艺术家

很久没有看到这么打动我心的电影了。

剧情也许不是那么新颖，场景也不够绚烂。

靠的就是人物的表演功底。

那少的可怜的几句台词，却能真真正正打动观众。

感情从刚开始就有了吧。

才会有那么多的NG 。

可是一个时代的更迭，一个演艺圈的浪潮，不跟上前进的步伐，我们真的会走投无路我们都知道George是一个艺术家。

我们理解George想要用他全部的感情投入去演绎一段故事，一部电影，一种人生。

可是时代的发展速度超越艺术家前进的脚步。

他无法理解，无法抛弃自己艺术家的自尊心。

语言岂能压过行为？

可是，peppy 那个之前的小演员却走得如此红火。

那个美人痣和自己的爱之泪在同一时间上映。

这是想要怎样鲜明的对比。

他没有想到吧，peppy在他爱之泪上流的眼泪真的是对他作品的肯定，可是看到那样少的票房，他是不是也开始怀疑自己的作品？

自己倾注全部心血与投资的电影就这样被有声电影打败了。。。

出了影院站在peppy的大幅海报前，看排队买票的人脸上期待的神情，他那一刻会有怎样的心情呢？

股市一蹶不振，破产后妻子的果断抛弃，让他的人生跌入低谷。

一次次当掉自己的物品，靠拍卖自己的物品度日。

那段艰辛的日子有谁知道他的心情？

可是，peppy知道，peppy一直在默默关注他，招聘了他解雇的司机，买了他所有的拍卖品，看到他住院的消息，她紧张的神情，她急促的步伐，她站在他面前听到他脱离危险松了一口气的样子，看到他仅留的一部胶片是他们第一次拍的那部电影时她开心的表情，她说他能到我家休息吗？

那样温和的神情，医生都知道她爱他。

终于他能在她家，她能光明正大的照顾他，爱他。

为了能让他崛起，她向电影公司威胁的神态，太可爱了。

要他还是要我？

不是，他和我必须在一起，不然一个也没有！

哎！

我是在威胁你！

看着电影制片人苦笑不得的表情我就笑了，他也没想到这个小家伙这么坚持，这么勇敢。

最终权衡利弊下，只能苦着脸答应了。

欣喜的飞快跑出去想要送剧本给george，回头那个飞吻，对于大家的感谢，大家真是万般无奈啊。

^_^骄傲的艺术家还是不能理解佩蒂的行为，骄傲的男人是不会心安理得接受女人的救助。

他无法原谅自己的失败与淘汰。

他想到自杀，以为这样可以结束一切。

然而他还是拍的，真是那一刻的犹豫救了他。

peppy追过来，急切的不顾一切的想要他活着想见到他“bang”的那一声吓到我了，我没想到故事会真的这样结束，也没想到故事是这样转折，哈哈，她一头撞到树上让车停下。

