公民黑帮

前言：此文是去年为微信公众号撰稿的一篇稿件，但最终因为一些原因没有发出来，本着不浪费的原则，在豆瓣发一下。

最近身边所有朋友都在问同一个问题：《双子杀手》，好看吗？

李安的作品，本不需要发出如此疑问，但口碑表现着实让人担忧。

欧美惨遭评分滑铁卢，烂番茄新鲜度25%，MTC评分38，比大烂片《自杀小队》和《黑凤凰》都低。

内地表现相比之下好一些，豆瓣7.1，然而点进去看评论却是呈两极分化，一方盛赞技术，一方痛批故事。

抱着粉丝期待和好奇心，我早早去看了午夜场。

1.首先要泼一盆冷水，高帧数的确有很多优秀之处，更高动态清晰度，更流畅，更真实。

像是三年前的《比利林恩的中场战事》，男主流下眼泪的镜头，在大银幕上纤毫毕现，有一种如丝般顺滑的流畅。

但高帧数的一大问题却很少有人指出：它会破坏“电影感”。

很多看高帧电影的人第一反应都是不适应，演员仿佛被加速了，画面似乎变廉价了，让人产生一种在看电视剧的错觉。

那是因为电影本来就是一门虚构艺术，是假的艺术。

认为电影是在还原生活，这是极大的误解。

事实上从布光，表演，剪辑，情节，它都在对生活建立屏障来构筑一个光影世界。

而在这当中，最隐秘的一处就是帧数。

电影画面和我们肉眼看到的连续动态并不一样，它是以每秒24帧连续播放静态图片的形式，利用视觉暂留原理形成的“伪动态”。

这便是电影感最大的来源，不信你可以试试，用16:9的画幅24帧去拍段小视频，是不是轻而易举就有了电影的感觉？

因为潜意识里明白电影的虚构性，观众得以接受电影背后的人为设置和夸张，哪怕注意到破绽，也会在大脑里自动略过。

而高帧数恰恰就因为太“真”，和电影的“假”产生了排斥反应，这个问题在《比利林恩》中就很明显，那些我们看惯了的摄影机运动，演员调度，在过于真实的画面下突然变得突兀。

不过，你若以为我是要批评《双子杀手》的高帧率，那就大错特错了，事实上它的违和度这次得到了很大改善。

还记得预告片刚出来的时候，很多人发出质疑：怎么画面看上去这么廉价？

的确，《双子杀手》布光非常平淡，整体欠缺层次，布景和服装也十分朴素。

和同是动作片的《疾速追杀》画面一比，差异更明显。

但如今看来，李安完全是有意为之，因为高帧率电影“半真不假”的尴尬，李安完全摒弃掉传统的风格化摄影，转而追求类似肉眼的低对比。

最令人印象深刻的莫过于那段摩托追逐戏，李安充分发挥了高帧优势。

用大量高速运动镜头，和复杂的画面调度创造了前所未有的视觉体验。

比如白鸽飞起的一幕，电影院里看相当惊艳，仿佛就在眼前飞走。

另一段第一视角的摩托狂飙长镜头更是让人震撼，两旁景色不像普通电影那样花成一片，而是极其顺畅的向后退去，如同自己就坐在摩托后座上。

从剧情片转战动作片，李安的选择十分聪明，《双子杀手》强调的不再是形式化的美感，而是力求真实的氛围代入，临场体验，和高速变换的动作场面，而这恰恰是高帧所擅长的。

2.但遗憾的是，《双子杀手》的动作场面，撑死只占个20%。

哪怕动作片，大部分时间也得拿来讲故事，而这正是《双子杀手》的致命软肋，剧本乏味而无趣：特工亨利从情报局退休，却遭政府追杀，而杀手，竟是年轻了20多岁的自己的克隆人。

故事设定虽老套，但看着至少是有趣的，也能勾起我的好奇心：亨利为什么被追杀？

克隆人被造出来的目的是什么？

背后是否有更大的阴谋？

两人见面后，会产生怎样的情感火花？

这些问题一个个从我脑子蹦出，事实上剧情若能有高完成度的后续发展，将它们一一呈现，未必就不好看。

然而《双子杀手》却选择了最俗气，最无聊的解答方式。

亨利为什么被追杀？

因为他知道了政府的秘密。

克隆人被造出的目的是什么？

因为亨利是最强特工，所以要克隆他。

背后还有更大阴谋吗？

没有了。

你在预告里看到的内容，基本就涵盖了电影的大部分剧情，追杀开始后，真的就从头到尾只剩下“追杀”这一件事，两方就像龟兔赛跑般一个追一个跑，直到最后大决战。

什么迷案，意外，反转，通通没有，情节沿着一条毫无起伏的直线走，这种早已看过八百遍的烂俗套路根本撑不起两小时的戏剧冲突。

当然，并非所有的类型片都必须要走紧张刺激，依靠高戏剧冲突来吸引人的路子。

比如《银翼杀手2049》，它的故事也平，但依靠出色的人物塑造，对“人造人”对自我归属寻找过程的表现，依然好看。

说起来《双子杀手》和它还有点像，克隆人小克也是人造人，他也对“我是谁”感到困惑，面对要杀的人竟然是自己，他十分矛盾，不知如何抉择。

可他在自我怀疑后，和男主的交锋就是打了一架，话都没说几句，然后回家质问“父亲”一番，便毅然决然的倒戈了。

相比复制人K立体鲜明的人物塑造，小克完全是空洞的。

你感受不到他的性格，有的只是标签化的青少年式冲动，鲁莽天真，只是男主的一个镜像人物。

而亨利的处理甚至更加乏味，作为主角，他只有外在危机，即被追杀导致的生命危险，内心却从未有过质疑。

为什么像《谍影重重》《这个杀手不太冷》这些动作片被奉为经典？

因为它们并不只是动作戏好看，主角更永远会处在艰难的抉择当中。

我该执行任务，还是服从良心？

我该帮助小女孩，还是保全自己？

李安《色戒》中的王佳芝也是典型，她一方面为了国家，接近易先生来暗杀他，可另一方面却又爱上了他，不想他死。

正是这种“两难”，才让人物出彩，电影好看。

反观亨利，他在遇见克隆体后，想法非常单一。

那就是要帮助对方，逃脱被人类掌控的命运，全然没有内心挣扎。

女主角更因此成为一个可有可无，只能用来打架的“逆向花瓶”。

缺乏复杂的情感内核，让故事的精彩程度又降一截。

说实话，我能感受到李安在竭尽全力提升《双子杀手》的思想高度和人文气息。

比如将霸权的父子关系，代入到反派和克隆人之间，试图引发观众对其的反思。

可强扭的瓜不甜，强行拔高的差剧本也不可能真的优秀。

在这种别扭创作模式下，最后电影给人的感觉，用个粗俗的比喻形容，就好像你在交友软件上收到一个肌肉帅哥的约炮邀请。

你兴冲冲的跑到酒店，裤子都脱了，结果人家跟你说，其实我不想ooxx，我想跟你弄点有深度的，咱聊聊文学吧。

你说行，聊文学也可以，然后你已经把杰克凯鲁亚克，威廉福克纳等名字挂嘴边了，准备好跟他讨论英美小说史了。

肌肉男悠悠从身后，拿出一本《悲伤逆流成河》。

3.不得不承认，李安确实失手了。

《双子杀手》当然算不上烂片，至少它的逻辑是顺畅的，没有雷点，没有侮辱智商的地方。

它的技术也是实打实的，4k+3D+120帧，CGI还原始皇20岁的脸。

但是我们对李安的要求，他自己的要求，难道仅仅只是“不烂”而已吗？

李安是什么人？

是华语电影界的骄傲。

他拿过两次威尼斯电影节最高奖，两次柏林电影节最高奖，两次奥斯卡最佳导演。

哪怕放眼全世界，成绩都少有人匹敌。

他的作品雅俗共赏，评论家爱看，普通观众也爱看。

他拥有极其稳定的创作水准。

无论是借同性关系诠释家庭的《喜宴》，用恩仇意写江湖的《卧虎藏龙》，还是视觉绝美，故事又耐人寻味的《少年派》。

无一例外都是既有观赏性，又有深度的佳作。

就算是比较有争议的，像《比利林恩》，其包含的反战主题也很值得品味。

爱电影的人是很难不喜欢李安的，喜欢他的细腻，他故事里的人文气息。

他的片子带着一种东方人特有的含蓄，和四两拔千斤的厚重与犀利。

可这次《双子杀手》，大家都是怎么夸的？

技术太牛逼了！

画面太惊人了！

飞跃！

大胆！

突破！

而真正关键的故事，主题，思辨。

全然避之不谈。

说句过分的，上一次看到类似的讨论情况，是郭敬明的《爵迹》。

各种拿技术做招牌，最后拍成什么样大家都看到了。

当然郭敬明和李安是不可相提并论的，《双子杀手》的技术也是真技术，不是骗钱的幌子。

但我要说的是：当你以技术作为电影唯一的优点去称赞，本质就是否定了它作为电影更根本的价值。

很简单，因为没别的可夸了。

事实上，那些被公认技术牛逼的经典之作，牛逼的真的就只有技术吗？

卡神的《泰坦尼克号》和《阿凡达》，故事难道不精彩，情感不动人吗？

再看李安自己，《卧虎藏龙》在当年的华语片内，绝对是顶级配置存在，摄影和武打戏到现在都没有能超越的。

可我们夸它时，夸的是什么？

是它绝佳的意境，它体现的江湖人情。

《少年派》更不用说，奥斯卡最佳视觉效果。

可上映后大家讨论最多的是什么？

是派口中那个“真正的结局”，故事的隐喻和内涵。

技术本是给电影增色用的，但当它在人们的口中本末倒置，变得比电影本身还重要，我们夸的还是电影吗？

其实去看一些李安的访谈便知，他运用高帧技术，目的也是为了发展电影艺术，让它拥有更多不一样的可能。

别人问他：失败了还会继续拍吗？

李安笑笑：当然拍，只要有人愿意继续投资。

他说希望自己能年轻二十岁，这样才有更旺盛的精力去拍电影。

李安看似温吞好说话，内里其实全是芒刺，他有主见而固执，所以即便65了，依然像个年轻人般努力。

这样的形象，是不符合中国人传统定义的，在大部分人印象里，年纪大了就该好好退休，颐养天年。

可李安偏偏就是个反传统的人，从《推手》到《喜宴》，甚至到《双子杀手》，你都能看到他骨子里的反叛，他的敢。

那么这种时候，还用某种“宽容”态度去对待李安，因为技术好，就原谅电影的一切缺点，生怕他从神坛上摔下来。

这真的是爱电影，爱李安的表现吗？

换做李安，他希望自己的观众是那样的吗？

答案不言自明。

不管你怎么看李安，相信有一点我们可以达成共识：他绝对不是一个多商业的导演，哪怕他那些卖相最商业的电影，也总是明明白白把反商业的记号标在额头上。

作为武侠片的《卧虎藏龙》重点在道家文化和情欲困惑，作为科幻片的《绿巨人》描写父子关系和身份认同，作为冒险片的《少年派》竭力探讨人与自己的共处……那么顶尖杀手被克隆体追杀，这么通俗火爆的题材，也可以这么玩吗？

在李安手里，不会有例外。

据说这个剧本诞生于1997年，正是克隆话题甚嚣尘上的年代。

时至如今，它在许多人眼里的“过时”、“俗套”、“乏味”，也许正是李安青睐它的原因。

这是我们第几次在科幻大片里看到克隆杀手？

数不清了。

之前的作品遵循一个规律：制作经费越是昂贵，克隆角色的内心就越稀薄。

没有编剧像样地关心过他们，因为观众，或者说他们眼里的目标观众不会在乎这些。

——好了你们这群克隆人，不是多牛逼的杀人机器吗？

伤感几句，掉两颗眼泪，差不多得了，快挺过去，快进入下一场打斗，再来一吨的子弹和炸药吧，我们买票是来看刺激的。

但那些莫名其妙诞生，莫名其妙被赋予了使命的克隆人，他们要打自己，要杀自己，而自己连领养的都不算，自己竟然还被瞒着所有这一切前因后果，他们也会惶惑和煎熬吧，哪怕肉体已经被抹除了痛觉。

