在成为了社会中坚力量之后，逐渐建构起了一种失去理想、几近绝望的社会思潮，因而如今有相当一批动漫作品是以无法摆脱的绝望与永无止尽的压迫为精神内核而创作的。

这种有些“丧”的思潮逐渐成为了日本相当程度的主流文化。

不知道在更换年号之后，这种思潮是否会有所改变。

正是因为社会思潮已经彻底转变，因此，即便是将《铳梦》拿给现如今的日本导演进行改编，恐怕也已不能再拍出曾经的那种精神内核；即便完全按照90年代的语境来进行剧本创作，在如今也不太可能引起广泛的共鸣。

这种囿于时代的语境局限，甚至比《战斗天使》在改编时所遇到的跨文化语境局限更大。

《铳梦》的绝望与奴役之中仍然存在着希望不过，这种语境的局限只是一种外部条件。

如果我们将《战斗天使》视为独立的一部影片，这种局限实际上倒是没有什么太大的问题。

不过，从卡梅隆所撰写的剧本也可以看出，作为一名岁数比较大的电影人，卡梅隆的戏剧审美带有一定的时代特征。

从现在的观影习惯来看，《战斗天使》的情节展开比较慢，尤其是开场节奏较缓，带有一些上一个时代的商业片印记。

如果是现在的年轻编剧来写的话，或许开场不会选择首先展现撒冷天空城与钢铁镇的关系，而是会选择一场节奏较快的机动铁球赛，或是一场激烈的动作戏来直接进入情节的展开。

开篇首先展示奇观，是卡梅隆式的商业大片的习惯《战斗天使》所展现出来的电影工业技术令人震撼，作为一个电影人，我实在是对卡梅隆和罗德里格斯感到十分敬畏。

作为一部好莱坞的商业大片，《战斗天使》是绝对值得买票去电影院一看的影片，请记得一定要买3D IMAX。

如果用一句话概括本片，就是：超级赛亚人的爱情大魔咒。

《阿丽塔：战斗天使》（以下简称“《阿丽塔》”）的绝大部分场景发生在废铁城（也译为“钢铁城”），这是片中的“平民之城”，也是本片的视觉亮点之一。

因为布景是真实的，颇有未来升级版九龙城寨的感觉，细节到招牌的字都很清楚，刚好我看的是IMAX巨幕版，当依德医生带着阿丽塔走出诊所、参观钢铁城的熙来攘往时，在巨幕面前，我感觉如在其间，所以强烈推荐看IMAX版。

片中最值得关注的炫目视觉效果段落，当属“机动球比赛”，是本片视觉技术的最集中展现，画面效果相当惊艳，在巨幕前跟随阿丽塔一起风驰电掣，嗨翻全场，堪称CG版的“哈利·波特参加魁地奇比赛”，而且也是全片的主线之一，在后续的系列中还会继续出现，有如《饥饿游戏》中的“饥饿游戏”。

而此前网络议论很多的“卡梅隆修改阿丽塔大眼睛”，看来是卡梅隆赢了，因为整个观影过程中我并未觉得阿丽塔的大眼睛（确实比例上比正常人类是大很多）有违和感，或许还是特效技术过硬的缘故，而且这种忠于原著的做法也很让人佩服。

许多人看过《阿丽塔》之后想到的都是《阿凡达》、《攻壳机动队》这类的电影，然而我的第一直觉，是想起了诺兰的《星际穿越》。

因为无论是《阿丽塔》还是《星际穿越》，尽管出自不同导演，各自剧情背景并不相同，但这两部片子却在呈现上给我的感觉非常之像：他们都是用最炫目的视觉效果，用最前沿的技术，用未来的背景设定，用科幻电影的硬外壳，讲述人类最柔软的内心——来讲述、表达全人类共同的最简单、最容易产生共鸣的情感。