“我感觉很糟糕，我只是想帮助你，照顾你，，，没想到会这样，对不起，对不起，，，”“没有，没事。。。

”“只要你肯让我帮助你，geroge valentin”“这不可能，peppy我已经落伍了，没人想听我说话”“正是这件事，我们可以试试看，相信我！

”两个人的重新组合绝对是一种完美，完美的踢踏舞，完美得无懈可击！

连最不看好的制片人都要拍手叫绝。

O(∩_∩)O哈！

这般美好的结局，他让自己走出过去的阴影，迎向一个新的时代。

可能只有近距离接触过死的人才能想明白一些事，才能放开自己的自尊，只会想要自己的爱的人。

最后，不得不提一下那只不离不弃的狗狗。

这只狗救了他，这只狗才是他最忠实的朋友。

我们爱一切值得爱的生物。

艺术家开始放，黑白，无声，1924，以为下错了片子，百度后看到“黑白默片”四个字非常想放弃。

硬撑着完整看完，无力吐槽。

但是第二天，当我在放映着战马的影厅醒来时，毅然站在了奥斯卡评委那边。

艺术家真是部好片子！

你看，六七十年间，你能找出第二部黑白默片么？

没有吧，这是对黑白默片多么崇高的致敬！

艺术家真是部好片子！

你看，从1895年卢米埃尔兄弟放映人类历史上第一部电影（这句话已经在各种论文里写了很多次…）至今，有谁关心过电影的历史，有谁用电影拍过电影？

没有吧，这是对历史多么严肃的尊敬！

艺术家真是部好片子！

你看，George遭受到有声电影的打击时，原本无声的影片本身也有了声音，瓶子翻到的声音，电话铃声，椅子倒地的声音，就是没有George大喊的声音。

而到了影片末尾，George在经历重重悲惨后以踢踏舞演员的身份重返银幕，观众，我是指艺术家的观众，终于听到了他的声音。

这是对“情景交融”手法多么活灵活现的运用！

艺术家真是部好片子！

你看，Peppy从路人一夜爆红，成为默片到有声转型期的大明星，这是多么典型的时势造英雄的励志故事！

艺术家真是部好片子！

你看，George与Peppy巧妙相识，互生好感，但碍于一个有妻一个卑微未能发展，后来George没落到家徒四壁，而Peppy爆红，买下了George的所有家产包括司机，被George知道不堪屈辱决定自杀，又被Peppy救下，俩人最终妇唱夫随大圆满。

这是多么跌宕起伏蔑视等级追求自由不平等的爱情故事！

艺术家真是部好片子啊好片子……

简直棒呆!好感还是基本得益于男主的表演。

原本沉浸在一位没落艺术家的骄傲与格格不入中，我仿佛看到许多艺术家在绝望中挣扎并消逝。

谁知峰回路转，柳暗花明，结尾竟然又以"蹦擦擦"结束了。

法国人那刻进骨子里的浪漫像一把小锤，总能"砰"一下敲碎我冰封的世界。

它一次次出击，我一次次中招，乐此不疲。

84和62——前者是2012年奥斯卡颁奖礼的届数，后者则是根据《洛杉矶时报》的调查，握有学院奖投票权的美国影艺学院成员（俗称“奥斯卡评委”）的平均年龄（中位数）。

还有什么可说的？

在这样一股横秋老气的扫荡下，《艺术家》焉能不得奖？

这样浅显的道理，你明白，哈维•韦恩斯坦也明白，这位韦恩斯坦公司的老板已经成功运作了《英国病人》、《莎翁情史》、《芝加哥》、《国王的演讲》等片登顶小金人，此番公关运作《艺术家》，其实也是按套路打，连个像样的对手都没有，完全是有惊无险，顺风顺水的便又一次完成了韦恩斯坦的奥斯卡大业。

《艺术家》是法国人主创的，在去年的戛纳电影节上只拿了个影帝奖，不过慧眼识珠的韦恩斯坦敏锐的察觉到了此片对于奥斯卡的杀伤力，他迅速买下了此片的版权，此后便开始一步步的运作其冲击小金人。

从内容来看，《艺术家》颇像是法国影人对好莱坞的一次“谄媚”致敬：影片完全“复原”了20世纪30年代的黑白默片感觉，通篇采用黑白默片的表现形式，通过“返祖”式的影像语言，讲述了一个默片时代的明星如何在有声片来临时陷入沉沦、最后又奋起重生的故事。

从故事结构上来看，《艺术家》就像是《一个明星的诞生》的翻版，故事稀松平常，拍摄手法也了无新意（当然，导演迈克尔•哈扎纳维希乌斯本来就刻意排斥使用现代电影手法），不过熟悉好莱坞默片历史的影迷朋友，却可以从片中找到众多熟悉的“彩蛋”——不仅诸多场景设计和镜头运用都有迹可寻，就连片中那只小狗，都可以从华纳公司80年前的明星小狗阿斯塔身上找到原型。

相信奥斯卡的绝大多数评委们是打心底里热爱《艺术家》的，这群平均年龄已过花甲的老人，在日新月异的信息时代新技术冲击下，其实早就有点摸不着头脑了。

而韦恩斯坦公关运作的这部《艺术家》，时长不过100分钟，故事通俗易懂，内容亦都是向伟大的好莱坞传统致敬，这无疑是给垂垂老矣的学院成员们度身定制的。

奥斯卡究其实质，其实就是以好莱坞为核心所组织的前一年度世界电影工业的年终大聚会，在这样一个老前辈掌握话语权的场合，《艺术家》对他们点头哈腰、鞠躬作揖，作为回报，学院把最值钱的奥斯卡小金人当“压岁钱”赐还给片方，当然符合逻辑_《艺术家》对学院成员的“呵护”几乎是无微不至的，你看这片名，其实在无形中也奉承了一把影艺学院成员们日益失落的精英心态。