只有李安舍得在一场耗资近1.5亿的技术豪赌里，给他们充分的时间，来倾倒出这些痛楚。

在大段大段的台词里，形同父子的本体和克隆体，几乎喋喋不休地袒露着内心，辨认、确立和对方的关系。

而那些飞天遁地、刀枪不入到足以加入漫威宇宙的打斗，反而显得像是他们内心交战的陪衬。

这些陪衬足够绚烂多彩，但不会夺走真正战场的光芒。

某种程度来说，这才是本片最昂贵的地方，数码角色的特写表演之繁多，让它成为“文戏比动作戏更烧钱”的几乎史无前例。

通过这种方式，《双子杀手》替之前所有大片里被粗线条的克隆傀儡们，吐出了他们不被允许吐出的浊气，喊出了他们不被获准喊出的反抗。

这个电影的噱头是“我以我为敌”，但最终宛如李安“父亲系列”的最新章节。

只不过不再从儿子视角去审视父亲，而是从父亲经验来引领孩子，抛开那些“不扣扳机就不会做噩梦”的耍酷式训导，更重要的是：少喝酒，多健身，学点俏皮话，每天笑一笑，51岁还可以撩走“儿子”的同龄小姐姐。

如果光线很差，他们又打作一团，你甚至一眼分不出谁是谁。

这当然不是特效不够好，而是“父亲”的保养实在太好。

所以不妨说，这才是每个父亲最该为儿子做的：看啊，不要担心年龄，不要害怕变老，你老了还可以像我一样酷一样拽，有必要的话，也可以一样拎上步枪、跨上摩托，揍你那不听话的儿子，揍到他怀疑人生。

关于李安新作《双子杀手》，所有评价和讨论几乎都围绕着“120帧+4K+3D”的巨大技术革新，而电影本体的关注；文本主题的分析，却少之又少。

这里我希望能够尽量避开对技术近乎狂热的过渡吹捧，回归到电影维度；回归到李安的作者维度，试图去提炼出《双子杀手》沿袭了哪些李安电影的母题共性，李安作为导演究竟有没有真正的内在蜕变和创新。

自九十年代的“父亲三部曲”（《推手》、《喜宴》、《饮食男女》）开始，家庭关系和伦理困境就成为了贯穿李安电影不变的主题，而父亲形象又是李安电影里至关重要的矛盾核心。

这种俄狄浦斯情结的讨论在《双子杀手》里再一次老调重弹。

如果深究本质，任何电影的主题都关乎于“身份”，而俄狄浦斯结构则由“寻找（杀死）父亲”和“形成自我”构成。

《双子杀手》确立了一对镜像关系，这种互为镜像促成了两个角色的成长和重生。

亨利在和小克对立消除之后车里的对白显示出，父亲的角色在前者的童年过程中处于缺失状态，母亲伴随着他的成长，之后亨利和母亲分离进入国家情报局被训练成为杀手，完成了从镜像阶段到俄狄浦斯阶段的过渡，进入“象征的秩序”，体制（魏瑞思）则作为一种抽象的父权力量统摄压抑着亨利，即使他意识到并且想要挣脱权力的控制，在一系列的追杀中也仍处于被动。

丹妮的出现就是亨利重新塑造自我的开始，这个角色没有像普通好莱坞动作片一样，被设置进一条爱情支线，她的形象是暧昧不明的，可以是母亲，也可以是情人，但终究是作为原初欲望的象征而存在，这也高度契合着俄狄浦斯叙事的内涵逻辑。

在和小克的交锋中，影片多次强调二者的一致性和共同宿命（镜面/水面在画面中多次作为暗示），随着这种镜像关系的不断加强，亨利再一次达到初级认同，直到结尾他杀死魏瑞思，摆脱了对于双亲的投注，完成了次级认同，进化成为主体、一个父亲，得以融入更为广阔的社会文化空间。

处于镜像另一端的小克实际是一个克隆人，他的身份更加物质化和工具化，处于一种更加原始的未分化阶段，对自我的意识完全真空。

丹妮对于他同样成为母亲角色（通过直接的语言叙述）帮助他找到了真正的父亲，从混沌的身份认知进入到了次级认同的明晰的三元关系。

这两条人物脉络共同构建起了一个完整的家庭系统，李安也完成了一整套俄狄浦斯叙事的展现。

李安这种主题上的执着，来源于他的自身经历，因其父亲早期在他生涯规划上施加过非常强力的干涉，父亲的威严对青年时期的李安也造成了巨大的压迫，李安后来的人生经历又让他接触到了诸多西方更加开放的思想。

所以我们可以很轻易地在李安早期的作品中发现对父权的抵抗、对父亲的重新塑造以及欲说还休的弑父情结，无论是《喜宴》结尾安检时举起了双手的父亲，还是《饮食男女》里传统家庭的消解分化。

直到李安父亲去世，这种强烈的父子对抗在李安电影里才有所弱化，而更趋向于跟父亲进行和解，在《制造伍德斯托克音乐节》中，母亲反倒成为了强势、主导的一方，父亲在开始是没有话语权的，但结尾儿子和父亲一场深情而又温馨的对谈实际上仍然强调了父亲的在场，以及那种深沉隐忍的父权力量在家庭关系的平衡中始终发挥着强有力的作用。

但在情绪上确实又不如早期作品那么锋利剧烈。

之所以说《双子杀手》大体上是令人失望的，除了母题上的自我重复，更关键的是它的文本深度远远不及李安前作，《喜宴》也好，《饮食男女》也好，《冰风暴》也好，都基于特定的地域文化，包含有对东西方的或者代际之间讨论，那些作品，我们也许会利用一些精神分析常识去帮助我们进行更为全面的读解，但真正触动到我们的，依旧来源于文化语境给人带来的共鸣或者故事本身所带有的人情味儿，而《双子杀手》只能说是一个简单初级并且架空的精神分析模板，给人的感觉变成了创作者在创作阶段是为了套一个模型而编一个故事，况且早在七八十年代这种（甚至更成熟的）神话隐喻在西方电影里就屡见不鲜了。

不仅文本缺乏广度、现实性和当下性，而且串连的多个主题又都浅尝辄止，开篇的政治阴谋（《碟中谍》）；中段的双雄对立（《喋血双雄》）和俄狄浦斯情结（《星球大战》）；结尾的克隆人话题（《银翼杀手》），这些主题的堆叠相对于那些有针对性讨论的影片无一不显得在隔靴搔痒，如此看来，《双子杀手》实际上一点也不李安。

至于李安的作品，他的价值取向如何能有效地站稳脚，《冰风暴》是一个很好的例子，即使处在美国的文化土壤，他固有的情感表达却没有水土不服；除了家庭伦理、父（女）子关系，李安能不能有其它更多元的发挥？

《色.戒》又是一个很好的例子，所以我们对李安的期待当然不应该仅仅局限在技术层面。

虽然没有看120帧，最后还是想说两句关于此的想法，我并不反对技术上的探索和进步，但技术应该起到的作用是锦上添花，而非文本和影像创作力枯竭的遮羞布，当所有讨论的焦点都集中在技术层面时，那么就足以印证了它作为电影、作为艺术的失败。

看完了李安的《双子杀手》，也看完了很多争议和科普，有些话想说，不算影评（没有剧透）。

电影海报首先很多人说抛开技术而言，这部电影是不及格的，但其实这部电影很难抛开技术去谈，因为他就是一次电影技术的尝试。

电影史上最高帧速每秒 120 帧，超级3D，4K，超高亮度，这些能说没有价值吗？

肯定不是，只是我们习惯了李安讲故事的细腻动人，突然看到这么不李安的一部片子，觉得失望。

权游8躺枪我去了解了一下这个叫CINITY的技术，CINITY影院系统是当前电影放映领域的最高综合技术规格和最佳综合电影展现形式，融合了4K、3D、高帧率（HFR）、高亮度、高动态范围（HDR）、广色域（WCG）、沉浸式声音（Immersive Sound）等电影放映领域的最新技术。

说起来老长一段，看这一组数据就大概明白这个技术和普通电影的区别了： CINITY，2D时亮度可达到30-32FL，国内外大多数影厅是10-14FL；CINITY放映3D时19米宽银幕下，单眼亮度为28FL，20-24米银幕宽度下单眼亮度为20FL，国内外普通影厅是3-7FL，CINITY要高出其4-9倍;国内外高端品牌影厅3D亮度是10-14FL，CINITY要高出其2倍以上。

亮度指标是放映效果的基础性指标，亮度不够其他如3D效果、高清晰度、大色域、HDR、高帧率等放映指标和效果就都无从谈起了。

技术确实是好的 就这部电影来说，我觉得李安是主动地放弃了一些东西。

他很多次说，自己这次选了一个比较传统的故事： 「故事上是退了几步，希望大家多担待。

」 但是：「慢慢会发现他有另外一种美感，和胶片时代完全不同的一种美感。

」 他在追求另一种美感。

其实很多年长的人，或者老导演，会非常努力地去维护旧的规则和世界，讲自己擅长的故事。

但李安不是。

好像从《少年派》开始，他就头也不回地往这条路走了。

《比利·林恩》感觉到有变化，《双子杀手》又变化得更大，就技术来说，确实是进步了不少。

他在这条谁都不看好的路上，拖着沉重的成本，艰难地迈了一步，两步。

《卫报》采访的时候，他整个人陷进了椅子里，非常疲惫： 「一切都比你现在想象到的，难多了。

」 这根本不是他的强项。

他自己肯定也知道我们会如何评价，也知道不足在哪，但他就是想这么去做，去冒险一回。

他已经这么成功了，明明可以拍自己最擅长的题材和故事，但还是要做最吃力不讨好的事情。

《双子杀手》北京场放映后，采访里他说， 「现在只有我一个人这么拍，到底是我有问题，还是这个世界有问题？

」 为什么要这么做呢？

他说： 「对我个人来讲，我必须要追求，而且新导演很难有这个资源，那我们现在有这个资源，当然应该去追求。

」 看他在电影上映前后的采访，感觉都有一种忐忑，疲惫在，好像已经看到了不被人接受的结局。

但有人问他，还要继续拍120帧电影吗？

他还是说：「只要还有人肯投资，我就会一直拍下去。

」 《比利·林恩》反响不好，他就接着拍《双子杀手》，《双子杀手》也不够好，他还要继续拍心心念念的《马尼拉之战》—— 如果还有人愿意投资，他会一直拍下去。

微博网友感觉还有点心疼。

好像看到他捏紧拳头，反复地敲一扇不知道会不会开的门。

所以即使不是预期的故事，就算对这部电影失望，我也没办法对李安失望。

因为他是不顾一切在探索电影的边界，「调查兵团」式的前进。

想到詹姆斯·卡梅隆，1922年，第一部3D电影就出现了。

但《阿凡达》之后，3D才慢慢变成主流。

还有现在还算是“半个黑科技”的VR游戏，也没有像ns、ps一样走入大家的视野，是以为他的画面实在太粗糙，游戏性也不高，一般玩几次就不是很想再玩了。

但是很多VR游戏的厂家还是投入很多钱去做，因为大家知道VR一定会变革游戏界的，不是现在也不会太远。

这些都和李安一样，李安的做法也许就现在看来没有意义，但说不准在多久的将来，就会触发一类电影的变革。

可能到很久之后，电影进入了一个全新的时代，120帧已经成为了主流，那时候会有人想起，第一个这样做的人。

李安还是很可爱的

1 是怪物...还是人？

“我们生活在一个颠倒的世界中，”李安评论自己指导的《绿巨人》时说，“用《圣经》的话来说，我们失去了乐园。

”在这里，英雄是遵守客观法则、保有自然状态的人，而反派则是以绿巨人的父亲为代表的，“渴求获得超越神之力量”的人。

通俗的说，善就是有温良人性的人，恶就是贬低人的本质的物质主义者。

那个世界里，DNA代表了他的全部，班纳被当成是科学试验品。

李安在绿巨人身上创造了一个矛盾体：渴望拥有独立的人格，却受困于自己无法控制的肉体（DNA）和“怪物”身份。

这不就是本作中的年轻亨利么。

李安早在《绿巨人》身上就试图在商业片中加入复杂的人道主义元素，而在《双子杀手》中试图去延续这种对人的本真的探讨。

绿巨人非理性时失去控制，失去人的本真成为怪物；年轻亨利在面对父亲时情绪也失控，成为只会听命令的杀人机器。

如果说绿巨人是在科学背景下对技术主义产生质疑的话，双子杀手的背景就是冷冰冰的现代主义。

情感、人性、生活被规则、命令和目的取代，亨利们成为了被制造、工具化的“父亲”们的附属品。

说本作是《绿巨人》的再生似乎也不为过。

但观众们对踏入乐园的绿巨人并不买账，豆瓣评分也就六分多些，简单来说就是观赏性不足，商业电影是偏向体验性的，观众需求没有得到满足，并没有一个优秀的故事去支撑绿巨人现象背后的deep thinking，其哲学讨论也没有很好的呈现，成为了有些不伦不类的电影。