《星际穿越》主要讲述的是父女亲情，而《阿丽塔》则是从“生化人少女”阿丽塔的视角，讲述了他与“养父”（发现并救活她的依德医生）以及初恋情人——人类小伙雨果的感情。

电影开场，就是扮演依德医生的沃尔茨出现在26世纪的废品垃圾堆里。

沃尔茨有着一张奸笑的脸，因此他出演了太多黑暗怪异的角色。

所以在《阿丽塔》里，他最初以“慈父”的形象出现，颇让我觉得意外，为什么会选择他这个奸笑脸来演慈父，不过剧情的发展证明了本片选角的正确无比：依德医生还有另外一面。

在开场的垃圾堆里，依德发现了阿丽塔的残骸，她是被从“浮在空中的最后城市”丢下来的，而依德医生恰恰是一位医生，准确地说，是一位修复生化人的医师，所以他在手术台上把阿丽塔修好“复活”了，用的正是多年前他为了让双腿残疾的女儿能够重新站立而制造的躯体。

在此处，阿丽塔和依德之间的“父女之情”诞生了：一个生化人和一个人类之间的复杂情感。

却也在此处埋下了影片的另一条主线：阿丽塔的自我发现、自我找寻。

因为依德与她之间的父女之情，仅仅是因为依德赋予了她一个新的身体（本是他为自己残疾女儿设计制造的身体，但后来女儿身死，他思念女儿就一直保留着这副躯体）。

如果这副躯体损毁，又将如何呢？

这其中有许多很有趣的细节，比如依德第一次让阿丽塔吃橙子（生化人可以吃水果这个设定也蛮有趣的，而不是像变形金刚一样吃能量块），她对鲜美多汁的橙子味道无比惊讶，从此把橙子列为自己最爱的味道。

很快，聪明的阿丽塔就发现了依德的另一个隐藏身份：赏金猎人，猎杀被通缉的生化人犯罪分子，以此来赚钱维持他诊所的运营。

就在依德医生险遭杀害之时，埋藏在阿丽塔记忆深处的战斗属性被唤醒，她以敏捷的身手击败了生化人罪犯，救了依德医生。

她毕竟还是一个“少女”，在发现了自己的战斗能力之后便一发不可收拾，她闯进猎人酒馆，教训所有对她不屑一顾的猎人，还试图只身去对付再次找她寻仇的生化人罪犯格鲁依什卡，结果却不知对方已经成为了某个邪恶力量的代理人，身体被改造，战斗能力被强化升级，待依德医生赶到之时，虽然罪犯已经逃走，但阿丽塔已经被生化人罪犯砍成几截，奄奄一息。

依德医生心如刀绞，因为这是他第二次失去了自己的“女儿”。

无可奈何之下，依德医生只好为阿丽塔换上了一副新的身体，这是阿丽塔和朋友们在一个陨落几百年的火星飞船上找到的，是原属于她的“真身”。

此前，依德始终不肯为她换上，因为他了解一切，知道阿丽塔就是几百年前星际战争中的火星狂战士，是如今仅存的一个，换上“狂战士躯体”必然唤醒她的“战斗少女”属性。

也就是说，依德医生出于对逝去残疾女儿的思念，而医活了一个“战斗少女”。

他始终想极力掩盖这个事实，因为一旦明确，结果很可能是他将再次失去这个“女儿”。

所以贯穿全片的，是沃尔茨那张苦笑脸，一个重获所爱却又心事重重的“父亲”，为爱而让阿丽塔“重生”，不过这其中又包含他怎样的人生经历？

而就在这时，阿丽塔也遇到了自己的心动之人——人类小伙子雨果，并且因为他的推荐，成功地把自己最爱的味道从橙子换成了巧克力（果然是有了初恋忘了爹）。

是雨果教会了她玩机动球（Motorball，一种类似穿旱冰鞋抢球的游戏，我看的港版翻译是摩动球），他开着摩托车带她兜风，她开始进入了叛逆期，对“老爹”依德医生的各种关心和警告当做耳旁风，而对雨果的种种冒险游戏心驰神往。

