无名小辈

现代性与导演意志

在《醉乡民谣》结尾的惊鸿一瞥中，舞台中间氤氲的光雾里，慵懒随性准备弹唱的，正是日后耸立于音乐史乃至世界史的巨匠鲍勃迪伦。

如果说人可以庸俗唯物化，那么量的积累与质的飞跃，在某种程度上就可以概括《醉乡民谣》的叙事轨迹：一个失败的量的切片，在结尾结出了质变飞跃的前兆。

但从叙事结构上看，《醉乡民谣》的叙事结构，则完全没有把任何人物质化的意趣，是在根本上把循环受挫的失败者也当作人来温情颂扬的表达。

而最合适的叙事意图，其实是两者的结合，一面是失败者，一面是生而为人，他虽然无足轻重，但他也曾来过，所以这样的结尾才充满人文气息令人动容。

而在《音乐大师》中，呈现的是完全另一幅画像。

电影不明就里地尝试从现象中的凡人直接阐述到意义上的大师，妄图跳过马勒、肖斯塔科维奇、莫扎特等古典乐需要艺术灵韵赏析的显形门槛，而尝试直接在感性上利用机械复制时代的技术，创造一个所谓最佳理解问题理解人的切入角度，结果是观众只能得到一个“原来大师不过如此”的排除性结论。

而《无名小辈》在叙事上选择前者的难度极大，因为鲍勃就是那座令人仰止的高山，能做的，就是在他身上刻画出更贴近平常人的切片，或者说缺点的面相，来呈现他立体的各个层面。

所以电影毫不意外地选择了后者。

而从质料上来说，无论是民谣还是插电摇滚抑或只能用迪伦自己来定义的所谓鲍勃迪伦式音乐，都不是那种需要崇高、充满灵韵令人敬畏的古典乐，而是机械复制时代的产物，是每个人唾手可得的黑胶或电子产品，是跳过了鉴别分别的硬性理性门槛，是任何人在感性软性上都可以理解欣赏的歌曲。

但这却引起了两个致命的问题。

那就是后者如果要探究鲍勃迪伦歌曲为何而来的渊源，其追求，在探寻其针砭时弊歌曲的各种“灵感”作为社会中个人记忆的过程，还原曾经“个人在历史现实”的影像逻辑，是在复现社会的另一面，构建往事的过程中，观众的感知虽然是叙事视角的主要承担，但是视角的参考系既社会环境也一直在变化，所以叙事从现象到意义的阐述就不但只是所谓灵感来源的标签，亦是重塑人物一贯始终的戏剧张力，但这样的张力在电影中的处理恰恰是一个“历史在个人之中”的循环论证。

于此同时，其实最不需要探究的就是鲍勃迪伦歌曲的灵感来源，因为其歌曲太过脍炙人口，广为传唱，其歌词适用性可以千变万化而始终适当，其本尊经历太有名、太有代表性，加之历史太为人所知，电影采取的浅尝辄止、蜻蜓点水式的处理会显得过于理所当然，让不同的切片的所谓灵感来源，成为了某种契和剧情，用来起承转合作用的同人文发展脉络。

在此，所谓变幻的黑箱式“戏剧张力”实在是让人不懂为什么突然之间，鲍勃迪伦为什么在纽波特民谣节上插不插电、是否继续传播民谣就成为了一个非常关键的问题，到底在成功和失败什么，又太好懂挨了一拳就去找前女友哭诉为什么我这么有才而其他所有人都是傻逼的桥段处理；而同人文的起承转合也到了既然《The Times They Are A-Changin'》已经开始传唱，所以和艾丽范宁饰演的Sylvie Russo分手去往下一段旅程，成为了用脚趾头就能猜到必须的剧情发展，又让人不明白深夜敲响女歌手Joan Baez的房门，约了一炮然后一起演出再甩脸不配合演出到底是不是因为鲍勃迪伦已经厌倦了其他人的平庸、无聊和保守而恃才傲物，自觉潮流。

所以，《无名小辈》甚至都难以被成为俗套的流水账式传记，它其实是在要求所有懂或不懂鲍勃迪伦的观众自己去构建一个A Complete Unknown but known by everybody automatically的维基百科式神话。