同样的，《双子杀手》的故事也缺乏吸引力。

我不妨问一下，是否真的有人在乎《双子杀手》里人物的死活，反正我没有。

如果连人物的生死也漠不关心，那更别说被故事本身打动。

哦对了，我连女主的名字也想不起来了，后段一些可有可无的性玩笑也有一种劣质感。

除了对人的本真的探讨，影片另一个主题是身份认同问题。

安迪塞勒在《李安进入了绿巨人的大脑》中写道：“他把电影当成了一个进一步探索身份认同与社会关系的机会。

”李安喜欢探索当角色与现有规范不一致时，他们的身份问题带给社会的混乱。

通过玩味身份错乱引发的冲突作为阶梯，发掘隐藏在身份问题背后的生存困境，以此来升华主题。

在《断背山》中，电影环境设置是一个边境，无拘无束的环境，和当地对同性歧视的狭隘闭塞的社会环境形成巨大差异感。

在这些影片中，环境迫使个体通过欺骗来顺从自己；反过来，受到外界环境压迫的主人公们，必须时刻压抑自我身份来保护自己的身份认同，在《双子杀手》中也存在这种双向性。

更典型的是《色戒》中的王佳芝，在动乱不安的背景下，使命和爱情的双重身份使她痴狂的压抑自己的内心，最终走向毁灭的悲剧性结尾。

外界环境与自身的不一致最终指向人的毁灭。

然而，李安的作品不会让人产生不协调的感觉，因为他擅长在混乱中寻找到那些不变的东西，无论身份如何错乱，总存在不变的感情或者是追求，这种层次感非常重要。

如《断背山》的那句“I swear”代表了永恒，王佳芝在易先生心中开的洞也代表了无序中清晰可见的永远。

但《双子杀手》中却没有在无序中找到所谓“不变的东西”。

我甚至觉得电影最大的问题不是故事，而是“重要的东西”的丧失，没有对混乱的重建构。

年轻亨利罪孽的根源在哪里，背后是什么力量在推动它，有没有可提供的解决途径，这些重要问题的缺席使得本片在世界观的构建上空空如也，故事直到最后也是错乱的。

亨利们的身份认同问题讨论了什么？

说到底还是自由问题。

是在现代资本的发展下，越来越多的人从一出生就成为为了达成目的而存在的手段。

这让我想起了前段时间指责环境保护的瑞典女孩，一定是有某种力量将她改变成这样。

这些真的是她的观点吗？

同样的，《双子》中的现代社会过于精密，谁也不能保证自己的想法是不是受到了别人的利用，这就是三个亨利带来的阴谋论：因为自己是被创造的，身份限制了自己的思想，自己所做出的选择或许也是不自由的。

李安不止一次在电影中谈论自由这个论题，比如《卧虎藏龙》就走到了《双子杀手》的反面。

玉娇龙不断尝试破坏身份给自己的枷锁，她离开家庭，逃离婚姻，反叛师父，主动选择了自由自在的生活。

而她的纵身一跃给观众留下了余味绵长的疑问：自由是真实且值得的吗？

这是《卧虎藏龙》的哲学主题，即人的自由选择的困境。

同样的自由问题，年轻亨利的悲剧性源头不是血缘，也不是身份，而是自我价值的丧失和自由意志的不确定感，他的心理建设完全依赖自己的父亲给他的一切，所以他害怕违背自己的身份，即使是牺牲自由。

只可惜人物过于脸谱化，关键剧情处文戏薄弱，李安在“现代主义”这座乐园内浅尝辄止。

李安骨子里的阴阳哲学使他的一切都偏于中庸式（褒义）的沉稳，所以他更适合于娓娓道来的故事。

而在这样一部混搭式的《双子》中，什么都想面面俱到，在技术、故事、哲学探讨中只是达到了浅显的平衡，没有惊诧感和连贯性，就很难是成功的商业片。

在这座颠倒的乐园里，亨利们是不是怪物似乎已经不重要了。

2 父亲形象的显现与消亡不知道是不是只有我，对片中的父子关系产生了一些不适感。

束缚年轻亨利的到底是什么？

在传统的商业电影中，父系往往是力量的象征。

我追从你，是因为畏惧或者是利益关系，才选择臣服。

或者是更俗套一点，仅仅是因为身份，或是血缘感情。

这些都是实实在在的东西，在电影中出现时也是一目了然的。

而本片中，父子关系总有一种朦胧的暧昧情绪在里面。

感觉就是轻飘飘又有粘稠感，明明应该是类似上下级的关系，却在父子冲突中断断续续的插入了感性文戏，父亲表现的好像他们之间存在真的情感联系一样，强调着“我是你父亲我爱你你是我的所以你要为我做事”。

这出现在这样一部以后现代为背景、以杀手为主题的动作电影中，其实让人感到很出戏。

李安太喜欢讨论多元化的父系社会和家长制了，俗称父亲三部曲的《推手》《喜宴》《饮食男女》不约而同的展现了两代人之间的冲突。

一般来说，在这种冲突中，总是西方新价值入侵东方传统观念，这与时代发展的趋势相贴合。

《推手》中的朱师傅因为与信奉个人主义的儿媳不合，被迫离开了家庭，现代自由世界抢夺话语权，《喜宴》《饮食男女》也是如此。

在两方思想对峙中，先是传统父亲控制一切，然后自由的新观点进入家庭，代表着传统的父亲作出妥协，两方达成一种融洽的和谐，李安的“父亲”电影总是通过冲突来表现深层次的文化差异。

你要知道，讨论父亲永远不止是探索形象本身，而是借助这个概念来讨论电影所想讲述的东西。

在《双子》中，李安显然想通过发现父亲的控制并挣脱，完成年轻亨利从“我是谁”向“我要成为谁”的哲学转向，延续类似于《卧虎藏龙》的自我探讨，说到底还是为自我认同这个主题服务的。

但《双子》中的父子隐约有一种东方式的暧昧，并在立场上不够清晰，冲突不够戏剧性，使得观众并不能很好的体会到年轻亨利挣脱大家长控制的心路历程，反倒有些偏向摆脱情感依赖的感觉了。

使得最终本应当升华主题的“精神弑父”降格为了“情感弑父”。

在之前的作品中，李安一直致力于解构父权，比如《冰风暴》中的父亲，因沉溺于性混乱而受到排斥，女儿主动抨击其严父形象，借助“性”的话题来破坏原秩序。

同样的，《绿巨人》中的父亲宣称班纳不是他的儿子，而浩克才是他的儿子，割裂了父子血缘，使其父权被解构。

我们可以看到李安通过打破以男性逻各斯为中心基础的父权社会等级，来建构出一个更包容的社会关系，而在这种破坏的过程中，总是依托中西文化或者是性之类的社会冲突来实现重建构。

而在《双子杀手》李安似乎想通过更加后现代的设定和背景完成这种解构，文邹邹一点就是消解“后社会的父权”，至于表现效果就见仁见智了。

出发点是好的，不过我个人认为没有给出足够细节的背景关系，有一种铺垫过少的感觉。

没有依托的后果是虚空的父权，给人不真实感，对李安来说至少有些缺憾吧。

问起《双子》对他来说意味着什么，李安谈到是“对过去的自己的反省”。

李安在访谈里说：“想知道回望年轻的自己时会怎么想，存在的意义是什么？

”实质上是将和过去的自己的对话变成了影片中两个亨利的对话，如果是这样倒是比较有趣了。

而老亨利对年轻亨利来说像是精神父亲的形象，这对于年轻的李安自己来说具有教育意义和感悟的价值，李安试图在电影中尝试自我对话和精神教化，我不知道这是不是意味着李安电影的一个转向，踏入到一个新的领域。

我只能说我相信李安。

3 技术是另一种艺术好吧，上面说了不少不足，那就说几句好话。

不过关于新技术，其他看到的一些专业评论比我懂一百多倍，所以我就少说几句。

通俗的讲，李安是一名伟大的乐于创新的大众导演，他勇于尝试新技术，探索电影领域的边界，《双子杀手》必然也是先锋电影其中的一员。

大获好评的《少年派》运用了精彩的3D效果和逼真的动态模拟（不过当时制作特效的(R&H)特效工作室马上倒闭了，这件事还是挺离奇的），作为一部娓娓道来并在最后才揭开的一切的大众电影，整个冒险过程中观众绝不会感到沉闷，因为那是当时最好的3D，至今没法忘记那逼真的海浪和孟加拉虎。

说一句“李安将艺术性建立在技术性之上”似乎也不为过。

而对于新技术我印象最深的却是《比利林恩》，那是李安第一次尝试120帧速率，高速度使得重影消失，增加了画面细节，让影像质量有了很大的提升。

技术的革新必然会带来观影体验的升级，从而对影像内容形成积极的作用。

在《比利林恩》中，林恩与敌人进行了血腥的近距离搏斗，“120帧”的真实感是以前从未有过的体验。

不仅是真实感，还有一种影像运动的美感和立体感，技术在前进，电影也在前进。

那么，代表了全新技术的《双子杀手》一定是最适合在大荧幕上欣赏的电影，相信这些新尝试会带动电影市场需求的升级，迎来新的电影革命。

4 多余的话最近很忙，看的电影不多，还是要感谢《双子杀手》带来的新鲜感，释放了很多压力。

然鹅，老实说我对这部电影说不上喜欢，如果觉得我根本没发现很多电影里精彩的点，欢迎在评论指正。

有人问我算不上喜欢还是写这么长，还分析什么有的没的，难道仅仅因为他是李安吗？

是啊，仅仅因为他是李安，这还不够吗？

如果我是年轻人，老年人说什么我都是不会听的。

看李安夫人林惠嘉都走到台前，为李安（新片）站台。

不少人再一次感慨，李安的电影生涯，是来到最危险的时刻。

在此之前，影迷对李安人生故事了若指掌。

他人生中的危难，是失业被老婆养了好多年。

另一次危难，是口碑票房双杀的《绿巨人浩克》。

我认为，这不过正常得失，每个电影导演的生涯，都有起有落。

李安遇到的真正危险，是去年某颁奖礼上。

他双手合紧，无奈抱握，面带尴尬，没有鼓掌。

否则，今天的《双子杀手》，恐怕就要变成又一段《好莱坞往事》了——而此时此地，被认为是拯救《双子杀手》的最后机会。

我并不惊讶，许多人在一个月前的媒体场提前场放风时，大肆吹捧《双子杀手》。

因为中资的参与（片头你就能看到LOGO），加上不菲的预算投入，按照一部商业片的操作流程，即便没有口碑，《双子杀手》也能拧出来一些麻花般的好评来。

但说来说去，《双子杀手》的宣传节奏，依然没有摆脱《比利林恩》的困局，除了120帧，3D、48帧或60帧之类的技术词汇，除了李安高清流畅二度试验，大家批评请小心轻放之外，《双子杀手》的特工故事，简直老套得像布达佩斯地下室的死人骨头。