甚至连雨果说自己的毕生梦想就是上去天空之城时，阿丽塔也欣然接受，尽管那意味着二人分离，但阿丽塔想的却是成全恋人的梦想。

她甚至扒开自己的身体，将跳动的心脏掏出来献给雨果。

那是一颗核能心脏，一颗心脏就可以为整座城市提供能量，仅存一颗，别无他售，真可谓价值连城，一旦卖掉就可以让雨果上去天空之城。

这也让人见识了原来生化人表白恋情的方式，就是真的“掏心掏肺”给别人。

然而就像许多少女的初恋一样，阿丽塔的“掏心掏肺”并没有得到她所应得的爱。

年轻人对于阶级跃升的偏执幻想，总是非常执着，而且不惜代价，也往往悔之晚矣，比如雨果。

一个具有点亮整座城市能量的核能心脏的火星战士，却依旧是一个未识人性之复杂的懵懂少女，她超强的战斗能力，却依然无法让她摆脱最简单的情感问题之困扰，也未能让她摆脱最难以选择的问题。

所以，看到这里我就明白，为什么饰演片中阿丽塔的原型演员罗莎·萨拉查曾经说，她看过剧本后的第一感觉就是，她很佩服制片人卡梅隆和导演罗德里格兹，因为在影视圈里很少有两个钢铁直男可以攒出如此懂得少女心境和感情历程的剧本。

无论她是战士，是火星人，是生化人，还是什么，她始终是少女阿丽塔。

自我发现，初恋魔咒，始终是她需要面对的问题，也是每一个teenager需要面对的问题。

这就是完美的商业大片逻辑：用最炫目的视觉效果，用最前沿的技术，用最未来的设定，用科幻电影的硬外壳，讲述人类最柔软的内心——来讲述和表达全人类都能够很好理解的、最容易产生共鸣的简单情感。

这种情感不会因为太未来、太科幻、太宇宙，而让坐在观众席上2019年的我觉得无法理解，觉得异类，觉得难以共鸣，这种感情跨越种族、文化、国界，全人类相通。

我想，这绝不是卡梅隆和罗德里格兹甚至诺兰的选择，而是成熟的电影工业共同的选择。

还有一个很好玩的小细节是，因为本片背景设定在26世纪，所以片头那个大家熟悉的探照灯照亮“21世纪福克斯”的片头会变成“26世纪福克斯”，但愿电影工业这个人类的造梦艺术，真的可以活那么久。

Does it bother you that I am not a completely human?

发量不错充斥垃圾、废墟和报废零件的回收场里，阿丽塔本可以一个人蜷缩在角落里一直到天荒地老，直到依德医生从废铜烂铁里发现了她，阿丽塔开始了寻找“我是谁”的追问，完成了从一个机械残躯到战斗天使的成长。

而作为观众的我们，在银幕前，目睹这个女孩睁着兴奋的大眼睛，逐渐学习、成长、品尝到生命的奇妙乐趣，不仅会慢慢相信阿丽塔是一个人类，也感觉自己仿佛沉浸在故事设定里，置身于丰富多彩的钢铁城，成为她经历的一部分，体会这个世界的美丽与混乱，看她不经意间发现自己身上有关战斗技巧的秘密，在她的灵魂深处找到战斗/活着的理由。

这种浸入式的观影体验，要感谢卡梅隆和导演罗德里格兹。

他们从每一帧画面，从沐浴着阳光、色彩斑斓的钢铁城街头，到抑或开朗幽默、抑或狂妄自大的改造人，到惊心动魄的镜头速度感，通过最顶尖的电影科技（包括面部表情捕捉系统、实时将数字角色叠加到演员身上的协同工作摄影机系统，3D立体摄影机系统），表现的完美而震撼。