有趣的是，最有对比性的两个桥段，都是由艾丽范宁贡献的，第一次是希尔薇欧洲旅行，鲍勃还没成名前，质问为什么一个不出世拥有天纵奇才的无名小辈连向亲近之人都不愿意透露自己的过往，第二次式希尔薇自己成为了那个无法向任何人倾诉自己处境的可有可无的无名之人。

从不愿诉说，到无法诉说，希尔薇是真正能够诠释 A Complete Unknown 最佳标的的坐标，但傻逼学院甚至不愿意给范宁一个女配提名，而是选了两个蠢货。

就像结尾莫妮卡·巴巴罗饰演的Sylvie Russo和提莫西·查拉梅饰演的Bob Dylan的对话，面对这样一个所谓放下执念，甚至都有些道德运气，但最后居然已经赢得自由，而且作为一座高山一位天才就应该孤高不羁洒脱浪漫的所谓构建神话式传记时，我真的很借前国湿的话来问下：

文：野人五/编辑：Mr.Friday/图片：网络星期五言：我们之所以把这两部电影搁在一起对比评论，不止是因为它们都是在同一历史背景下演绎了同一类人，还赖于它们在创作理念、表现形式乃至创作者动机上完全走了反方向。

*这种背道而驰首先体现在了“主角的定性”上：注意：《醉乡民谣》（Inside Llewyn Davis，2013）里所有出现的人物（民谣艺人）都是没有名气的，是小人物，他们或许都有原型，但你绝对很难在网络上搜到他们的信息，电影中更没有去刻意渲染。

可以说他们的名气甚至还没有格林威治村里那些小酒吧的名字大。

（即便电影结尾出现了鲍勃·迪伦，导演也将其处理的及其模糊与背景化）围绕这些小人物设计的戏份自然也都无足轻重，比如说男主角满大街跑着找猫，比如说男主角在大学教授家做客，比如说男主角跟前女友商量堕胎事宜，再比如说他接录音棚私活当伴唱……这些桥段对那些《波西米亚狂想曲》之类的“传记片”来说简直就是下脚料！

具有讽刺意义的是，《无名小辈》（A Complete Unknown，2024）虽打着“无名”的招牌，却在处处借助“名人”效应提升角色的人气，从电影一开始报纸上“伍迪·格思里”的出场，到皮特·西格民谣夫妇的扶持，再到音乐搭档琼·贝兹、Johnny Cash……所有这些民谣历史人物被当成了电影的情节点，簇拥着把鲍勃·迪伦这个“无名小辈”推上了历史舞台的聚光等下，可谓“此处无名胜有名”！

不止人物在围绕主角一个个出场，连那些历史事件也被牢牢地跟主角的成名捆绑在了一起，比如说人权运动，反战……捷克作家米兰·昆德拉曾提出“大写的历史（即处于历史聚光灯下的那些人或事）”与“小写历史（即被历史埋没掉的升斗小民以及他们的生活琐事）”这一概念，我们可以说，《醉乡民谣》是个小写的历史，而《无名小辈》却在渲染“大历史”与“大人物”。

*其次差异体现在了类型化与反类型化上科恩兄弟（啊，是不是应该说科恩兄妹：）的《醉乡民谣》是“反类型”、“反故事”的。

或者说它是情绪与氛围先行的。

氛围与情绪先行的一个重要标志就是去“戏剧性”与“矛盾冲突”。

这两样东西会让电影落于“故事化”叙事框架，而故事化叙事又会稀释真实性与鲜活性。

因此你会在这部电影中得到一种强烈的阴冷、乏味、消极却又回忆感十足的散文式感觉（比如说男主角在雪地里湿透了的鞋子，比如说小酒吧里火炉般的灯光）却很难叙述出发生了什么动人的故事。

▲《醉乡民谣》剧照，2013《无名小辈》显然所有段落元素都在围绕“戏剧性”做文章，且不说那些围绕主角出场的历史人物，光是围绕主角鲍勃·迪伦弹奏时切入的“观众表情”之多，也足以把这位名人捧上天了。