由是而言，《艺术家》就像是学院老人们给世界电影业的一次集体默哀，他们甚至需要营造重回电影艺术子宫的幻觉来寻找安全感，这或许意味着，新兴技术的蓬勃发展，已经让不少老电影人感觉有些穷途末路——《艺术家》里那位主人公无法适应有声时代的来临，无疑就是当今的老电影人摸不清CG、动作捕捉和3D技术套路的真实写照。

在这里，《艺术家》就像是一则墓志铭，写给昔日那伟大的、老电影人们所熟悉的电影时代。

但是，电影不会死，电影艺术也不会死，新陈代谢乃是宇宙间不可更替的规律，新的电影技术手段必将助推电影本体发生质的改变。

所以，《艺术家》又是一则宣言书：或许动作捕捉装置还太笨拙，CG生成的人脸还太呆滞，带着眼睛看3D电影总让人头昏眼花，但这都不重要，就像《艺术家》的主人公嘲笑故障百出的有声电影装置时，制片人所告诫他的那样：“笑什么，乔治，这就是未来！

”《艺术家》都拿奥斯卡了，未来还会远么？

（刊载于《南方人物周刊》2012年3月5日第7期）

10/10 第84届奥斯卡最佳影片+最佳导演+最佳男主角 当电影褪去了华丽的色彩，优美的声音之后会变成什么样？

答：别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声。

一封写给电影的情书，导演带着观众穿越回了那个默片时代，而观众也穿越到了那个曾经的童贞的电影迷，电影里外的一切都会到了最初的美好～这才是真正的艺术家，是有操守，有追求，有艺术性的，尤其在从默片时代到有声时代急剧变化之中，依旧保有对艺术的信仰，这正是不忘初心，正如当年的卓别林一般，但艺术自身也是会不断发展的，不忘初心方得浴火涅槃，最后成为真正的Artist。

感谢这个时代还能有如此伟大的默片演员，还能还我一个最初的电影梦，不枉我在观影中途多次落泪，这样的感觉太好了。

配乐也是神了，通过音乐表达文字的典范，小狗也是拼了。

时代的交替，不可逆转的变更。

由沉默到欢脱， 一切都塑造得如此完美，完美再现了好莱坞古典主义时期的电影叙事手法，对当年的那些来到好莱坞发展的欧洲导演， 对好莱坞经典叙事，对黑白“无声”电影，几乎都是一次的完美的致敬！

坐在电影里仿佛自己完成了一次时空穿越，I love it

爱上《艺术家》，纯属一场无言的邂逅，我相信你也会和我一样，在去影院前对这部电影充满了不屑和怀疑，黑白片？

默片？

在3D/IMAX视效都无法再满足观众口味的年代，一部黑白默片又将如何圈住影迷们的钱包和心呢？

然而恰好是怀着这样的心态，我在大银幕前看它看到流泪欢笑，大声鼓掌。

《艺术家》是一部纯粹的银幕电影，并非炫耀，可只有在影院里看到银幕上的这段光影，才能细品它的每一分美丽，才能在怀着一份怀疑和忐忑的心情去观影之后，深深地被这样纯粹的一个故事打动。

它就像一位久违了的挚友，穿过时间带来问候，轻易击中我的心房。

这是一部聪明的电影，它拿起了“黑白”“默片”的噱头，却也拿起了票房失利的风险。

在法国本土，正是因为电影宣传的失利，加上“黑白”“默片”字样给人留下的复古印象，票房未达预期，片方只好决定凭借奥斯卡提名的风头，在奥斯卡颁奖后再入影院重映，试图收回一些散落的票房。

而在其他国家，它也很难叩响影院的大门，譬如笔者所在的荷兰，艺术院线的上映也不过寥寥数周，普通院线也仅因为奥斯卡该片的提名，才迟迟跟上了上映的脚步。

而在美国，《艺术家》摘得金球奖，虽是目前奥斯卡的第一大热门，但目前美国人似乎尚未买法国人的账，影片在近七百家影院扩大展映，票房却低得让人匪夷所思，根据北美票房统计机构分析，造成这一局面的原因，还是因为它是一部默片。

所谓成也萧何败也萧何，苛责电影玩弄噱头的评论人，是否也看到这部电影为此付出的代价呢？

现今电影业的利益驱动如此之大，又有多少导演还有再兴默片的魄力？

能保证黑白默片会讨喜观众呢？

而实际上，若不是这位法国商业电影奇材曾经在2006年的时候凭借着杂糅拼贴讽刺复古版007的《OSS117：开罗谍影》创造了当年的票房奇迹，他或许也没这样的胆量再把时间推前数十年，叫板黑白默片。