就这样把一个“微不足道的女孩”，蜕变成向权利巅峰宣战、成为拯救自己的好友、亲人、乃至这个世界的关键的过程，讲述的激情而热血。

当阿丽塔看到拿着锃亮的大马士革钢刀的扎潘走过，那刀锋雪亮，仿佛随时能切割一切，他浑身银光，防冲击防激光的特殊材质包裹住全身，不自觉产生羡慕、想要的情绪。

实在是……太帅了。

——阿丽塔看着全身泛着金属光泽的扎潘的背影，心都要融化了。

从那时候起，就有一个朦胧的想法植根在她脑袋里：好希望可以变得很强大，好希望，能成为刀枪不入的战斗天使啊。

阿丽塔有一种不服输的精神。

不管敌人有多强大、多凶恶，她都不会退缩。

在被格鲁依什卡打的全身肢解，只剩一条胳膊和头的时候，不急不躁寻找突破口，最终凭借独臂反击，手腕飞快地在地面弯曲用力一弹，炮弹般弹射飞向空中插瞎敌人右眼。

机动球比赛上，即使被所有对手追杀，绝境一般的境地，接到雨果电话求救，二话不说咬紧牙关不放弃，凭借地形、工具、速度的优势，解决所有追杀选手，披荆斩棘赶去营救小男友。

【小男友，要你何用！

】只是阿丽塔看似强大没有弱点，依然恐惧自己不是人：她试探又讨好地小声问雨果（同时也在问观众）：Does it bother you that I am not a completely human? 我不是完整人类这件事让你觉得烦恼了吗。

雨果深情地凝视她回答：you are the most human person I've ever met. 你是我见过的最人类的人。

虽然真相是雨果那一刻也不是真的爱阿丽塔，他同时还在帮阿丽塔的对手维克多贩卖人体机器肢体。

观众呢，观众都知道其实你是假的……当然即使是完整的人类，对于爱或者被爱，存在还是虚无，也有相同的质疑。

你为什么爱我，你爱的是我的身体还是我的灵魂，你爱的是我的钱还是愿意为你花钱的我。

To be or not to be, that is a question.

阿丽塔全片一直在成长，成长的高潮爆发在雨果死时，阿丽塔单手把大马士革刀插入通向天空城撒冷的管道，眼睁睁看着雨果坠下苍穹，只能痛苦地嚎叫，心里生出千般万般不切实际的幻想与撕心裂肺的不舍，理智上无论如何也接受不了。

漫天的日光似一下子跌落眼中，刺痛的双眼流出晶莹液体，周遭钢磨铁搓的声音都离她远去。

她想起和雨果刚相识的那个普通的一天，机车男孩帅气地从独轮摩托上一跃而下，浑身散发出一股强大的吸引力；她记得他笑话她说最好吃的竟然是橙子，带她品尝那个叫做巧克力的美味甜食；还记得，雨果鼓励她参加机动球赛，最终变成她梦想起航的地方。