▲《无名小辈》剧照，2024我们说这是好莱坞传记片再典型不过的剪辑标志了，从前些年的《猫王》，到《一个明星的诞生》，再到《波西米亚狂想曲》无一例外。

如果你看过《醉乡民谣》，不难发现这种戏剧性的表情反应几乎在片中为零，没有一处构图或镜头语言在突出名人或伟人概念。

*再次体现在了电影的整体基调上《醉乡民谣》整片像一首超长版的MV，歌起歌落，剧中的男主角也似乎转了个大圈回到了生活的原点（前后艺术对称性很强）。

显然那些民谣本身成了这部电影的主角，捎带着那些心酸乏味一成不变的生活感触。

而《无名小辈》里的歌曲单显然是为主角鲍勃·迪伦的“履历表”精心选取的，并按时间线机械排列开来。

所有其它电影戏份、事件乃至情感纠葛连同这些歌曲排列线形成了一个更为庞大的“鲍勃·迪伦豪华履历表”（尽管这个履历表只是截取了这位名人的一个阶段）。

*再再次体现在了演员的表演上（脸谱化与个人化）关于鲍勃·迪伦的纪录片、影像资料以及电影、文学改编作品不计取数，但凡你看过其中的几部，或许会对这一名人产生完全不同的印象（比如说鲍勃·迪伦嬉皮的一面，比如说他于垮掉作家金斯伯格的会面）。

显然，《无名小辈》的事件选取以及情节设计是有所保留且有所主题动机的。

在这一主题动机与类型框架束缚下的演员表演一定会落入一定程度的“脸谱化”，哪怕是再优秀的演员。

爱德华·诺顿演的那个老民谣艺人皮特·西格就是个典型例证（毕竟他在此片中的职能就一个，即辅佐与陪衬主角）。

更别说英俊、冷酷、高素养的好莱坞新秀“甜茶”啦，我们与其说他演出了个冷酷的鲍勃迪伦，倒不如说电影借他的脸和鲍勃·迪伦履历表包装出了一个更为大众化的偶像明星。

*最后谈谈两部电影的创作动机《醉乡民谣》以无名化、生活琐碎化以及反戏剧化表现出了一个更为真实的民谣时代，这个时代或许只是创作者主观印象里的民谣意象，因此它更具备一些电影独立化色彩。

《无名小辈》着实却在渲染一个伟人，一个明星，一个大写的历史。

而这一切，又被紧紧地与创作者乃至发行公司的商业动机、意识形态捆绑在了一起。

再次提醒大家对比两部电影，并拿来其它鲍勃·迪伦相关电影作比较，加以自己的思考，或许能还原出一个更为接近真实的“民谣”。

▼▼▼ 往期相关文章，你可能会喜欢：每当你被生活揣着屁股打转时，总该看看那部《醉乡民谣》《爆裂鼓手》“星期五文艺”独家解读解:《海上钢琴师》那些你没看到的东西谈鲍依：那个用摇滚做婊，赚了钱玩跨界的人恐怖海峡VS白居易：他们只差一把吉他

故事刚好发生在我之前去过的地方（来纽约第一周去打卡的Folk City和Gaslight Cafe），我现在住的附近（哥大旁边的河滨教堂），以及计划要去的地方（罗德岛州的Newport）。

很多来看电影的都是白发苍苍的老头老太，他们听得特别痴迷 Bob Dylan应该是他们年轻时候的偶像吧。

美中不足是主角人物塑造，甜茶扮演的Dylan自带男魅魔+自走炮光环，一弹唱就能让听众着迷，以至于剧情冲突的表现不足。

无论是和Joan以及Sylvie的感情（渣男本色），还是和Pete和Albert等人关于不插电民谣vs插电摇滚的音乐理念争执，缺少足够深度的对话或者独白来挖掘矛盾点，都用一段又一段的弹唱盖过去了（尽管歌词里埋藏了一些隐喻）。

不过故事的几位主角包括Bob和Joan本人都还在世（除了Sylvie原型Susan Rotolo已经离世)，很好奇他们自己会怎么看电影里的描写。

总而言之作为故事片有缺憾，作为音乐剧非常精彩。

《complete unknown》是我今年看过最好的电影，看的非常过瘾，激动。

甜茶演的非常好，这里的歌大部分都是他本人唱的，听的鲍勃迪伦多可以听出来的，鲍勃迪伦的嗓音很难听，甜茶的比他的嗓音稍微好一点。

十几年前看了袁越（土摩托）写的《来自民间的叛逆》，前两年又看了一遍，这本书也写的非常好，和这部电影里的这些音乐人一样，你能感到作者怀抱巨大的热情写了这本书。

这部电影摘取了鲍勃迪伦从寂寂无名到和民谣界诀别的一个阶段。

电影字幕说based on actual events （基于事实），大体上是不错的，但有些时间点，为了戏剧性做了调整，比如迪伦和琼贝兹的相识过程，真实事件里间隔比较长，电影里把他俩同居开始点放在古巴导弹危机时期了。