你一定会说，这样的片子，根本不是看故事的。

可是有的影评，偏偏把什么弑父情结扯出红白配的塑料花来。

我认为拿着作者论那套东西，来套《双子杀手》是很可笑的。

这就是一个商业片，是试图让你爽的，有亮度惊人，流畅平滑的画面（前提是你找到了一块不错的幕），有如POV杀人游戏体验的。

这套电影，没有任何对威尔·史密斯的内心深化。

他只需要饰演一个有过去，从未失手，无敌存在般的杀手特工。

这样为国效力、反被清算的人物模板，可以是邦德，可以是战狼。

充斥在电影里的，是走过场的阴谋上司：一个比较蠢，另一个更蠢，还有一个打打酱油喝喝酒。

以及，不可或缺的干练女搭档，开游艇领一份便当的一条老友，开飞机再领一份便当的又一条老友。

你在其他特工片，经常也会看到这些角色，总之，不要轻易和主角成为朋友。

否则交情越深，你会死得越惨。

当然在商业电影里，我们对这些桥段，已经闭着眼睛可以知道下一秒。

但《双子杀手》最让人无语的，大概是设置的几个悬念，几乎无法称之为悬念。

无论是年轻面目有点奇怪的小史皇的出现，还有最后真金不怕火炼奥特曼的登场。

猜不出来它们面目的，我觉得一定是上上个世纪的观众。

但凡经受过《致命魔术》之类的电影洗礼，这一类题材，好莱坞至少重复过一二十部。

无论弑父还是克隆，它们都不是李安所在意的。

这部电影的重头戏，是那些伏击、追踪，街头追逐，枪花洗礼五金店杂货铺，满屏薯片炸出爆米花。

影片不断试图告诉你，我们比别的电影，玩得更真，是身临其境的真实感。

可是，从我走进电影院那一刻，从我看到年轻小史皇，任何人都可以跟我一样确信，它们是“假”的。

这里有个悖论，观众并不是因为这种该飚多少毫升血量，看得见电影人物拧断胳膊缺条腿的，才能进入故事。

否则，提示不许拍照录影、不要喧哗讲电话的电影院片头提示，最应该被拍成120帧。

《双子杀手》的画面再真实，我同样在想的是，就这么强大到爆表溢出的火力，居然打不动你两个活动人形靶子。

再到反杀小部队，我想的是还是主角光环比什么泄露剧情的双子实验室厉害多了。

怪事还包括，在这些段落的编排设计上，你很难说，《双子杀手》就有凌驾于其他特工片的技术优势，顶多你觉得脸上的毛孔淤痕血丝，街头摩托追逐像耍杂技玩游戏那样娴熟，什么都看得见了，带感、挺爽，但在真正的你死我亡、险象环生上，《双子杀手》无法甩开那些不能死的套路。

为什么不能死呢，因为死了就什么事都不会有了。

至于那个异想天开的阴谋，不看电影也能出来猜出个七八分。

相比真实的灰头土脸，商业片还是过于精致。

而精致感的来源，是特工片别打脸、发型不能乱的通病。

就这个特工故事的电影，根本用不着李安来拍。

遗憾的是，这部电影就是李安拍的。

120帧之类的玩意，前作就聊过了。

我不会因为枪花更美、火力更大、血丝淤伤、缺胳膊少腿的，才能进入那种所谓“真实的电影感”。

恰好相反，我会纳闷，都这样了还打不中？

同一个时刻，我依然在想着看其他爆米花片总会想的事情：主角光环才是最强武器。

在李安一头往120帧试验的道路上，诺兰和昆汀坚守着胶片的规格，甚至要上70mm。

我个人的观影习惯，依然是不喜欢3D。

虽然李安们成功解决了3D会暗的，但思来想去，我总觉得这是电影硬件设备商的阴谋。

好比我喜欢《现代启示录》《全金属外壳》，但它们重了砸重金，折磨演员以外，并不存在置换成一种更真实格式的选择。

我的意思是，考量一部电影的好与坏，观众会遭遇见的悲欢，感动或折磨，它们可能会被技术影响，但技术规格永远不是决定要素。

否则你很难解释，我们在录像厅时代，对着360p渣画质还不如的港片，一样能看得津津有味。

今天观众疲惫的，是24帧的体验，还是审美集体下降的影像轰炸。

落到《双子杀手》，威尔·史密斯的内心抉择打动了我吗？

没有。

他与朋友之间，是否上演了让人击心的考验。

没有。

杀死自己会很痛苦嘛？

可能会。

杀死”父亲“会很难受嘛？

不会。

观众比任何一个人都想开枪，让他的长篇大论收声。

老马丁认为，商业大片会不断霸占电影院，把它们变成游戏厅，像漫威连续剧那样，制造奇观与幻境。

没有保护政策的艺术片，会转到流媒体，去找对属于自己的观众。

人类究竟是因为电影的真，还是电影的假，去喜欢上电影的。

早期人类看到活动的影像会惊恐，因为它们以为那是真的。

如今纸尿裤时代成长起来的观众，从手机屏幕到IMAX，对真实或虚假的影像，慢慢失去了判断力，也陷入审美的蛮荒。

否则你很难解释，为什么人们愿意用高清镜头拍出好照片和视频，又一番粉饰处理，变成了一个个捏泥拉腿的假人，一张张刷过白墙灰的假脸。

对我个人而言，我知道电影是假的，我为荡气回肠生离死别而感动又希望我就在电影里面。

至于进电影院，那不过是一种仪式感，是对于电影工作者的反馈，令电影这门艺术形式得以闭环完成。

更真实的电影感，这种技术决定论，对我而言是无效的。

它们的影响，远不如灯光暗下，遁入黑暗来得重要。

操心李安是正经事

Vol.19，《双子杀手》，李安的第十三部电影长片作品。

这一次依旧是“临危受命”，请多指教。

10月18日，在沉寂了三年之后，李安终于带来了他的新作《双子杀手》。

120帧所带来的技术革新依旧是其最大的卖点。

但和以往的光辉不同的，这一次李安所面临的处境十分尴尬——一方面，本片糟糕的市场表现令其注定血本无归；另一方面，无论是普通观众还是专业的影评人士，对于本片均为两极分化的评价。

视听边界的大胆开拓，亦或是自废武功的文本颓废？

现在的李安，是正在走火入魔，还是放手拥抱未来？

本期金羊观影团共有26位友邻参加，25则短评，均分6.7分

poster by @德卡的羊对于电影进化的一种选择？

从《少年派的奇幻漂流》开始，李安已经在革新电影技术的道路上走了将近7年。

传统3D的“立体感”已经满足不了他的野心，从16年的《比利林恩的中场战事》开始，李安就投身于一种更加先进，更加大胆的技术——120帧拍摄。

这也许是你有生以来在电影院最为流畅顺滑的观影体验：细微到毛孔的面部细节捕捉，高速运动中背景的清晰重现，碎屑与火花在屏幕上的曼舞，以及火焰在流动中与观众超现实的互动。

这些元素是你无法在24帧所能体验与想象的。

那么是否真的如他们所言，李安在技术的苦行中真的找到了属于未来的“影像”？

@ 笑别掩柴扉 ，8/10分，3D 60帧2k版 一场母体/媒介的探讨?观众在120帧的失真与致幻中徘徊，正如男主对克隆体将将挥出去的一拳。

人类最后彼此回归体制的温床，是最“兽性”的冲动。

母体与媒介永远在吸收/同化中反噬主体，又给予主体生命力。

那么，120帧是对电影的异化亦或是赋予电影新生呢？

of course are both ,李安用一场技术的盛典来幻化另一种真实。

@ 不死者 ，7/10分，3D 120帧4k版 “自我”追杀一如自我思辨的内部抗争，联结起来的不止是自我的、更是电影的过去、现在（和未来）：两者的孕育与取代，协调与共生（并合伙抹杀了未来电影的极端游戏化 非人化的 苗头），文本映射的是李安对技术，对电影的探索过程。

此外，李安在技术的激进展现中更多地架空自己，剪辑色调构图通通做减法让位给形式实验，用技术捕捉“真实”（以此时的“真实”对比调动视听构造的“真实”），同时以“第三子”来警示技术化的反噬。

不过绕回剧本上……还是不作过多评价了，你我都懂的。

@ 德卡的羊 ，8/10,3D 120帧4k版 文本我就不谈了，感觉其他人说的差不多了。

但是影像真的完全惊掉下巴，有史以来最嗨的观影体验。

栩栩如生的镜头捕捉，丝毫毕现的运动，每一滴水、每一束火花、每一粒粉尘，都在高密度的影像速率下疯狂的曼舞。

或许影像上没有传统电影那种所谓的“质感”，但每当你离开电影的虚幻去回归现实后，都会产生极大的落差。

但是李安的《双子杀手》并不会，这部无限接近真实的作品，不是带你进入电影的虚幻，而是把电影带入可视可听可感的现实，几近于一种真实的融合。

当然技术上还是有限制，近景或是特写时的景深镜头还是多少影响观感，但每一次伟大的蜕变不都是从一次次的探索中来吗？

当然我不会觉得这是电影的未来，但至少未来的电影中，不应该没有这样的组成部分。

@ 下次开船 ，8/10分，3D 60帧2k版 广义来说，“父亲”的角色可以有三个指向：老年威尔·史密斯（肉体）、克隆计划领导者（精神）以及美国Gov.（多次借角色之口，明示暗示美国Gov.近些年的作为）单单讲个人际遇的话，落脚点是俄狄浦斯式的弑父、宿命、轮回。

若是提及个人与gov.的关系，则。

@ 海鸥马步 ，8/10分，3D 60帧2k版 李安最近几年在做卡梅隆的活吧或者帮他过渡。

视效体验作为电影的承载介质再次被强调并显现出其独一无二的影响力。

似乎可以算是目前3D动作片最前沿的作品了，颗粒感的撞击与完美图像好舒服。

故事旧派但内核很中式家庭，而且全片基本都是正反打或者错位简洁又老道。

@ tabokie ，7/10分，3D 120帧4k版 高清+高帧带来的过量视觉细节并不必然削弱电影文本轴向的表达，本片流露的复古化叙事特征当然是有意为之，自断肢体证明观点的同时纪念性地透过尖端之眼回视潮流，双子隐隐点题。

技术角度，为超视力做减法着重复原主观视觉，杀手们的窥探和视角争夺，泛滥特写人像，大力虚化全景，以及镜面和屏幕伪像的使用，或多或少都是这条基本指导的演变。

动作戏中短暂的快切序列形成瞬时失焦，在整体影流中格格不入，也局限了高帧使用写实笔法。

溺水和人魔镜头疯狂加色加深度，配合超高清材质，形成全片视觉甚至通感高潮。

本片的体验远非完美但其创造的异质性无疑说服了我，个人而言这或许会是未来影院观影的唯一动力。

@ ಥ_ಥ🦔 ，7/10分，3D 120帧2k版 I want you both, or three. 我从未如此喜欢一位黑人男性，眼里的光看得清清楚楚。

第一次水中下沉的气泡，amazing。

还有摩托在小巷内追逐，我太热了，一直很热。

克里夫欧文完完全全认不出来。

@ 无色无味的气体 ， 8/10分，3D 120帧2k版 技术>剧作，没想到本来通常以剧作取胜的李安这次反了过来。

发现李安在构图时很喜欢运用镜面反射来营造情绪和人物关系，例如《断背山》中的车镜，《色，戒》中的柜镜，本片中多次使用了此元素，车镜和摩托车镜都在塑造紧张气氛，而楼中镜的设计暗示了两人的关系。

几场打斗戏都非常惊艳，尤其是古堡底下照着亮光的互搏，追逐戏也实打实的体现出李安出色的调度。

但剧本确实是拖后腿的一环，非常的稀碎，尤其是对于年轻的“我”人物的刻画和转变都是极其失败的，间接地导致父子关系的建立是不成立的。

但比较有意思的是，两个“我”之间的关系和对话。

@ ┣━┳━┻━┫ ，8/10分，3D 120帧2k版 如同神一样轻盈简练地跃动着身姿的第三子直接将过去的温吞虚伪的情感构建扯碎，他从火焰中徐徐站起、走在飞溅绽放的火星之中的绚烂画面“超越清晰”形成了“跃过真实”的恐怖幻象。

我们都知道他是谁，我们都似乎做好了迎接这种错位的准备，可复杂对视后小克不自觉抬枪的动作还是暴露了一切——这是所有人想要回避却无从回避的鬼魂（一如技术本身）。

向电影语法的一场无情背叛？

诡异，实在是太过诡异。

在观影途中，除了对于画面细节的惊叹之外，我还感受到了一种异常的不协调感。

不知道是只有我，还是其他人都有这样的感觉：在很多画面内，用双眼所感受到的景象十分“不统一”，往往是近景的面部特写与远景的虚焦在视觉上几乎一样“立体”，在画面上甚至没有远近之分、景别之分。