而今，她在千万米高空中，独自挂在断壁残垣之上，茫然四顾，重生以来第一次尝到孤独的滋味。

直至此时，阿丽塔明白了，接下来的人生，她要自己勇敢走下去了。

于是剧终时，身材娇小的她坚决而果敢地单手向天空城撒冷举起长刀，所有情绪都从刀尖汹涌而出，问天也问自己——我，阿丽塔，正式向撒冷宣战，诺瓦，你，准备好了吗。

阿丽塔一直有一种独当一面的魄力和阳光直率的坦诚，风里来浪里去，谁敢欺负她在意的人就揍回去，想要第一就去争夺。

这天下谁也不能阻拦她！

大不了，将这天捅个窟窿，有什么好可怕的！

大马士革刀耸立苍穹，放眼全天下，纵横钢铁城，没有一个男人能比她更帅气。

写文章之前，问了几个二次元朋友，问了下他们对《铳梦》的看法。

毕竟有《攻壳机动队》这种巨大影响力的作品在前，《铳梦》显得更加小众，但是在许多人心中，仍然还是难以割舍的经典啊。

虽然很多想法，并非《铳梦》独创，但是他却把废土世界、反乌托邦的主题，进一步深化，开始探讨人性的阴暗和光明。

电影明年才上映，但是预告片最近出炉了。

看起来仍然让人惊喜不已，乍一看暗黄的色调比较沉闷，但是日系卡通化的眼睛，神还原了漫画

另一方面，影片又有真人参与，

在技术上，也只有卡梅隆这种geek狂，才愿意去追求的未知领域。

背景： 铳梦 时代的 日本漫画铳梦 创作于 1990年代，彼时的日本正是经济起飞的最后一段，筵席的高潮接近尾声，马上就要由盛入衰。

在《铳梦》诞生的1991 年， 日本的人均GDP 为28000 美元，而同时期美国只有23000 美元。

那是一个日本哪怕再小的公司，年会都要去东京最好的酒店开的浮夸年代。

而1985年《广场协议》之后，日元贬值，至今已有5年，衰退的气息在一群先知中弥散。

于是1989年，《攻壳机动队》出炉，开始探讨科技发展之后的未来，对社会，道德，秩序的冲击。

《攻壳机动队》里，人的肢体在机器、电脑的帮助下，物理意义上的功能变得无比强大，但是人和机器的分野，开始成为弥漫在社会中的冲突和矛盾。

而《铳梦》则在1991年在《Business Jump》发行，也在讲述一个近未来，机器和人结合的废土世界的科幻故事。

某些意义上，他比《攻壳机动队》探索的更深，对未来的影响也更为深远。

影响1： 二元对立的未来世界未来世界到底是什么样的，一直是科幻小说家们乐于刻画的景象。

而其中一大类型就是反乌托邦的描画，其中影响最大、最深刻的文学作品，非乔治·奥威尔的《1984 》莫属了

19849.4[英] 乔治·奥威尔 / 2010 / 北京十月文艺出版社1984里的二元对立是统治阶级和被统治阶级。

在《铳梦》里，二元对立进一步发展，被精细描画为两个世界的充分对立。

一方面是，地上的废铁镇，这里充满着贫苦、罪恶和暴力。

另一方面则是天上的城市沙雷姆，哪里未被污染，是如同天堂一般的存在。

沙雷姆是未来世界的统治者，而与之对应的废铁镇居民，与其说是人，不如说是奴隶和牲畜，不仅被沙雷姆以高压政策管理，雇佣赏金猎人定向清除不安分的废铁居民，同时还组织残酷野蛮的死亡竞赛，以缓解废铁居民的怨气和人口压力。

这种反乌托邦的社会，在《铳梦》里，不仅是统治地位的对立，连居住环境，思维模式都有了充分的不同，统治阶级甚至不像是《1984》那样，编造一些谎言来维护统治。

可以说，把反乌托邦推向了暗黑的对立的深渊。

这种对立世界的描述，影响了后来的许多作品，比如描画空间对立的《逆世界》

逆世界 (2012)6.42012 / 加拿大 法国 / 剧情 爱情 科幻 奇幻 / 胡安·索拉纳斯 / 吉姆·斯特吉斯 克尔斯滕·邓斯特描画空间和人性对立的《极乐空间》

极乐空间 (2013)6.52013 / 美国 / 剧情 动作 科幻 / 尼尔·布洛姆坎普 / 马特·达蒙 朱迪·福斯特影响2：缸中大脑看过《黑客帝国》的同学，一定会对这个问题不会感到陌生。