我不算是鲍勃迪伦的歌迷，甚至刚开始听他的歌时觉得声音刺耳，但他歌词写的实在是太好了，像《like a rolling stone》这样的歌一个音乐人一生写出一首就圆满了，鲍勃迪伦写了好几首。

我听迪伦的歌非常晚，因为他声音实在是太劝退了，后来听多了才习惯了。

我最早知道迪伦是在乔布斯传记里，乔帮主可以说是迪伦铁粉儿了，以至于我怀疑他和琼贝兹交往完全是因为她是迪伦前女友。

以下是之前看乔布斯传时的一点记录：能做乔帮主偶像的，也就鲍勃迪伦了，Bob Dylan也是那一代人的共同偶像。

他很多次提过：he is my hero。

从年轻时翻录，到iPod里灌满了鲍勃迪伦的专辑，终于，闻名不如见面，有次迪伦到湾区开演唱会时特意邀请了他去酒店一叙，乔帮主紧张又兴奋，既有见偶像的紧张又担心见面不如闻名破坏了心目中的形象。

还好，一见倾心，俩人聊了俩钟头（不知道一起抽麻烟儿了没），鲍勃迪伦告诉他那些他喜欢的歌都是怎么创作的：我其实也不知道怎么闯作的，就在脑子里就写下来了，现在我写不出来了，不过还好，我不能写了，但还能唱。

后来迪伦大篷车巡演时路过又叫上乔帮主去了表演车，问他最喜欢哪一首，他说 One too many mornings。

迪伦在演唱会上唱了这首歌，结束后，迪伦的大棚车停在乔帮主身边，拉开门，用他特有的公鸭嗓问：听到刚才我唱给你的歌了吗？

说完就拉门开走了。

留下铁粉乔布斯风中凌乱。

喜欢一个这样的歌手是幸福的，正如乔帮主自述：我对迪伦的歌曲的欣赏和我年纪一样成长，成熟。

让我明白一个创作者（creater）是什么样的。

如果有人的歌让你从小听到中年，并且他还唱到了老年，不断变化，一个歌迷该多么幸福。

我们这代人就没这样的幸运了，这种天才估计五百年也就出一个吧。

本片以民歌复兴为起点，到民歌运动衰落结束，不过几年的时间，片中的Pete seager （皮特.西格）一直坚持创作表演民歌到逝世（2014年）民歌教给鲍勃迪伦的是词曲搭配的技巧，他的歌词只有他自己配旋律能配的那么好，唱K的人肯定是搞不来。

我印象非常深的形象之一是本片中爱德华诺顿演的皮特西格那明亮的双眼，总是充满热情的平易的台风，和鲍勃迪伦锋芒毕露，故意耍帅刻意表演形成鲜明对比。

爱情线也拍的很好，Sylvie对迪伦的帮助非常大，她也是非常理智的女孩儿。

片中迪伦邀请她参加新港音乐节，她在台下亲眼看到台上迪伦和琼贝兹一起常歌，起身离开了，迪伦追到港口挽留她，她说你说过嘉年华上的小丑表演转盘子，非常精彩，而我就是你手中的一个盘子（被你玩的团团转）罢了，说毕决然离去。