如果说的再夸张一点，这部电影在本质上，是没有“景深”这个概念的，真的太恐怖了。

这样的一部实验性质浓厚的电影，真的还能被称为是“电影”吗？

@ 铎mao猫 ，5/10分，3D 60帧2k版 李安失手，承认专注技术忽视电影本身有什么难的？

无法接受没有电影感的电影，有这种技术反而更想看高帧率拍出来的porn，而不是十八流的好莱坞烂俗概念科幻动作片。

@ 和光同尘 ，6/10,3D 120帧4k版 观看的顶配，从第一眼就把观众引领到了影像本身，诚然这是好的，可是粗暴的剧本只是不断呈现技术。

扬言是“电影未来”，在过分强调真实的基础下，如同cg一般的过场把律动的真实硬生生扯出来。

不否认也不讨厌完全类型化是为了迎合市场，以此才能继续革新。

可是能否挑选一个更加优秀的剧本来呈现？

@ 法式曌影 ，6/10分，3D 60帧2k版 几处惊喜，全片败笔。

李安看得出来很努力在做技术革新了，但问题是，电影真的有必要做成这样吗？

这是真正的技术革新吗？

当年“比利'林恩”特意看了120帧都没看出任何创新之处，这部选60帧更是觉得毫无必要。

剧本简直俗气老套到骨子里，不过惊喜的是李安仍然把自己的人文情怀成功嫁接，于是它至少还显露出一丝生命力。

全片的所有文戏老气的只剩沉闷（或者说几乎所有戏份），而高帧率的清晰度反倒削了一层电影的质感。

只剩中间一场动作戏几乎惊掉我的下巴，李安的顶级执行力完全显露，镜头被赋予了灵魂一般游走，把动作拍出了灵动感又不缺凌厉，并且将人物的第一次对峙通过镜子进行压缩串连起两个空间，一个变焦镜头变换主观和旁观视点简直可谓绝妙啊！

李安可不可以不要再执念再这无意义的“技术革新”中浪费他惊人的才华了啊！

至少革新也拿个好本子啊！

@ 身不在场 ，4/10,3D 120帧4k版 仿佛看到了未来游戏界的CG制作水平，在这样处处设限的拍摄环境下，还不如以全CG拍摄一部影片，人类在高帧数下的不自然表现永远是短板。

动作戏情感戏更是一塌糊涂，由于看不见旧时的动态模糊，史密斯和克隆人的追逐场景你甚至不能感受到哪怕是一丁点的速度感。

一些为了展示新技术而刻意设计的场景也纯粹沦为了发布会上DEMO的存在。

电影产业是在技术的不断升级之下快速发展，但电影美学却并非如此，声音与色彩让创作者们看到了电影在创造现实渐近线方面的潜力，哪怕是近年来大家褒贬不一的3D技术在很大程度上也向我们展示了其在景深构造和观看体验方面的截然不同之处。

120帧+4K+3D格式和当年宽银幕、气味电影的技术一样，在本质上只是一次试图将观众再次拉回影院的奇观化手段，当我们在美学的层面上看不到一丝一毫的进步时，这些技术也就完全担不起电影之革命之名。

如同那些匆匆忙忙修筑而起的Cinity影厅，它们也行能让你看清一切，却看不到电影的未来。

@ 妳的世界几点，6/10分，3D 120帧4k版 这顶多算是好莱坞商业片的一般水准。

但因为120帧 cinity 却又变得不一般，cinity提升了3D的亮度，而120帧的清晰度宛如真人就活生生站在你面前。

总觉得这部算是李安的一次技术实验（比利林恩那个是野心，不纯是玩票），这次完全是商业片试水，以此投放市场，看看反馈怎样（安叔的勇气可嘉）技术＞一切，所以这部并不那么李安。

电影里面当然也有李安的东西，比如人欲望的压抑，挣扎和膨胀，人文的关怀和反思，父子之间的关系。

视效上完全是第一人称玩动作游戏的既视感，很cool，尽管打斗有点健美操（120帧呐！

），但代入感很强，身临其境非常嗨。

当然了，故事文本太弱也是不争的事实，文戏确实也无聊，至于克隆人的探讨也就是蜻蜓点水。

@ chaos ，5/10分，3D 120帧2k版 高帧加上3D，对焦使得背景虚化更为立体，甚至连人脸抖动的纹路都能看清，细节流畅得好像按了慢速播放，but so what？

克隆设定掐头去尾流于表面，结局更看不到一点深入的情感刻画。

诚然有弑父镜面元素的高度解读空间，但这是真正融入于电影且自然真切的传达方式吗？

用动作类型片来承载这种被扭曲化了的概念传达是不可行的。

可以解读，但于我绝不是合格的、能引发自然情感共鸣的类型载体，所以是失败的。

我宁愿李安老实拍一部爽片，也不想看到牵强符合的意象表达。

高帧带来的震撼只持续了十分钟，文戏武戏都索然无味。

120fps可以拍任何类型的电影，但绝不是这一种。

@ 伏眠 ，6/10分，3D 60帧4k版 电影是需要灵魂的。

如果灵魂只剩下一个伟大的帧数，附带着粗糙的逻辑激烈的战役生硬的剧作，那可真是太可惜了。

60和120这两个数字可以用于定义任何一段伟大或者平凡的影像，但这两个数字不能让任何一段平凡变得不凡，也无法为任何一段伟大加冕，技术终究只是载体，仅此而已。

@ 西卡里奥 ，6/10分，3D 120帧2k版 看到最高版本的第一秒与具有实感的动作场景时，也许或许我们就如百年前第一次看到《火车进站》的观众一般，对眼前影像具有高度敏感的感知能力与对其的贪婪信任，把对观众的吸引力重新还于了影像本身。

虽如此，我也不完全认为这就是“电影”的未来，高帧率下人物的运动就如同CG制作出一般，如此虚假感与动作场景结合如果说尚可的话，那么文戏部分的全程特写就完全是技术实验的牺牲品了，放之更广阔的电影范围，提高影像的被感知力的同时使影像的内容变得虚假，如果未来的电影变成这样，那电影同时也就终结了。

李安与他的技术，在未来究竟何去何从？

无论《双子杀手》的视觉效果有多震撼，技术革新有多超前，对于电影和它的运载本身，我们始终无法忽视以下两点：一，在商业上，这是一部非常失败的作品。

无论是北美还是中国，其票房表现都不尽如人意。

二，在故事上，就算可以在枯燥的故事中解读出“俄底浦斯情结”，这仍然是一个无比枯燥且矫情的好莱坞烂俗故事。

无论是资本方，还是成千上万的普通观众，想必都不会继续为李安的“技术革新”所买单。

那么，李安能否争取到下一次自我证明的机会，而他所作出的尝试，对错与否，真的可以交给时间来判断吗.....

@ 浮草 ，6/10分，3D 120帧2k版 不懂运动影像看不出高深之处。

援用艾略特的话“一个造出新节奏的人，就是一个拓展了我们的情感并使它更为高明的人。

”我完全支持巴赞倡导的完整电影，更鼓励技术革新，我也非常支持李安将这项技术实验进行下去，但头发毛孔看的更清晰的今天，内心有探索的更清晰么，这项技术拓展了情感并有高明的表现了么。

我并没有太感受到。

从剧作来看，节奏、完成度是可以的，镜像、自我、弑父、父权甚至可以做政治隐喻时代解读，但整体依然只是普通类型片的水准。

所以“创造一种形式并不是仅仅发明一种格式、韵律或节奏，而且也是这种韵律或节奏的整个合式的内容的发觉。

”@ 意识流螺丝刀 ，7/10分，3D 120帧4K版 李安此次最为显著有开创性的创新即是：将技术赋予了某种作者属性，技术切实地成为了作者表达的一部分，呈现出的效果也着实迷人，借开头火车出站一瞬间给人带来的身处站台上的恍惚感，李安完成了同卢米埃尔的致敬；高帧数下的动作戏结合导演精彩的调度营造出的迷幻而让人提心吊胆的氛围被无限放大，电光火石清晰可见乃至是切实可感，在完全沉浸的基调之下完成了对主体和克隆体共生关系的探讨，也因而在第三个克隆人头套被揭开的那一刻造成了全场惊呼。

然而“故事”这个概念本身就必然伴随着某种抽离，文戏在本就蹩脚的对白之下显得尴尬和多余，技术托起的文本本身过于套路，对于情感的渲染与呈现亦过于浅薄，使的作品离开了技术便平庸不堪。

因而引发的对于技术的探讨也愈发发人深省，如果说高帧数的最终目的在于观者的完全沉浸乃至于消解“导演”的存在，以狭义“真实”作为广义“真实”的佐料，那么本片的充其量就仅是一次探索而已，至于电影世界是否需要这样的探索，就留待时间去评判了。

@ 香香菲舞 ，5/10分，3D 120帧4k版 从《少年派》开始，痴迷于玩最新技术的李安，就逐渐放弃了一些早期佳作中，灵魂的细腻之处。

《比利林恩》更是某种执迷不悔的探索。

李安骨子里的叛逆，不仅是随处影片中随处可见的父权讨论，也凸显在每一次新作的新锐特点追求。

所以，《双子》的选择，更像是李安过了花甲之后，一次笨拙却不服输的潮流之举。

剧本的浅薄已经不需要再做深究，120帧在配套设施和技术不完善的情况下，眼球在观看过程中模糊，也不知是激动还是感慨而就。

有点心疼李安的执着，如此身价的导演，探索着电影界中的下个里程碑，奈何时间节点不是每次都符合他推举的节骨眼啊。

对他的下一次仍旧有期待，但对他的《双子》终究怎么也喜欢不起来。

@ 卡佛啪啪卡夫卡 ，7/10分，3D 120帧4k版 一场依靠高强度视听推进的inside out，一生二，二生三，意外精致的复合结构。

中年独身者内部欲望的滞留，刽子手枪下的过往的幽灵，被赋予了形体成为实在反过来haunt这座本就淫秽的忒拜城，只是这一次的闯入者并非俄狄浦斯。

双子再到三子，你来自于我，却不再成为我，恰恰是因为另一个父亲，因此这一场弑父有没有成功，又得另当别论。

而比探索视听语言的边界更重要的是，李安的作者性标的或许已点滴融入技术本身：不以技术接近真实，而是拥抱技术的虚假，以技术的“非人”穿刺真实的人的世界。

@ 幽幻 ，7/10分，3D 120帧4k版 先不考虑剧作上的问题，观看120帧这种全新的有一种身临其境的爽感，得天独厚的优势带来前所未见的真实，甚至，超越了我们所定义的“真实”。

固然，我们仍不知道这种失真感是好是坏，但它给人造成的视觉冲击足以称赞。

李安在挑战着电影的未来，即使不一定成功。

@ 果樹 ，6/10分，3D 60帧2k版 这依然是一部过程电影，真心觉得有点可惜。

对于叙事上的不足，或者有另一种视角，在这一部电影中，内容本身就是为了形式而让位了，于是在文本层面只选择了最有效率的路径。

如果这个故事放到一款游戏中还有人会多加诟病其问题吗？

高帧率对镜头的束缚带来的电视感真的是问题吗？

那又如何看待追逐戏、自我互视等具有游戏感的桥段对于全片的加分？

从这个层面上看，当形式的实验性一再被突破，第七第八第九艺术的壁垒是否也被突破？

@ 六个月亮的六 ，6/10分，3D 60帧2k版 抛开技术噱头来看，这不还是那个挣扎在父与子母题上的李安嘛，只是用了更财大气粗地方式来讲一个陈旧老套的故事。

可能是没有选择顶配放映场的原因，所谓的沉浸感并没有感受到太多，却总是被以往看好莱坞商业片时感叹的“这都是钱啊！

”所短暂地抽离开。

这几年的李安走上了电影的另一条路，他一意孤行地探索着电影新的出路，无法评判对与错，只有喜不喜欢。

那很可惜我不喜欢。

仅打分：@ 思路乐 8/10分，3D 120帧4k版@ 失意的孩子 ，8/10，3D 60帧2k版 历期评分TOP5：1.《痛苦与荣耀》 8.0；2.《同义词》 7.7；3.《风中有朵雨做的云》 7.6；4.《你的鸟儿会唱歌》 7.5;5.《太空生活》《江边旅馆》 7.4；下一次见，估计就是《兰心大剧院》了。。。。。

PS：昨晚排版问题引起各位阅读不便，现在于10.23号凌晨已修改完毕，望各位谅解。

李安在2012年口碑票房双丰收的《少年派的奇幻漂流》之后，似乎就一头扎进了电影技术革新的深坑，从《少年派》的首尝3D，到《比利林恩的中场战事》的120帧，到这次《双子杀手》的超级3D+4K+120帧，整个好莱坞似乎都更难寻到第二个如此痴迷于技术突破的导演：彼得杰克逊在制作了高帧率的《霍比特人》三部曲之后改变了方向，去做了填色修复的一战纪录片；罗伯特泽米奇斯在几部电脑特效主打的电影不太受欢迎后也回到了普通的故事片拍摄，虽然似乎再也没找到《回到未来》系列时的节奏。