人在未来变成了脑后插管的能量源，在虚拟的电子世界里生活。

而这种思想的来源是美国的哲学家希拉里·普特南曾一次思想实验。

他提出了一个问题，如果人的脑子被一个泡在福尔马林中，被连上了各种电极，模拟出各种感觉刺激大脑，那么这个这个大脑是否能意识到自己生活在虚幻之中？

《攻壳机动队》的部分主题与此类似，但是《铳梦》则更直接的点破了题，来讨论什么才是真实。

在漫画的后半部分，沙雷姆这个人间天堂的真实面貌开始展露出来，这里生活的行走的人类，都是插入芯片的行走机器，而他们的真实大脑则被集中在沙雷姆的某处管理。

这个设定，直面缸中大脑的假设，甚至探讨了知道这个真相的漫画人物的反应和思考：崩溃 ，接受，然后思考，什么才真正的人类 和 “自己”。

作者木城面对这个经典的哲学问题，在书中处处给出了自己的暗示：思想和大脑可能并不是合二为一。

灵魂是高于大脑这个肉体的存在，在于人所拥有记忆、经历与社会关系。

这可以说，也为后世的机器人有灵，这一主题，埋下了思想伏笔。

关于机器人有灵的主题，也是许多科幻小说的喜欢的题材，经典的如斯皮尔伯格的《人工智能》

人工智能 (2001)8.72001 / 美国 英国 / 剧情 科幻 / 史蒂文·斯皮尔伯格 / 海利·乔·奥斯蒙 弗兰西丝·奥康纳近的如《西部世界》

西部世界 第一季 (2016)8.92016 / 美国 / 科幻 西部 / 乔纳森·诺兰 强尼·坎贝尔 理查德·J·刘易斯 米歇尔·麦克拉伦 尼尔·马歇尔 文森佐·纳塔利 弗雷德里克·E·O·托耶 斯蒂芬·威廉姆斯 / 埃文·蕾切尔·伍德 安东尼·霍普金斯都在假设，没有肉体的大脑，机器是否能产生灵魂的主题。

在铳梦里，作者非常残忍的展示这一切：废铁城的人有着人类的大脑，却没有人类的躯体；上界的人有着人类的躯体，却没有人类的大脑，所以到底谁才是人类？？？

影响3：少女救世主歌德在浮士德最后曾经说过，永恒之女性引领我们向前。

书中虽然明指圣母玛利亚，但是历史以来，女性作为引领者的角色，显然是少的。

而《铳梦》则延续了这个命题，成为了《风之谷》之后，又一个集所有美好于一身的形象，带着自己的梦想，永不退缩的向前。

最后：人性的贪婪与失落《铳梦》的高级之处，还在于作者强大的思辨性。

漫画里无数穿插的小故事，都是作者在思考人的精神世界的反应。

出了主角希望奋力进入沙雷姆，却发现哪里的人类，根本没有大脑的荒诞场景。

作者也在追问，许许多多精神追求到底有没有意义，如果精神追求没有意义，到底什么追求才有意义？

《铳梦》的漫画里，作者花了不到10页讲了一个故事， 一个热血青年成厉鬼的故事。

维克多是一个吸血鬼，在成为鬼之前，收到感召，参加十字军，为了理想战斗、杀人

然而，他的追随的事业、宗教最后背叛了他，作者都没有解释原因，只给了维克多被吊死的场景

他的愤怒不甘，最终由于被吸血鬼咬了，最终引领者他成为了厉鬼，最后只能在荒野中哀嚎，感叹自己被抛弃

精神世界的荒诞，再次展现出来。

再一次重复，这个作品最深刻的质问：废铁城的人有着人类的大脑，却没有人类的躯体； 上界的人有着人类的躯体，却没有人类的大脑，所以到底谁才是人类？？？

电影明年上映，不知道电影会把一部深刻的漫画，改变成什么样。

毕竟有卡梅隆同志的加持。

上一次见他真正的导演作品，毕竟还是2009年了：

阿凡达 (2009)8.82009 / 美国 / 动作 科幻 冒险 / 詹姆斯·卡梅隆 / 萨姆·沃辛顿 佐伊·索尔达娜不知道，这一次会不会再现阿凡达的盛况。

毕竟《铳梦》的主题，更加深邃。

木城ゆきと《阿丽塔：战斗天使》将在中国上映，原作《铳梦》的漫画家木城ゆきと也来到北京，分享了他对漫画创作和电影的心得和看法：木城ゆきと写作汉字的话应该是“木城五土”，五土的日语发音在日本没人读得对，我就干脆不用汉字，而改用假名，所以ゆきと反译成汉字，木城幸人和木城雪户不能说错也不能说对。