而此时其实琼贝兹也已经和迪伦分手了其实，片中给了个非常个性的细节：琼在台上表演时迪伦在后台备场，她扫弦时对他比了一下中指。

江湖恩怨，恩女情长，都演了一点，但也都是点到为止，串起整部电影的仍是他不同时期不同风格的作品，以《给伍迪的歌》起以《像一块滚石》终。

作为一个切片，非常完美。

甜茶演的鲍勃迪伦非常像，想必是下了一番功夫的，他肯定观看了大量迪伦表演的视频，抓住了他的主要特征，他比迪伦帅一点，但侧面非常像，演的也非常像。

就像看法斯宾德演乔布斯，虽然二人南辕北辙，但他演的神似。

不管怎么说，比安诺拉这样的完全没有达到专业标准的，乱七八糟的垃圾好太多了，但是又能如何？

我们这个时代就是个盛产垃圾吹捧垃圾奖励垃圾的时代。

电影中鲍勃迪伦永远都在写歌，哼歌，表演，音乐是他那些年生活的中心，同居女友的抱怨，露水情人的柔情都不能让他分心。

我们生活的这个时代，每个人都在刷手机，什么都不能让他们分心，所以才会吹捧安诺拉这样的垃圾，因为这种电影你就算刷着手机看也不会错过任何镜头和剧情。

安诺拉不算太差，但离最佳电影大概还差着十几个他妈的多重宇宙吧，这两部电影是我最不喜欢的种类。

但我在开骂之前都捏着鼻子没有快进的看完了，安诺拉我分了八次才看完，每次看十几分钟就睡着了。

这样的电影我不会再花时间去讨论，有这时间我可以再看一遍《A complete unknown》。

看完电影去看了新港音乐节上的录像。

Timothée Chalamet needs to stop being Timothée and Elle Fanning needs to stop being Elle in the movies. Timothée needs his Leonardo DiCaprio moment to break it through. I can remember him in Call Me By Your Name, in Beautiful Boy, in Lady Bird, in Little Women; and for Christ’s sake even for being Paul Atreides in Dune. But he was all the same kid: that pretty, talented, privileged kid who can do whatever he wants. What kind of disappoints me this time is that he seems to have gotten a role cut out for him, but he didn’t live up to it. I guess Bob Dylan was a deceiving figure in that regard: he seems to also be someone pretty, talented, and privileged to do whatever he wants. However Bob Dylan is different in a profound way. A role with a flair of middle-class smartness is different from someone who has so much talent he can’t handle it, and, coincidentally, speaks to the heartbeat of his very generation. I think this time, Timothée had a real challenge. To look like Bob Dylan does not mean being Bob Dylan. He learned the accent, sure, but that was only the work to begin with (and should we talk about how artificial he sounded in that accent?). In the end I had a problem telling his Bob Dylan apart from all the other roles he played. All these roles that feet like him, look like him, speak like him, carried something in common.Also: what’s up with all these mediocre filmmaking these days? Films are getting longer and longer, filled with distracting details and cliche techniques, each time more unbearable than the last. I mean, is two and a half hours really necessary? And Sylvie (or Suze?) — an imagery of the sacrificial girlfriend, right out of the stereotypical Hollywood romance drama, acted out strictly according to that very stereotype — was that really necessary (I mean if she’s supposed to be the real ex-girlfriend, at least give her a little more complexity, right)? If The Brutalist can, to certain degree, justify the length for the richness of its historical implication and emotional intensity, this movie (and a host of others that came before) would have a hard time. I had my initial doubts when The Irishmen came out. I was glad though, in the end, Scorsese did live up to the hype. But as I went to more two-and-a-half-hour-long movies feeling bored to the core, I believe something is definitely wrong. Let’s just say the storytelling and audiovisual language of this movie is unclever, if not utterly banal.

以前慕名听过迪伦的歌，试了几次都没听进去，也就不勉强了。

对他的印象就是他很酷，从年轻酷到年迈。

虽然也搞不清是哪里酷了，但信息时代听过就忘的各种耳语让我得出了这样的结论。

因为甜茶和范宁才去看的这部电影，对剧情没抱太多期待，因为完全不知道谁是谁，开头部分看得我云里雾里。

直到琼贝斯和希尔薇出现，才把电影带回到了“故事”的范畴，给了我这种小白观众一个情绪上的指引。

然后是音乐。

影片中的音乐应该就是我曾听过的那些，依然不是我喜欢的调调，但迪伦的歌词却自带氛围和故事，好像一种很自我的娓娓道来。

很多歌我也不确定他在唱什么，却让我想去了解写出这些歌词的人。

迪伦就是文艺版的龙傲天，才华横溢，对音乐执着的人琴合一了。

他是个渣男，但我觉得但很难用普通人的道德标准来衡量这把人形乐器，虽然不情愿，现实就是，你都没法用这样的标准去说嘴有流量的人形立牌，对于高出几重天的迪伦，就别往这方面较劲了。