做技术革新绝对是件吃力不讨好的苦差，难度大，预算高，制作耗时长，能放映的影院有限，观众可能根本不care，等等，但李安对自己的这种执着，是这样解释的：在获得第二座奥斯卡最佳导演奖之后，他明白了自己作为一个电影导演、一个艺术家的使命，很多事如果不由他来完成，那其他人就更没有机会去做到，就像“非他不可”一样，是一种命运的安排。

在提到“作者电影”这个概念的时候，影迷们很少会把李安归到这个类别，因为他尝试的影片种类太多样了，中西家庭伦理，战争片，动作片，漫画改编，名著改编，LGBT，几乎把能接触的题材拍了个遍。

他就像无形的水，融到各种不同的制作团队中，作为艺术成就这么高的导演，个性实在是过分低调了，好像真没听说过他什么时候“把某某电影拗成李安风格”。

但听他解释完自己为什么如此执着于技术之后，会突然有些理解的，李安大概是那种表面佛系、内心有执念的人吧，这种“像命运的安排”的感觉，毫无悬念地延续到了他的电影里。

不论拍什么题材，哪怕是多老派的动作故事片比如《双子杀手》，都会有人与世界、人与命运博弈、抗争的情节。

从“家庭三部曲”开始，子女和父权、传统家庭关系的破坏与修复，人的成长，在命运巨大的力量中寻回自己，这些深刻的情感，可能不会是这些作品观后的第一感受，却会是最打动观众的部分。

《双子杀手》的剧情可以说符合比较典型的好莱坞动作片规格：威尔·史密斯饰演的美国特工亨利，在人到中年，对自己的人生产生反思、对自己的工作产生怀疑之后，决定不再做政府的秘密杀手退休颐养天年，不幸成为了被灭口对象。

而组织派出除掉亨利的，不是别人，正是二十多年前政府秘密取得亨利DNA之后克隆出的一模一样的“年轻版亨利”小克。

在此还是要吐槽一下，这个设定的确有许多好莱坞动作大片都有的一贯问题，感觉剧本更像是一个流水线弄出来的产品，故事和人物塑造都有待推敲；相比李安以往剧情取胜、台词精细的作品来说的确是有明显不足的。

我最近恰巧打了挺多游戏，感觉这个电影做成游戏搞不好会更受欢迎大卖呢——因为文戏不行的话玩家可以快速略过，但动作场面力道很足，刺激好看，地点辗转几个大洲，背景是数个风景建筑完全不相同的国家，不管是高速的追车跟拍，还是杀手视角的第一人称镜头，观众都可以在如画的美景里欣赏最刺激的枪战动作戏，这一切都体现了李安超强的导演能力。

现在很多漫改大片，会特意请来艺术造诣挺高的导演，来赋予故事一些人文情怀，这当然是不错，但一到动作戏就把人劝走，说您不用担心我们有助理导演帮你搞定动作场面！

这种快速但敷衍的拍摄方法无论包装多么精良都会体现在成片质量中的，和李安这样每个镜头亲力亲为的亲自执导是高下立判的。

当然电影当中，还有着最大的看点，也就是海量“威尔史密斯大战威尔史密斯”，如果是史皇的粉丝，那简直会大呼过瘾了。

电影据说参考了很多威尔史密斯年轻时候的视频资料来制作这个年轻版本的他，花了影片大部分的经费来精雕细琢。

其实这种“年轻化”的技术，这几年在好莱坞已经数次运用了，漫威的电影里有年轻水嫩版的小罗伯特唐尼，初出茅庐青涩的萨缪尔杰克逊等等，但他们更多只是辅助剧情的作用，并没有担当主角重任；马丁斯科塞斯的大热新片《爱尔兰人》更能拿来类比吧，一部黑帮故事片在无限拖延数次之后成本蹭蹭上亿，就是为了在一个时间跨度很大的故事初期把阿尔帕西诺、罗伯特德尼罗脸上的皱纹抹了，可谓非常辛苦。

两部片都看下来，如果一定要比较的话，《双子杀手》对这种技术的使用效果还是略胜一筹，想必还是有观众的一些主观印象的帮忙：德尼罗、帕西诺这样年轻时就红透全球的大明星奥斯卡影帝，大家都知道他们年轻时候什么样（教父里面帅气的样子实在是印象太深了），所以这种去皱只能稍微减点龄，身材、神态方面，确实没办法做到和年轻时一样；但《双子杀手》是在拍摄时就用了类似《魔戒》中咕噜的面部捕捉，完全重建了威尔史密斯的整张脸，再加上肢体语言的帮助，观众完全会沉浸在一个20出头年轻人高超的身体素质和特工能力上——我花了一点时间适应《爱尔兰人》的去皱模式，但《双子杀手》是完全没有这个问题的。

《双子杀手》的两个主角，是互为克隆人的关系，也就是说他们其实是DNA100%吻合的同一人，但李安更像是把两位的情感联系理解成为父子。

亨利自幼成长在单亲家庭，父亲不仅早早消失，还给他留下溺亡的心理阴影；小克则从小对自己的身世疑虑重重，养父虽然给了他家庭，口口声声说自己提供了父爱，却一直把自己往毫无感情的人肉武器方面打造。

于是在重逢时，两个人不仅是对自己的人生中种种疑问找到了解答，更是对父亲这个心结的解开，从家庭三部曲一路走来的李安，其实一直都在反复讲述这个题材——只不过，这次是放在一个比较老派的好莱坞动作大片的外壳里了。

一个完美的军人、特工是怎样的？

克里夫·欧文饰演的反派当然有自己的一套说辞：如果克隆人可以继承最优秀的基因、有着最好的身体条件，并没有情感的束缚，不会因为家人、爱情等等事情的动摇来影响在战场的表现，那为什么不选出这样优秀的人来大量复制粘贴呢？

这看似是个好问题，但他把“人”想得太简单了。

任何一个人，不论是从父母身边长大，还是来自实验室的克隆试管，就是会有感情的，而感情是左右人行为的根源——世界上最优秀的特工也会因为一念之差放弃一切，最精良的部队也会因为小小的动摇而溃不成军。

李安作为一位长久生活在美国的华人，美国民众这种对自己国家强大军事力量的复杂情感他是很能理解的——美国是个超级大国，在军事方面的投入大到难以预估，各种秘密组织执行的任务作为普通纳税人完全不可能得知所有的细节，这种怀疑和忧虑，从《与魔鬼共骑》，到《比利林恩》，再到《双子杀手》，这反战三部曲是李安对自己生活社会的映射。

他不会把镜头放在血淋淋的战场上，用直观的残酷来呼吁和平，而是描述战争是如何细微地影响一个人的心境、生活状态，平静的生活是如何可望而不可即，来表达自己对战争的反思和批评。

观众如果想找到《少年派》时的感动，又赞叹《比利林恩》华丽的视觉效果，那《双子杀手》或许有二者结合的的感觉，当然，不能说这个动作片的躯壳能很完美地表达，但《双子杀手》作为一部技术非凡、酣畅淋漓的好莱坞大片，同时也没有失掉李安的印记，就已经值得一试。

https://emilyliangfilms.com/ WX: 米粒电影院

在电影中为一个角色“增龄”只需通过局部化妆便可以轻易实现，演员再通过腔调、举止、目光的表演，让角色要具有说服力，这样就能真真假假、虚虚实实。

但“减龄”则难得多，不是靠化妆和表演就能轻易解决的。

《双子杀手》中威尔·史密斯扮演的Henry（左）和CGI的克隆Junior（右）如果51岁的威尔·史密斯想要年轻态，就要把干燥、暗沉、粗糙统统赶走，油腻、暗淡，全都不要！

李安新片《双子杀手》中23岁的威尔·史密斯的制作工序非常繁杂，非普通CGI制作可以比拟，最终的效果也比他当年演《茶煲表哥》(1991)时还要嫩。

《茶煲表哥》(1991)中的威尔·史密斯，时年也是23岁其实，“CGI减龄”这些年并不少见，它在漫威电影的倒叙场景中越来越普遍。

《蚁人》(2015)中1989年部分的汉克·皮姆，就使71岁的演员迈克尔·道格拉斯瞬间恢复到《华尔街》时的样子。

《蚁人》中的老年汉克·皮姆和1989年部分的汉克·皮姆往前追溯，我们可以先从《终结者2018》(2009)谈起，片中出现了惊鸿一瞥的阿诺·施瓦辛格年轻时代扮演的T-800机器人，面部采用了《终结者1》(1984)时的阿诺，身体则属于替身演员的。

对当时来说，表情捕捉塑造的数字人类，面部并不能维持太长时间，一是开销巨大，二是如果时间过久很容易露出破绽（它的效果与真人还是存在一些差距，更像《最终幻想》那种3D渲染的“真人”）。

《终结者2018》到《创：战纪》(2010)时，61岁的演员杰夫·布里奇斯与《电子争霸战》(1982)时的自己同框。

布里奇斯表演年轻的自己时，其面部表情被细分为52个表情基准点，再回传给电脑，还原出他30岁时的样子，由此成为影史第一位与亲身扮演的年轻自己同框的演员。

但这个数字化人物，面部还是能看出太多破绽——冷冰冰、表情木讷，体会不到真情实感，观众一眼就知道它是假的。

幸好这个角色活在全数字化的虚拟世界中，还可以解释的通。

《创：战纪》中真实的杰夫·布里吉斯（左）和CGI制作的年轻化的自己（右）

《创：战纪》中老年与年轻的杰夫·布里吉斯，孰优孰劣一目了然“冷冰冰、表情木讷，体会不到真情实感”的缺点放到2015年的《终结者：创世纪》中却再合适不过了，它正符合了披着人皮皮囊的机器人的基本特征。

《终结者：创世纪》则再度还原了《终结者》(1984)开场阿诺出场的经典场景，真是深深的回忆杀。

这位年轻的“T-800阿诺”仍然是由替身演员充当肉身“扮演”的，面部再通过后期技术被替换成施瓦辛格当年的面孔。

布雷特脸上贴满表情基准点，来还原年轻阿诺的样子这个CGI的阿诺已经比六年前的《终结者2018》进步太多，起码在剧照和预告片中很难看出破绽，但在大银幕，尤其是给到特写镜头时，就会发现它不似真人。

如果仔细看他的脸，会发现鼻子微微弓起，脸部也稍不对称，特别是做表情的时候。

《终结者：创世纪》里真实的施瓦辛格（左），和CGI制作的年轻化施瓦辛格（右）片中有安排一场施瓦辛格跟年轻的自己（两个T-800）对决的动作戏，但时间短暂，夜景的动作细节也是糊的。

众所周知，同年上映的《速度与激情7》(2015)，保罗·沃克因车祸离世，特效公司用表情捕捉使演员“复活”。

保罗的两个弟弟来做哥哥的替身，再从保罗生前作品中精选出片段，用CGI制作出多角度的脸部模型和所需要的多款虚拟表情。

最后将表情串联，生成短短几秒钟的动态影像。

除此之外，保罗的声音也被采集出来，在弟弟的帮助下，完成配音。

《速度与激情7》里CGI的保罗·沃克，在观影时仍然能看出是CGI制作的最近的例子还有漫威的《惊奇队长》(2018)和今年马丁·斯科塞斯的《爱尔兰人》(2019)，这项技术被用来让主演以年轻时代的自己出现，这就是标准的“CGI减龄”。

《惊奇队长》里年轻化的局长，已经取得了实质性的进步

《爱尔兰人》里年轻化的罗伯特·德尼罗，仿佛也回到了《赌城风云》的岁月技术永远是进步的，为什么说这次的《双子杀手》是质的飞越呢？

毕竟，这部影片的介质是120帧+4K+3D，如果有缺点，在大银幕上会一览无余，数字人物更容易看出破绽。

特效部门不仅是对男主角威尔·史密斯的面部“减龄”，而是制作了整个身体，即便是面部，也有肌肤、骨骼、眼睛、牙齿光泽的再造，所以李安不太愿意将之称为普通意义上的“减龄”。

为了呈现出年轻威尔·史密斯（片中的角色是特工Henry的年轻版克隆人Junior）在电影中的最终效果，要先对演员进行动作捕捉，然后再进行调整，有时候也会用他之前的电影素材甚至是年轻时代的家庭电影做参考。

几乎将他在众多影像资料中的情感特质和言语动作全都转移到了这个数字人物身上，让他的言谈举止变得近乎完美。

《双子杀手》中CGI的克隆Junior最后制作出来的Junior，无论镜头给到中、近景还是特写镜头，他都经受住了考验，并且Junior的性格不同于威尔·史密斯本人甚至主角Henry的性格特征，而是一个率直天真的战士，始终保持一种彬彬有礼的年轻人的特质。