在我年龄的不同阶段，会有很多艺术家和作品影响自己。

小学时期是手冢治虫、松本零士等人，这些大师的影响并不会在我的作品中有特别具体的表现，影响的层面更多是内在。

直接影响我的是在高达sf时代涌现的漫画家诸如：高桥留美子、大友克洋以及板桥秀丰（代表作：《CYBER 7》）等等。

在创作科幻漫画时期，影响我的则是乔治·奥威尔的《1984》、雷德利·斯科特的《银翼杀手》和乔治·米勒《疯狂麦克斯》。

板桥秀丰《CYBER 7》最初投身漫画创作，我很少用电脑绘画，但在95年之后开始全面使用电脑作画、加工、甚至用CG来构建场景，并且刻盘保存画稿。

画《铳梦》时期，我的作画速度快一点，现在画一页则将近要一天。

日本漫画作品有很多名字起得很长的，当时还作为新人的我，为了让读者记住自己的作品，所以就会选择简单的汉字组合作为作品名。

之所以叫《铳梦》，是因为早期创作这部漫画的时候，考虑到使用枪械和梦境的元素，所以把“铳”和“梦”这两个字结合起来。

但是画着画着，格斗元素多了起来，所以被很多人吐槽说《铳梦》没有枪。

不过现在我对“铳梦”有了新的理解，“铳”代表暴力，是在物质层面的，而“梦”代表内心，所以“铳梦”是物理和内心的融合。

在《铳梦》之前，我绘制的是以男性为主角的作品，但这部作品并不成功。

当时的责任编辑认为我比较擅长塑造女性，可能是因为我不懂女人，所以就把自己内心比较柔弱、比较接近女性的地方进行剖析，然后提取这部分中我认为好的特征，填充为《铳梦》的加里这个形象。

（创作中会咨询身边女性朋友吗？

）没有，我身边女性朋友很少。

《铳梦》漫画女主角叫加里，电影沿用美版的名字阿丽塔，在原作中加里是比较内向的角色，电影里的阿丽塔的个性比较强，而且经常会笑。

我对电影印象深刻的场景是阿丽塔最初醒来，起床下楼之后，医生给了她一个橙子，阿丽塔咬了一口有苦涩感。

在漫画中这样的场景是很难有延续性的细节表现，因此也感受到了电影的独特之处。

《阿丽塔》电影我基本没有参与，因为完全信任制片人詹姆斯·卡梅隆。

《阿丽塔》是一部非常好看的电影，电影再现了我在漫画中传递的“魂”的精神，并且许多漫画场景都得到了很好的还原。

《铳梦》中我融入了中国拳法的元素，因为中国拳法招式很多，名字也很酷，打出来比较漂亮，但是当时日本社会对中国拳法有些理解误区，所以我想通过搜集武术和格斗资料，真正理解中国拳法，再描绘出来。

我会把平时爱听的音乐融入漫画创作中。

我喜欢听重金属，比如铁娘子、平克·弗洛伊德，伽马射线、万圣节这些乐队。

但在构思的时候会听纯音乐，而在作画阶段就会听这种激烈的金属音乐。

虽然我喜欢废墟和垃圾场，创作的时候会骑摩托车去考察，但漫画中的场景主要是通过想象。

总得来说，多看书、多看电影、多看动画和多玩游戏对创作有很大帮助。

《铳梦》中有很多赛博格(义体人类)，我自己对赛博格化的改造能够接受的程度是：假如我下半身瘫痪，那么改造是可以接受的，当然现在科技最多也只能做到这一步。

虽然我是画科幻漫画的，但是我认为，科幻并不是对未来的预测，所以我并不会对未来做出具体的预测，但我对未来有悲观和乐观的两面看法。

悲观的一面是科幻作品中所展现的不好的一面可能正在发生，乐观的一面是人类有能力把这些困境通过团结扭转局面。