我很喜欢范宁演的希尔薇，让人怜惜，又让人感受到她坚实的内核。

她对于迪伦的断舍离了，让她拥有了和迪伦平等的自我。

不是很清楚民谣音乐的渊源，所以不太明白为什么民谣界会因为迪伦插电演奏而感到冒犯。

是否如同素菜馆突然开始卖叉烧的意思？

但是就凭着那些民谣人士的固步自封，我理解了为什么迪伦要突破民谣的局限，去探求新的风格。

以他的才华，不管素鸡还是素鲍，做的再好也只是题中应有之意。

于是，他做了一碗叉烧饭。

可能冒犯了，甚至背叛，但香喷喷的。

Title: A Complete Unknown Year: 2024Genre: Biography, Drama, MusicCountry: USALanguage: English Director: James MangoldScreenwriters: James Mangold, Jay Cocksbased on the book “Dylan Goes Electric!” by Elijah WaldCinematography: Phedon PapamichaelEditors: Andrew Buckland, Scott MorrisCast:Timothée ChalametEdward NortonElle FanningMonica BarbaroDan FoglerBoyd HolbrookEriko HatsuneNorbert Leo ButzScoot McNairyP.J. ByrneMichael ChernusBig Bill MorganfieldWill HarrisonCharlie TahanRating: 7.7/10For a biopic of a world-famous musician, its success is preponderantly predicated on its performer's aptitude of emulating their subject’s star qualities and personal traits, both in its physical resemblance and voice imitation. And since A COMPLETE UNKNOWN - directed by James Mangold, the helmer of WALK THE LINE (2005), a blue-chip biopic about Johnny Cash and June Carter - is about the nonpareil Bob Dylan, besides his distinctive vocal register and accent, an ambidextrous flair of guitar-strumming is among the first things a viewer notices. Therefore, when Chalamet first shows off his musical aptitude, singing a song to Dylan’s personal hero Woody Guthrie (McNairy) - the folk music pioneer who hitherto is unable to speak and no more ambulatory after suffering from Huntington's disease - in a hospital, a viewer's apprehension quickly dispels and a magnificent experience of auditory jouissance fetchingly beckons. In 1961, it is Peter Seeger (Norton), another folk music legend, who introduces Dylan to the NYC folk scene, where he is signed by entrepreneur Albert Grossman (Fogler) and catches the attention of Joan Baez (Barbaro), who has already gained popularity by being on the cover of Times magazine and the two embarks on a love/hate relationship (both in public, as tour mates and in private) that is more lensed through Barbaro’s ineffable ambivalence. A COMPLETE UNKNOWN traces Dylan’s career from his bullish beginning until the Newport Folk Festival in 1965, a home turf for Dylan where he decides to “go electric” and attempts to break out from the traditional folk root, which riles the festival’s audience and his devotees, and is reckoned as a betrayal by many of his peers and friends. Unlike other recent biopics of mega popstars (Elton John, Freddie Mercury, Elvis Presley), Dylan’s rather smooth-sailing career dishes up not much controversy for the filmmaker to make a production of. Even his affair with Baez appears no more than a fling fomented by a moment of doomsday panic (the Cuban missile crisis in 1962) while his official girlfriend Sylvie (Fanning) is in Europe on a school trip. So it is a clever move to end the film with Dylan on the cusp of his maturity, having a tectonic heartbreak, but earning both stardom and artistic freedom (the antithesis of the film’s title), alone riding a motorcycle towards a new dawn only the sky’s the limit, all achieved in a four-year span. The film continues the recent trend of biopic’s ditching the tired cradle-to-grave formula. But famed for his socially conscious lyrics (he is a Nobel winner in literature, a fairly unorthodox choice), Mangold’s film seems incapable of conceptualizing and visualizing Dylan’s sensibility towards the political and social unrests, where his creative juice comes from and how it comes to gel. In short, those special qualities that make him more than a musician but a cultural legend. However, what makes A COMPLETE UNKNOWN sticks its landing is the stimulatingly recreated scenarios of renderings, with Chalamet, Barbaro, Norton and Holbrook (whose swagger and twang does right by Johnny Cash), uniformly showcasing admirable techniques to recreate their real-life counterparts. For audience, to immerse oneself in a visceral moment like that efficaciously induces a divine sensation as if witnessing a historical event unfolding right before one’s own eyes, free-associating with a myriad of vibes that specific milieu could conjure. That is the rationale why such performances are catnip for Oscar recognition. So, as long as Chalamet kills it as Dylan, the film is home and dry. Plus Chalamet's embodiment of a young Dylan is nothing if not extraordinary, besides the Herculean trainings of his fingers and voice, what is essential is to carve out a perceptible outline of Dylan's personalities: the cageyness about his past, the commune with other musicians, the smoldering angst accompanying step by step his ascendency, the romantic tingles and the self-involved devotion (he never ceases to noodle on his guitar in his waken hours). His Dylan is the whole package and might just win him an Oscar and usurp Adrien Brody (his fellow nominee this year) from the throne of the youngest Best Leading Actor winner. Both Norton and Barbaro also benefit from their refined techniques (his banjo skills and her dulcet timbre) to nab an Oscar nomination, but to be fair, Fanning's Sylvie is equally if not more deserving for a slap on the back. She is the only one who approaches Dylan with an outsider’s viewpoint, seeing him as an individual without being blinded by his talent or rejected by his carapace. She understands him more than everyone else, and it is Sylvie's decision to leave propels an otherwise all-too-level-headed film to reach its emotional apex, rather than the finale's ruckus, a bitchslap of fandom’s provinciality and fickleness. referential entries: James Mangold’s WALK THE LINE (2005, 8.5/10). FORD V FERRARI (2019, 7.5/10); Todd Haynes’ I’M NOT THERE (2007, 8.0/10); Dexter Fletcher's ROCKETMAN (2019, 7.5/10); Baz Luhrmann's ELVIS (2022, 7.3/10).