《双子杀手》里的朱尼尔之所以不属于“减龄”，优势就在于此，它不再是那种“冷冰冰、表情木讷，体会不到真情实感”的数字人物，而是具备所有人类拥有的复杂情感，和人类一模一样甚至还胜过真人。

片中一场Junior在克里夫·欧文面前流泪的哭戏，就特别令人动容。

威尔·史密斯“表演”Junior要知道，《双子杀手》也是李安继《比利·林恩的中场战事》(2016，以下简称《比利·林恩》)之后，再度用120帧高频率+4K+3D的技术完成的。

就电影而言，帧速率(fps)指的是每秒所显示的静帧格数，随着帧速率的增加，观众的情绪反应亦随之增加。

有句老话说得好“摄影机每秒都在撒谎，每秒24次。

”说的就是这个。

我们以往看到的电影都是传统的每秒24帧显示的平滑运动，这种标准已经对大家的观影习惯根深蒂固，在下意识中接受了。

改变帧速率也会影响观众的情感体验，因为随着投影速度的加快，情绪反应亦随之加快了。

记得当初《比利·林恩》推出时，索尼影业给出的官方称谓是“沉浸式数字体验”(Immersive Digital)，国内还说它属于“未来电影”。

它的优点是拥有超真实的清晰度，能使流动画面更流畅，解决摄影机平移中产生的画面抖动，带来更舒适、立体、敏锐与真实的观影体验。

《比利·林恩》中的体育场烟花场面不过如果过于沉浸式，电影会变得不再像电影。

当初《霍比特人1：意外之旅》(2012)的48帧反响不佳，多数人抱怨它太像高清电视而不是电影。

简而言之就是对比度太低，在高清规格下，我们根深蒂固的电影质感的暗部变亮了，而48帧又使我们对24帧所产生的平滑动作也变得流畅了，大家惯性上认为的电影美学就消失了。

那还只是48帧，其实，电视和游戏画面几年前就有4K+120帧呈现，只有电影还抱残守缺使用因为古老的因为成本限定的24帧，所以会有观众感觉电影像电视和游戏，加之电影所感受到的巨大威胁就是流媒体的电影和剧集夺取了电影观众，让李安产生了危机感，跟上时代的电影技术，避免大银幕艺术的消亡是重中之重。

李安在《比利·林恩》中尝试用3D表现人物的面部细节李安曾说过自己是电影系的学生，他对待新技术也一样。

他在《比利·林恩》上映时曾说过：“其实我对120帧也没有准头，是摸着石头过河，像重新学走路一样。

我觉得电影很久没有变了，需要一个新的开始。

”就像电影诞生之初，观众看《火车进站》(1896)时，也会有身临其境的躲闪，因为它对于当时的观众来说太真实了。

所以，我们不该用传统标准去看待新技术，因为传统标准对我们已经根深蒂固，新技术还无法形成新的审美标准。

电影诞生之初如此，从胶片时代到数码时代如此，从2D规格到3D规格如此，现在从24帧到120帧依然如此，它们总会经历一个过程。

技术变革给未来的电影带来了无限可能，李安说他想发展数字时代新的美学、新的美感。

在《双子杀手》中，60帧/120帧的动作场面看起来像当前的运动游戏和射击游戏，因为大众对于电影感的进步需要适应。

《双子杀手》吸引李安的另一个重要原因是他可以同时用动作捕捉的数字角色与高帧率共同打造一场精心设计的动作场面。

120帧能够比24帧拍出更清晰的打斗，演员的每一个动作和面部表情都清晰可见，因为它的前后景深都是实焦。

关于这一点，我可以用两场戏佐证——当Danny和Junior见面时，花园前景有个石雕，你既能看到石雕的细节，又能看到远景两人见面的场景；之后，Henry和Junior在库特纳霍拉人骨教堂地下搏斗，你同样能看到前景一个头骨的细节和远景两人对峙的场面，使用画面内无与伦比的纵深，李安的镜头构成使观众可以看到画面不同景位的细节。

利用观众的眼睛在高帧率画面下可以捕捉到任何动作的特性，让前后景的动作戏相互竞争来博取观众的注意力。

如果放在以前，拍摄这样的镜头还得用"裂焦滤镜"(split-focus diopter)这种半凸透镜片才能完成。

《双子杀手》里的双史密斯对峙这场两个威尔·史密斯的近身搏斗戏，在银幕上只有短短四分钟。

李安和他的团队在后期却花了九个月的时间调整和完善，只为追求拳拳到骨的逼真。

李安解释说虽然这场打戏的编排节奏无法改变，他们增加了一些刮擦、失手和打斗来突出逼真的残酷感。

除了这场打斗戏，片中还有一场精彩的摩托车追逐戏，前置的调度、视角的切换、第一人称到第三人称的转变组成了一种全新的视觉语言和体验。

之后Junior又把他的摩托车当作武器，一次次扔向Henry，让他躲闪不及，观众会有如同玩游戏一般身临其境的体验。

《双子杀手》里的摩托追车戏120帧+4K+3D对于布光、打光的要求也更高，因为画面中所有位置都清晰可见，这为布光增加了太大的难点所以，片中的夜戏通常是日拍夜，再靠后期调成夜色，这样观众就可以无尽地窥视蓝色夜晚的全部细节了。

李安近几年致力于通过新技术重新发现新的电影美学和讲故事的方式，他确信“观影体验，远不止讲故事而已。

”——这是李安的原话。

看《双子杀手》的时候，我可以很明显感受到李安汲取了前作《比利·林恩》那些成功或者失败的经验。

我一直记得，李安筹备更久的关于拳击电影《马尼拉之战》原本应该是他首部以120帧+4K+3D拍摄的影片。

结果，《比利·林恩》和《双子杀手》都拍在了它前面，相信李安在《比利·林恩》里尝试的用3D表现人脸的细节，和《双子杀手》120帧对动作戏的处理、打光的方法等等都能在未来的《马尼拉之战》中得到更加充分的发挥，让我们拭目以待！

李安正在为威尔·史密斯的面部对焦

太清楚了，是对传统观念的颠覆作为电影导演，李安算极限操作了，至少现在是如此。

120帧高帧率、超级3D、4K，这几个字眼决定了《双子杀手》是一部大银幕电影。

没错，从某种程度上，安叔跟那些守着胶片的“老顽固”本质上是一样的。

只不过与那些坚守电影传统技法的导演不同的是，李安则是在探索着电影的边界。

可以理解媒体和大众对这部电影两极化的反向，毕竟看这部电影就是一次全新的体验。

很有意思的是，看了下各类媒体的评论，对于《双子杀手》 北美观众和专业电影媒体的反应都很一般，但法国的一些电影媒体则以夸赞为主。

大概李安对于电影技法的这次操作，大概让很多法国同行想到了当年的“法国新浪潮电影运动”。

在电影艺术和技术已经高度发达的当下，在发生一次“新浪潮”这样的电影先锋运动可能性是微乎其微了。

所以这次李安的所为，毫不夸张的说，是“一个人在战斗”，连个帮手都没有。

就像《盗梦空间》里，小李子独自跑到潜意识边缘一样，电影中身为盗梦者，好似武侠小说中的武痴，一直在探索梦的尽头，同理，作为电影导演也是一样，用电影技法造梦，永远是身为电影导演的第一信条。

所以这次我们对李安这次操作用“探索”来形容，而不是“革新”。

因为历史上也不是所有电影运动或都取得了成功，李安也是如此，未来怎样还不好说，起码目前来看，代价正如大家所见，商业上的失败，以及大家对其操作两极化的评价。

我们不能用“鼓励啊”、“支持李安”这种镜花水月的词语来形容李安这次激进尝试，而是要从根上探究，一个奥斯卡导演为什么要走这一步棋。

那么对于这部《双子杀手》，我们就从电影的角度，结合李安导演，来分析一下单一的理念，以及导演为什么会在一部动作电影中采用如此技术，难道真是武侠小说中的“武痴”吗？

本文，也是一次“探索”吧。

理念：为大银幕而生搞高帧率电影，绝非拍脑瓜的一时冲动。

《双子杀手》是一部为大银幕量身定做的电影。

在技术格式下，本片对于电影和大银幕的关系是一次近乎于终极的“绑定”。

流媒体时代，移动终端的普及，关于“电影是否属于大银幕”的说法已经成为两派，就像如今很多电影导演都对Netflix这些流媒体很不感冒一样，之前包括奥斯卡在内的奖项，关于“未在大银幕上放映的电影”无法参与评奖，也是掀起了一阵波澜。

★对于观众，无论是在移动端还是电影院，只是一个休闲娱乐的途径，不会有过多的需求，哪个方便看哪个，这一点电影院并不占优势。

★对于电影效果，比如《海王》《复联》这样的电影，当然是大银幕效果好，那么观众肯定会首选电影院，这是电影院的优势。

（不过随着科技的发展，我相信总有一天，家庭影院技术会完全媲美电影院，坐在家里也有电影院的效果，这是未来，咱先不谈）★对于创作者来说，“电影是否属于大银幕”则是出现了两派。

比如之前看过台湾导演蔡明亮的访谈，后者是“走出电影院”的代表，对方的观点就是未来不属于电影院，所以作为导演要考虑不同媒介的创作的需求，电影的手法不一定适用于小荧幕，而长片的拍摄方式与短视频有差异。

而李安，则是“大银幕派”的代表。

李安一向给人儒雅的感觉，但从《双子杀手》上就能看出他的观点是非常激进：电影就是给大银幕准备的（甚至大部分电影院也不兼容。。。

）李安对大银幕的坚持，从《少年派的奇幻漂流》就能看出，这样的电影在非大银幕的渠道观看效果是不同的。

“这样方便了，但不见得有好的效果，因为方便，很多东西被折损了，变得粗糙了。

”你以为这句话是李安的话，错，是上面那位“走出电影院”派的蔡明亮的原话。

从某种程度上而言，同为电影人，李安与蔡明亮是一样的，他们都认为有些东西只适合大银幕，只不过对待电影理念不同而已，一位寻求改变，一位固守坚持。

《比利·林恩的中场战事》就是这样，120帧让观众几乎真实的与电影角色同处于那个混乱的作秀时段。

不过该片好歹是一个人文的故事，主题本身值得深思，120帧是辅助，则是帮助观众加深了主题，而电影院之外的媒介形式，对电影的中心思想其实折损不大的。

但《双子杀手》就不同了。

首先这是一部动作电影，动作场面是卖点，主题不算深刻，但依然有着李安式的表达。

而对于这样商业电影的诉求，技术手段与叙事在本片中的比重几乎是五五开的。

也就是说，本片120帧高帧率、超级3D、4K这些格式，并非完全的辅助，而是融入电影核心卖点之中。

也有人吐槽电影故事老套，这个没得黑，本片故事确实一般，但就我看来，电影发展到如今，完全故事上的创新很难，反而是叙事，比起故事新颖与否，“怎样把故事讲出来”更为关键。

就像诺兰的《敦刻尔克》，单从故事角度其实并无突出，反而是诺兰打破时间线的叙事，让电影显得格外出彩。

《双子杀手》也是如此，只不过李安对对于叙事的包装采用的是120帧高帧率+超级3D+4K（如下统一简称“高帧率”），这是把电影技术手段融入叙事主体，为的是造成电影强大的“拟真”效果。

拍摄：拟真的环境电影是假的，但很多时候却以真实性为噱头，比如“根据真实事件”改编，“神还原”这些话术，其实都是宣传伎俩。

电影无论故事如何，从角色设定到场景，一直以来追求的不是“真”，而是“像”。

比如电影里死个人，并不是真的死，都是演出来的。

否则纪录片的票房早就超了故事片了。

可见，不管怎么拍，电影都是视觉误差的艺术。

所以有句话叫做“电影是每秒24格的谎言”，后来有人美化了一下叫做“每秒24格的梦境”，不管怎样，都是假的。

而李安所追求的，就是电影的假，如何更像真。

★首先是场景以前一直不理解，电影为什么要搭建场景。

小时候我一直以为电影很多场景都是真实的，后来才知道大部分都是搭建。

咱们这里抛去一些虚构的必须创造的场景（比如横店、泰坦尼克号），而是关注完完全全的实景。

既然你花那么多钱去搭建布景，为什么不找真实的场景去拍，想要拍个室内戏就真的找一间屋子去拍呗。

后来我学到一个词叫做“景别”，原来这一切都是为了剧情的需要，从格局到布景有很高的学问，比如斯大爷的《幸福终点站》，就真的造了一座机场，《黑客帝国2》真的造了一条高速公路。