而即便是这样，电影又恰好落入了人们诟病的另外一个议题：如果电影要还原默片，却为何没了默片的神韵？

我想是观者的心态不同吧，《艺术家》的立足点很讨巧，可正是因为太讨巧，观者的解读也会不尽相同。

许多人把《艺术家》看做一场默片的复兴，认为《艺术家》是要对默片进行一次礼赞，并还原曾经的默片时代的遗风。

然而事实上，《艺术家》的初衷其实并不尽然如此。

人们过分解读了《艺术家》作为电影所应承载的艺术价值，却忽视了电影的娱乐价值。

《艺术家》从一开始就并未打算百分之百地还原默片时代的元素，更多地，却是通过暗喻和明喻，对曾经的默片和有声片的交接时代，轻松地回顾和揶揄。

从开场便设定的“说话”一词的双关运用，到后来有声电影的介入和兴盛，甚至是电影中那滑稽的“砰”的一声，电影都可谓无时不刻在轻松伶俐地提醒着观众：默片时代已经一去不复返了，可默片的艺术的价值却永远存在着，正如电影中乔治•瓦伦丁这位大艺术家一样，历经时间洗礼才华依然不减。

灵巧的构思和智慧的“对白”，《艺术家》也用本身烙上的“黑白默片”字样，和电影中的剧情如出一辙地证明：艺术并不存在过时一说，这恐怕才是《艺术家》内里的本真。

若是研究《艺术家》是否百分之百还原了默片时代，去死抠技术的瑕疵，争议女主的眉目，慨叹复制的粗劣，观者恐怕真正落入了电影里那位大艺术家的境地：过分执着于那个年代，执着于“默片”二字的分量，却忽视了电影作为艺术载体的发展历程，二十一世纪的电影技术和当年的默片技术岂可同日而语，电影也不过是艺术的载体，从曾经的黑白映画，到现在的真人捕捉，电影仍旧是电影，仍旧是我们在银幕前放下忧愁，随之神往的时光机。

与其说《艺术家》是对默片艺术的讴歌礼赞，不如说它是一场我们和默片的邂逅和重逢。

它说的是爱情，是乔治为佩皮点上的一颗痣，是佩皮在车里看到孤独的乔治流下的一滴泪，是乔治在大火中死死抱着不松手的，那么一段美丽的邂逅光影。

无声有声大变革为背景的爱情佳作。

怀旧。

对，黑白默片。

爵士配乐，歌舞风情都为影片增色很多。

音乐敲到好处，在这个人们已经静不下来欣赏”挤眉弄眼“时，强烈的旋律和多样的变化，强烈的迎合情节，喜欢听音乐的朋友看片肯定会很兴奋的。

歌舞也对演员提出了很高的要求。

因为看歌舞青春大热，就知道，要想复制雨中曲的舞步已经不太现实，但本片真的做到了。

特别是男主，拿奖也就水到渠成了。

真的，艺术家的表演绝对口吃的国王好看。

强烈推荐。

《艺术家》以黑白默片的表现形式拍摄，音乐、字卡交代剧情，音效、双关阐述默片与有声片的艺术形式与角色关系，值得玩味。

片头衬着传统配乐的字幕图案来呈现演职员名单。

以一段科幻冒险片引领开场，之后发现这不过是电影院中正在播放的一部“戏中戏”，伊始就已透过为默片配乐的雄壮交响乐来暗示“有声”与“无声”的紧密结合，来营造反讽效果与隐喻意味，颇具巧思。

故事上则采用年代体，最初时间为1927年，正值默片与有声片交替时期。

世界第一部有声片《爵士歌手》（The Jazz Singer）便是诞生于这一年。

而《艺术家》中的男主角乔治.瓦伦汀是无声片时代的大明星，他在影院外做宣传时与迷恋他的女影迷佩蒂相识。

而佩蒂恰好在这个有声片崛起的时期进入影坛。

瓦伦汀的故事正是电影工业的故事，就像《日落大道》（Sunset Blvd）中的一代默片巨星诺玛.戴思萌一样，在有声片完全取代默片的大潮中被淘汰。

而年轻、创新、谦虚的佩蒂正代表了新的有声片的势不可挡，与瓦伦汀的老派、守旧与狂妄自大形成反差。

20世纪末期，很多默片老演员不甘江河日下，他们中的很多人没有与时俱进，甚至自主创立电影公司，就像瓦伦汀那样，他在有声片出现的年代，依然乐此不疲拍默片，独立制作的《爱的眼泪》中主角的结局是被掩埋在了沼泽之中 — 这也影射了瓦伦汀自身。