#无名小辈#ACompleteUnknown #摇滚诗人路过海报八次也没看出来这是甜茶，还心想这圆嘟嘟的小男孩是谁。

🤔其实我也并不熟悉鲍勃迪伦，我对他所有的认知仅限于在大小集会和游行中听到的反战歌曲《答案在风中飘》，朋友为爱发电自制的原创话剧《如何在昆明接待鲍勃迪伦先生》，和微博上的粉红们痛批鲍勃迪伦不爱国（乐）。

仅从影片呈现看，这家伙确实太迷人了，从加州唱到纽约，从民谣唱到摇滚，简直是上帝握着手写歌，完全没有创作瓶颈，无论再过多久，那些歌词依然振聋发聩。

但每次有人问迪伦是不是想表达什么政治立场，迪伦都说不不不。

甜茶对此形容得很贴切，“就好像每次有光照到他，他就逃出光带去别的地方。

”比起鲍勃迪伦本人，我更向往那个黄金时代，影片开头他拎着行李箱走过纽约街头，璀璨夺目的霓虹灯，路边敲鼓的古巴艺人，地下俱乐部里传来的摇滚乐，把勃勃野心都写在脸上的路人们……光是这样一个长镜头，就足够令人感慨万分。

「那是一个什么样的年代呀！

你总是幻想着，希望自己早生二十年。

你大概会参加嬉皮公社，让头发披散到腰际，在大麻烟雾和迷幻摇滚里玄思证道（而你甚至连一支香烟都未尝吸过）。

你一定会写出足以传世的好诗，甚至组一个自己的摇滚乐团（而你只会弹两三个蹩脚的吉他和弦）。

运气好的话，你会亲眼看见披头士站在伦敦一幢楼房的屋顶，举办最后一场演唱会。

他们披发当风、鼓琴而歌，大批路人流连仰观，道为之塞，引来警伯取缔，真是令人神往。

那是在你出生前两年四个月零十二天发生的事。

　　来不及了。

那个时代在你出生之前就已经结束，只留下这些五彩斑斓的唱片封面，以及纪录片里惊涛骇浪的片段。

人们满街游行，拳头高高举起。

画质粗粝、色彩半褪的影片里，有人倒在地上翻滚哭号，直升机在丛林上空盘旋，愤怒的群众抬着标语，向着镜头张开黑洞洞的嘴巴。

各种旗帜、口号交织成一大片迷茫的风景，向来不及参加的你招手。

　　“生命从你的里面与外面流逝……”　　life flows on within you and without you...」朋友说，去的尽管去了，来的尽管来着，历史的车轮滚滚向前，我总有属于我的时代。