画面的景别，取决于摄影机与被摄物体之间的距离和所用镜头焦距的长短两个因素。

不同景别的画面在人的生理和心理情感中都会产生不同的投影，不同的感受。

这是电影的艺术，表面上是人，实际上是景。

李安在《双子杀手》里所做的，首先就是打破的了“景别”的概念，电影所有的场景，都是真实存在，说去布达佩斯拍就真的去了匈牙利，不仅仅是为了外景，完全是在实地拍摄。

场景的真实，为电影的120帧打下了一个基础。

很多场景纵深感极强，而角色对话，远处的物体都是一清二楚，这种感受是很奇特的。

这样的拍摄技术，加上真实的场景，是对观众真实视觉的一次模拟

但是，这样也会使电影失去了朦胧的想象美感，这是对传统观影观念的一次颠覆。

★其次是摄影本片的摄影，完全拟真。

如今很多电影，都会利用剪辑、运动镜头来营造气氛，比如《谍影重重》，为了突出角色凌厉的手法和奔跑的效果，用晃动的镜头和快速剪辑来完成拍摄，他们必须这样拍，因为演员马特达蒙并非专业格斗高手，要换成龙那种拍摄手法一下就穿帮了。

而成龙的电影，摄像机打斗往往静止不动剪辑也很少，因为演员有武术功底，摄影机只需摆在那记录他们的专业打斗即可。

但为了降低套招的痕迹，拍摄成龙电影打斗时采用每秒拍摄21、22帧，再用24帧的速度播放出来，样观感会加快他们打斗的速度，但是如果你慢放打斗场景，就会穿帮，发现有“掉帧”现象。

上述，提供给观众常见的电影奇观感。

而《双子杀手》，就好比用成龙电影的摄影手法，去营造出《谍影重重》的气氛，120帧的拍摄，120帧的播放，营造出的连贯动作场面是真实度可想而知。

电影对于动作场面剪辑很少，特写和晃动镜头几乎没有，都是全景或中景，就像电影中摩托车追逐戏，角色无论是飞跃、打斗乃至车的飞驰，动作极为流畅。

电影的摄像机位架设的非常值得深究，因为任何场景里，摄像机都处于“第三人称”视角，就像角色在车中对话，主角威尔·史密斯坐在司机的位置与“你”对话，那么摄像机的就是在副驾驶的位置上，镜头从角度到高度，完全模拟了一个处于副驾驶的聆听者。

★最后是灯光由于是真实场景，电影大部分采用自然光，但有些时候有不支持自然光拍摄，所以电影依然有外景灯光的存在。

不同于很多导演将光线作为气氛营造的“魔幻时刻”（是一天太阳折射角最低、光线最柔和、颜色渐层最丰富的时候，简单来说就是日出/日落），就像《变形金刚》的结尾，擎天柱在夕阳下演说，背景逆光俯拍，渲染出煽情且激昂的时刻。

《双子杀手》不是这样，电影对光线的运用是追求真实的，但它又不同于你在日常生活中的视觉感受。

比如夜间戏，大半夜的动作戏真实场景的看不到的，但电影在夜间，光线极低场景偏暗，反而角色的动作和表情我们还能看清楚，这是本片在120帧真实场景下对灯光的营造。

上述三点，综合体现，举个例子，圣史蒂芬大教堂的地下墓穴中的打斗中。

夜间场景，角色在光线有限的情况下缠斗，背景呢，是密密麻麻的骷髅头。

而这一切我们都清清楚楚，不但角色表情、目光很清晰，连背景的每一个骷髅纹理，也是很清楚，密恐患者恐怕对这个场景非常难忘。

这个场面很有韵味，50的主角在与20岁的自己打斗，周围的都是死去百年的“围观者”。

与电影形成强烈对比的，就是我们作为真正的观众，仿佛置身于那个环境，这就是120帧技术在电影叙事上带来的观感体验。

这种感受，我们看惯了传统电影技法下各类电影，你可以说对本片如此逼真清晰的感受不适应，但不可否认的是很独特。

你就像站在演员面前一样，去感受角色内心的纠葛、痛苦、欢乐。

这也是为什么电影选择威尔·史密斯的原因之一，因为人家动作明星出身，也得过奥斯卡男主角提名，说白了演得好也打得好，这种演员在好莱坞不多见，无论是表情还是动作戏，能承受的住120帧的考验。

换句话说，如此清晰的真实感，要是换成演技一般的演员，马上就露馅了。

作用：真实的谎言随着技术的普及，如今的电影早已没有了感官上的真实性可言，还记得以前看过一篇文章，张艺谋拍《十面埋伏》，到乌克兰花一百万种花，后来《黄金甲》的学精了，除了几个特写之外，满城菊花都是塑料花。

正因如此，比起根据真实事件改编的《比利·林恩的中场战事》，这次《双子杀手》李安用这样的形式拍，目前非常明确了。

为什么李安要在一部动作片里，追求的真实？

因为这是一个假的不能再假的科幻片。

当20岁的威尔·史密斯出现后，红着眼睛望着镜头，高帧率拟真环境营造的真实感，能让观众对角色产生共情；但是严格意义上这个角色又不是真实的，我也在反复提醒自己：角色是CG，现在的威尔·史密斯已经50多岁了。

但是，我找不到任何破绽。

越来越接近人眼的视觉感受，与电影中的克隆人题材形成了有趣的悖论：如此真实的假故事！

法国新浪潮导演戈达尔说过一句愤世嫉俗的话：电影是每秒二十四格的真理！

如今看来，这个老愤青才是标新立异，他不应该是一名艺术家，而是新闻工作者。

某种程度安叔也继承了戈达尔的理念，但追求的方式不同，是视觉意义上的真实。

建立在观感上的真实，就是要让这个假的故事真实可信。

这是李安的隐藏动机。

内核：局外人李安&局内人观众李安是第一个荣获奥斯卡最佳导演奖的华人，《断背山》和《少年派》一样，并非华人题材，可以说里面没有一丝跟华人相关的戏剧元素。

可是，李安从小浸淫在中华文化的沃土中，他身上的儒家和道家精神不可避免地渗透到这些纯粹的西方影片中，也为东西方文化找到了内在的接壤捷径。

能达到如此成就，是因为李安对待任何作品，都以“局外人”的身份，把观众代入到电影里。

之前看过周黎明《李安的禅与道》的文章，书中提到李安曾透露自己一辈子都像是一个“外人”(outsider)──虽然在台湾出生长大，但总觉得文化的根在大陆；到了美国更是异乡之客了；但回到中国大陆，发现这儿已经有了很大变化，不同于他梦中的故土。

这种漂浮的经历和感觉，培养了他超脱的境界。

所以，无论处理什么题材，李安不像多数影人回忆童年似的一头扎进去，而是后退一步，就像《盗梦空间》造梦师的第一禁忌：不能以真实场景造梦，否则会分不清真实和梦境。

李安也是如此，他拍得都是外人，这种反其道的做法使他多了几分“旁观者清”和“海阔天空”的优势。

所以他会说：“我不是同性恋者，但我拍同性恋影片；我不是女性，但拍女性影片。

”因为外人如果会把握分寸，很可能比局内人更能把握全局，也就是说局内人会注意树，而外人则会看到林子。

只有这样，这才更能让观众进入故事。

换言之，“只缘身在此山中”能成为局限，也可以是优势；而身在山外能开阔眼界，但也会流于浮夸，这其中有好有坏，正面例子就是贝托鲁奇的《末代皇帝》，反面典型则是明可夫的《功夫之王》。

因此我们不能因为甲人拍乙片而自动得出“行”或“不行”的结论。

但在这方面，李安无疑是“局外人”的楷模，因为他的电影，都让观众“进入电影”。

把角色和情感塑造的特别好，越是“旁观者清”，越能让“云深不知处”的观众发现真谛，从而窥见全貌。

这是李安电影的代入感。

只不过《双子杀手》从以往的叙事代入，变成了拟真环境下的感官代入。

这部电影的主题，把主题升华为自我压抑和自由表达之间的冲突和抗争，并融入了弑父的俄狄浦斯情结。

是李安的思辨色彩。

★自我压抑和自我表达电影中的威尔·史密斯，如何面对年轻的自己。

以往电影把人变年轻很轻松，特效+化妆即可，而本片则是让其心态也变得不同，还将年轻的“自己”，放置在一个与自己完全不同的生活环境，这样同一基因的人，会怎样发展，是本片的主题。

PS，有人说，杀手是后天培养的，而不是基因决定，不用吐槽电影的设定，因为这是科幻电影常见的基石——基因决定论。

这个理论指人的物质特征和精神特征大部分是由基因决定的。

除了长相外，还包括智商、情商、性格等精神特征，大部分在出生时已经固定了，后天的可改变空间比不大。

通俗说就是“狗改不了吃屎”。

这是本片的基础，就像《机器公敌》故事建立在“机器人三大定律”上一样，是本片科幻电影的理论基础，可以参考《兵人》《杀手47》《宇宙战士》《千钧一发》等类似影片，没给你引到量子领域就不错了。

终究而言，这是一个“过去的自己”的交流，当你老了或者有了足够人生阅历之后，你回顾自己的青春，发现有痛苦的时候也有窝心的时候，如果有机会，你肯定会对自己说：年轻的你别这样干，特别傻逼，你以后别选择这一行，会后悔的。。。

这部科幻片，就是提供这样的平台，给了年长的我们面对年少自己的机会。

电影，宣扬宽容精神，回避过分戏剧化的套路，而是发挥出李安特有的太极拳柔劲，以柔克刚，比如最终结局那一刻“弑父”，老年就像一个长辈一样，给了“年轻的自己”一个台阶下。

★父权李安的“父亲三部曲”《推手》、《喜宴》、《饮食男女》有着浓厚的儒家意味，片中父亲所代表的父权既有威严，又不乏睿智。

跟多数中国家庭一样，李安跟他父亲的关系是等级森严的，典型的东方式家庭观念。

这种从小的压抑，如果换做一般精神脆弱者，父权可能会成为他一辈子的阴影。

但李安聪明的地方在于，将它升华为艺术，用非直截了当的语言、甚至非口头的方式来表露情感、传递信息，说白了，李安用电影表达自我。

比如《绿巨人》，游离于漫画之外原创了一条反抗父权的主线，升华了电影的深度，却遭遇漫画迷的口诛笔伐。

而越是这种直观的自我表达，越需要真实的媒介作为依托。

这是李安的所有电影，都追求真实的原因。

于是，李安便有了罕见的题材大“串流”，如《理智与情感》是《饮食男女》的西洋版，《卧虎藏龙》是《理智与情感》的武侠版，《断背山》则被某些影迷称作《卧虎藏龙》的同志版，各种题材都是虚构的，但角色和情感特别真实。

简单而言，他就是在给你讲述自己的故事，但比起电影观众，李安更愿意把你当成面对面的聆听者，他所有电影都是如此。

以往完成角色情感共鸣的情况下，也要达成感官上的共鸣。

对过去青涩的自己进行教诲，把老年的自己当成一个严格又慈祥的父亲，这样狂想的故事，高帧率、超级3D等格式令其变成更加足够真实，让我们身临其境。

这是电影的造梦的终极目标。

结语：少年子第江湖老《双子杀手》的不足之处，就是超高难度的拍摄，让故事和动作场面不得不简单化一些，看惯了奇观大片的观众会觉得不够过瘾。

拟真的环境，也让部分观众觉得失去了电影感。

正如李安所言，这种全新视听语言，只是在尝试一种全新的创作思路，把技术格式变成叙事主体之一。

当照片越来越失去真实性的同时，原本虚假的电影却提供了真实的错觉，这是电影造梦（说谎）的一种手段。

就像《少年派的奇幻漂流》，绚丽的冒险。

与主角口述中残酷的生存。

二者就代表了不同的创作思路，哪种更加真实？

“改变人们的习惯和颠覆一种文化是非常难的，我的好奇心的确是有点旺盛，但是我已经不年轻了，我不愿再等。

”这是李安的原话，回到开篇，对电影边界的探索和尝试，可谓有得也有失。

而用另一句话来形容《双子杀手》电影主题和李安的心态，非常贴切，就是“少年子第江湖老。

”

公号：电影文酷dreamcrowflim微博：乌鸦·火堂