而佩蒂在进入电影圈初始，一方面崇拜且爱慕瓦伦汀，一方面又获得了后者的点拨 — “若想成为一名女演员，就要与众不同。

”于是他给了她一个标志性的“美人痣”。

佩蒂在无名氏、女佣这些角色的洗礼后，逐渐成了有声时代的头牌。

但其实她和瓦伦汀一直都在暗自关注着彼此，只是两人的地位已然反转 — 一边是《一个明星的诞生》（A Star Is Born）影坛新秀，另一边是《日落大道》中的没落巨星。

编导迈克尔.哈扎纳维希乌斯一直在透过这种通俗剧情节，来强调男演员（默片）与女演员（有声片）之间相互对立和相互潜作用的关系。

这两个演员选的也极好，扮演瓦伦汀的让.杜雅尔丹在不同情景所流露出的厌世感与略带高傲的魅力相得益彰，而扮演佩蒂的贝热尼丝.贝乔那双魅人的双眼与迷离的节奏感非常适合于“开口”但不露声色的佩蒂。

片中个别音效处理也具有令人着迷的实验性手法。

其中一个场景是瓦伦汀在看完公司的有声片试音片段后，嘲笑制片人的“与时俱进”。

但回家后却被噩梦缠身，梦中开始出现如杯子声、笑声、风声等“背景声”，而自己口中的“无声”正逐渐被这些混杂的背景声所淹没。

“哑剧”的表现风格让我想起了另一部“伪默片”《贼》（The Thief，1952），这种有环境音无对白无注解的非传统默片的映像与主题，带有强烈的心理色彩，观众很容易被角色的情绪所牵动。

在佩蒂主演的《守护天使》一片中，她和男主角邂逅的方式正是当年与瓦伦汀初遇时的情景重现，我们看得出功成名就之后的佩蒂名没有忘却瓦伦汀。

哈扎纳维希乌斯对此也前后照应了一番，瓦伦汀在大火中拼命抢救的胶片也正说明了他同样没有忘却佩蒂。

好莱坞老片中的“双关”潜台词在片中比比皆是，如妻子质问丈夫“我们必须要谈一谈！

”“你为什么不愿说话？

”以及一妇人看见瓦伦汀的小狗说道“它要是会说话就好了！

”全部都带在暗示瓦伦汀为何不尝试着接拍有声片，为何“不说话”；还有片中张贴的海报或是影院热映片名，都在暗示当前角色的心理状态，比如拍卖结束后一无所有的瓦伦汀经过一条街，街对面就贴着一张名为《孤独的明星》的电影海报，哈扎纳维希乌斯还增加了一场他险些被车撞到的戏，以免这个过街镜头闪的太快，观众来不及看到这些细节；瓦伦汀准备自杀之际，我们看到字幕出现“砰！

”一声，才发现是赶来救援的女主角的车撞到了树，而瓦伦汀正是听到了声音才没有及时扣动扳机，捡回了一命。

所以，他应该庆幸“有声”的出现。

看得出迈克尔.哈扎纳维希乌斯在少得可怜的台词方面还是做足了功课。

可惜最后的Ending是个Happy Ending，如果是个Tragical Ending整体性上我会更喜欢一些。

结尾致敬了金姐与弗雷德，也使影片变成了一部彻底的有声片，瓦伦汀扔出一句“十分乐意！

”，制片人和导演/电视机前的观众听得也十分乐意。

这一点和梅尔.布鲁克斯的只有一句对白的《无声电影》（Silent Movie）很像。

现在很多有声片在讲故事方面并不如默片来的言简意赅，有些对白做作而又松散，也出现了很多遭人诟病的“台词电影”。

而默片的行动与意会却应该值得电影人铭记，两者须有机结合才行，正如片尾制片人说的那样“完美极了！

”渐渐地，镜头慢慢拉远，我们可以看到片场的工作人员与摄影机，证明电影工业的发展仍将继续，新型技术仍会出现。

相关链接：[整理]《艺术家》中的致敬老片全解读http://www.douban.com/note/202299569/ btw：不过令人讥讽的是它后半段所运用的《迷魂记》（Vertigo）配乐，难怪金.诺瓦克会用“强奸”这个字眼儿……