我没有勇气和信心说出这样的话，但很羡慕能这样说的人。

希望在塑料时代，我们也能拥有「鲍勃迪伦」。

---补充包---我向来苛刻的影评人友邻们只给了平均分4.7分，说只拍了私事，没拍最应该拍当时风起云涌的大时代背景，太无趣。

这点我也赞成。

但甜茶还演了令一部鲍勃迪伦传记片，我猜那些革命与热烈会在这里展开说说的。

今天去看了《Complete Unknown》讲述了19岁的鲍勃·迪伦初到纽约，从无名小辈到崭露头角这一阶段的生活。

这是一部音乐传记片。

电影里的六十年代纽约，格林威治村这一片，真有意思了！

我还是挺喜欢纽约的这个时代的。

这是不是纽约在文化上最辉煌的一段时期。

我不觉得鲍勃·迪伦是叛逆的。

他无论是初到纽约时的无名小辈，还是后来崭露头角，完完全全是同一个人。

他的音乐能打动人心，靠的是坚持自己的追求。

在民谣音乐节上，他给吉他插电，结果被喝倒彩扔水瓶，这种不得人心，也是因为他坚持自己的追求。

明明是同一个人，一会儿被喜欢，一会儿被讨厌的，只能说人们常常无法连贯地思考，就像一片土地因为想象力和思考能力的干涸而皲裂，民意因此分化成一个个孤立的标签。

鲍勃迪伦在民意上走着走着，难免有时就掉进标签和标签之间的缝隙里。

他还是他，但是人们的想象暂时覆盖不到了。

这是在民意上走路的人的普遍困境。

这个电影，我觉得拍得挺保守的。

大概是拍给那些纽约上东区六七十岁的老爷老奶，让他们追忆青春吧。

哎呀，我很难想象，如今那些安稳的老头老太太，当年如何“叛逆”——性解放、反体制、波普艺术。

说实话，要把这些叛逆的符号套在他们的白花花头发上，有点难以想象。

他们看上去很温和保守不是吗？

连线上购物都不太会。

怎么之前那么抽象？

难怪卡尔·奥韦·克瑙斯高会觉得时光停滞了。

六十年代的西方社会已经那么抽象，已经把反文化玩到了极致：垮掉的一代文学、反战音乐、拼出玛丽莲·梦露脸的pop art，几乎打破了所有能突破的边界。

一个社会之前文化玩透了，连反文化都玩透了，接下来，该怎么继续往前走呢？

相比之下，幸好我爷爷年轻时插秧而不是做嬉皮士。

我的意思是，幸好我出生在一代比一代强的阶梯上，出生在一个傻乎乎的对未来倒还有些信任的环境里。

我也因此沾染着傻不愣登的乐观。

这挺好和所有人一样，我也在等待，等待一个能表达我们时代的人。

六十年代的纽约有迪伦用音乐唱出精神，有垮掉的一代用文学书写挣扎，good for them，but，看看自己的种族、文化、社会、时代……我甚至不知道该如何命名我的人生经验，更别提理解和讲述它们了。

有没有人可以表达这一切？

我像是在等待一个希腊戏剧里的英雄，或是等待一个希腊戏剧外的独裁者

烂得非常平庸，一星给Bob Dylan的金曲串烧。

整部片子对Bob Dylan的角色塑造是非常失败的，与月亮与六便士的糟糕如出一辙。

当影片想要塑造一个不被世人理解的天才时，核心是要表现角色的才华横溢。

而本片的三分之二都在重现Bob的桃色三角恋，其所处的时代变迁只有收音机和电视机的寥寥数语，其创作的灵感和突破被sex后深夜写歌的几个镜头简单概括，其作品的意义与争议只体现在影片中他人的反复强调，影片更是在其生涯的转折处戛然而止，仅仅通过滚动字幕讲述其摇滚乐的成功与诺贝尔奖的青睐。

观众既无法共鸣其天才，那么影片中表现的他的滥情、任性、我行我素就只会令人厌烦。

更糟糕的是，在两个半小时的片子中甜茶始终咬着后槽牙模仿Bob Dylan的语气，70%的台词都是含含糊糊的气泡音。

加之他的脸和演技都表现不出恃才傲物的气质，以及大量的裸露镜头里白斩鸡一样的身材，Bob Dylan真是好一出晚节不保。

两位女性角色仍然难免脸谱化，John的歌声令人印象深刻，但除此以外就只剩和Bob的情情爱爱和剪不断理还乱。

Pete反而是人物弧光最完整的角色，同样的Newport音乐节、同样的后台位置，从欣喜若狂到失望失控，Norton的眼神戏实在无可指摘。

总之，这样的影片质量居然能提名奥斯卡影帝和最佳影片，全球审美真是倒退三十年。