《艺术家》的结尾，我很喜欢：两人一起跳舞，像舞王和他的金牌女搭档，一曲舞毕，紧张看着工作人员。

这时声音来了，急促呼吸，现场声响，影片出现了第一句有声对白。

掌声，欢呼，嘈杂现实声响。

一切回归到了现实，一切回归到了电影。

电影的本质是什么？

是影像，场面，特效和明星吗？

不，是情感。

永远。

很喜欢，看哭了。

人生的悲欢离合，腾达和落魄，写得很动人。

有几场戏写得特别好，男主角在背景布下方看见一双跳舞的脚，隔着幕布，两人对舞。

他轻轻的为她点上一颗痣，从此颠倒众生。

她穿上他的衣服，自己和自己调情。

大火中他抢救出最后一盒胶片，最初的邂逅，切掉的片段。

《大艺术家》向很多经典电影致敬，尤喜男主角在女主角家中发现一间屋，全是自己变卖的家产。

阴森森的雕像们俯瞰狰狞，像《公民凯恩》的巨大宫殿。

虽是无声片，其实有声，有声的段落有两个：一个是男主角被有声片冲击，噩梦中杯盘有声，万物有声，各种自然声响都是对他的压迫和打击。

今天看完the Artist，深深被震撼了，甚至这学期的final project我也想用4：3的ratio降格拍一个黑白默片，不是为了追随所谓的复古潮流，而是今天我才发现原来默片才是更接近电影本质的形式，今天我才理解为什么当初有声电影出现的时候，那么多老一辈的电影艺术家站出来反对，包括卓别林在内。

去看the Artist之前，看过的同学“告诫”我这部电影必须要在精神很好的时候才能去看，否则铁定睡着，因为它是一部默片，而且是黑白的，而且而且是4：3的！

事实是，尽管我很困（昨晚只睡了4个小时），但我还是非常精神地把电影看完了，而且很享受这个过程。

我现在就可以断言the Artist绝对是我本年度最爱的电影前三名！

the Artist在画面上完全模仿上世纪20年代默片的拍摄手法。

默片不仅仅是无声、黑白，还有一个显著的特征就是过去的黑白片是18fps，即每秒18格。

现在的电影都是24fps,这两者的区别在于前者由于每秒钟记录下的动作画面比较少，因此连续播放时肉眼可以察觉到明显的动作不连贯。

我个人认为，正因为过去的电影都是以18fps的格式拍的，因此演员的动作总是给人一种滑稽的感觉，所以默片更适合表现喜剧。

the Artist就是一个爱情轻喜剧，其实故事特别简单，也有些滥俗。

但是，它非常成功的地方在于演员的表演简直可以用“出神入化”来形容。

试想一下，一部没有声音的电影，剧情完全靠演员的肢体动作和眼神表达，真的很少有演员可以做到。

所以，我觉得默片时代才是出巨星的时代。

the Artist虽说是默片，但它也不是完全没有声音。

影片中有两处加入了声音，而这两处简直就是神来之笔，没有这两处细节处理，这部电影也不会如此备受推崇。

第一处是录音技术刚刚被运用到电影中时，Jean Dujardin饰演的默片时代大明星George认为这是可笑的，他坚决反对。

但是，当他回到化妆间，他放下一个杯子，突然意识到这个动作本身是有声音的，进而他意识到他所生活的这个世界所有的一切都是有声音的。

第二处是影片的结尾处George终于放下对有声电影的成见接受Miller的帮助，和她一起出演有声电影。

在两人的一段精彩绝伦的踢踏舞表演之后，producer高喊一句“perfect”。

歌舞片时代就此来临了。

这部电影的ending是固执己见的默片巨星最后终于接受了电影的新形式，还开创了新的电影类型，而这部电影比较吊詭的一点在于是它让我认识到什么是最纯粹的电影。

当然我不是说技术的发展破坏了电影的本性，我承认没有技术作为支撑那些天马行空的想法根本就不可能变成展现在观众眼前的真实，只是我不得不感叹随着技术的发展观众变得只满足于感官刺激而不再关注电影的艺术性，比如说现在的3D潮流，往往在电影院里面观众看得很过瘾，走出电影院却记不起故事情节，更不要提被电影打动了。

或许我本质上还是很traditional的吧，我推崇的也大都是学院派导演，在电影学院学的也是最classical的film technic.课上时常都有同学去挑战那些classical的电影理论，和老师争执不下。

我却觉得，无论那些理论你认同与否，或者在今天看来根本就已经old-fashioned，但是对于一个导演而言打破传统的前提首先是你要懂得这些理论，否则永远都只能是一个业余导演。