爱在战火纷飞时

贾：形式很绚丽，内容太单调。

像是David bowie和Lou reed的结合，Lou reed是单调的那个。

王大妈：部分玩得很飞，几段mv真的让我完全跟着摇，突破之后又告诉观众这是假的。

摄影功力很足，开头的长镜头和车厢追逐都是典范。

但后半部分落差也太大了吧，虎头蛇尾。

VV：“永远不会满面泪痕，永远也不会满面笑容。

”轻盈的影像之诗，但还是越看越乏味了。

灯下尘:八十年代的列宁格勒，在夏日的海滩边歌唱，围绕着放纵的篝火狂欢，赋予这场狂欢的盛宴以加林和双曲线之名，赤裸狂奔的激情澎湃，热血洒满海滩。

一把吉他，一段旋律，一群安静的观众，一支动人的歌谣，寂静空房间里的回响，当最后一个音符落下，此起彼伏的掌声慢慢响彻，他们享受的便是当下的快乐。

当歌声响起宛如置身于MV当中的既视感，流畅的节奏搭配可爱的特效为单薄的故事增添了许多乐趣，放飞自我的剧情，唯美动听的旋律，混乱的场面突然闪现，却又在疯狂过后被一块牌子上书写着的“这没有发生！

”给悄然带过。

一夜宿醉过后在昏昏沉沉中醒来，一跃而入播放了整晚的录像当中，扑面而来的是广阔无垠的大海和美艳绝伦的晚霞，脱下束缚肉身的衣物，尽情的呐喊，奋力的狂奔，冲向深藏于内心里的那份自由。

柏林苍穹下：音乐片视角来看，有无对白显得不这么重要，场面调度很棒宆亗：显然泛滥了，但同时是当然且必然的。

特别爱“醉酒电影”的“清醒时刻”，谢列总是足够醉，也足够清醒。

饿死：听觉仅是引领，声画失衡严重；非音乐段落几乎灾难，好莱坞大片级别的意识形态堆砌。

不如更完整自洽的后作。

最主要的还是，not a fan.Magus：局部有唤起相同的挣扎思考，作为电影整体不太看得下去。

影片的“元电影”手法（影片中出现非叙境的人物直接面对剧中人物或者是观众说话）以及“印度歌舞式”的mv、动画都与影片整体的气质很搭配，影片的讲述的故事内容是前苏联传奇摇滚音乐人维克多·崔未成名前的故事，因此影片整体上呈现的是年轻和青春，在保守的社会环境下，青年人仍然在有限的空间内叙述自己的故事和表达自己的情感情绪。

本文首发于【MOVIE木卫】（微信公号：movie345） 上世纪七八十年代，即使作为全球仅次于美国的第二大经济体的前苏联，黑市交易活跃、西方商品暗度陈仓成为这个庞然大物的繁荣表象下沟壑纵横的蚁穴。

而伴随着西方商品一同走私舶来的，还有风靡于欧美“资本主义世界”的摇滚乐。

在这个后斯大林时代成长起来的年轻人，虽然还在集体化的生活操练千篇一律的着装和个性，却早已远离了十月革命的翻天覆地、也未曾经历过保卫斯大林格勒的腥风血雨，他们面对着前领袖个人崇拜的土崩瓦解，曾经神圣的真理和史实俱被推翻，耳濡目染着铁幕之外的光鲜欲望、迷茫而混沌中的年轻人，偷偷读着索尔仁尼琴和纳博科夫，暗地览阅背离社会主义现实主义的欧美电影，而摇滚乐更以其激进而前卫的姿态，前所未有地回应着他们的虚空和反叛、热情和憧憬，以星火燎原之势在这块土地上迅猛发展。

官方重重打压、主流意识形态的抨击和严格的审查制度也未能阻挡这股摇滚洪流冲向铁幕之后的前苏联。

随着摇滚乐音乐人的不断出现、影响力扩大，越来越多的摇滚俱乐部也随之诞生。

列宁格勒摇滚俱乐部（The Leningrad Rock Club）就是其中之一。

作为80年代前苏联最大的摇滚阵地，那些传奇的前苏联摇滚乐队都Aquarium、Kino、Zoopark、Piknik、Alisa、DDT、Televizor、都从在这个摇滚俱乐部中走出来。

谢列布连尼科夫记录80年代前苏联摇滚乐章的电影《盛夏》，正是开场于列宁格勒摇滚俱乐部，彼时Zoopark的主唱——及肩长发戴着蛤蟆镜、一身西方嬉皮士打扮的麦克正在舞台上激情嘶吼“你是垃圾”，而台下正襟危坐的年轻人却还时不时要被巡逻的工作人员按捺下尖叫和横幅，只能在膝盖上敲击出响应躁动鼓点的节奏。

在随后的一次湖畔聚会中，麦克身边围坐着伴舞歌唱的男男女女以及他同样热爱摇滚乐的女友娜塔莎——如果不是语言差异，似乎根本分辨不出他们与“资本主义国家“嬉皮士的区别。

娜塔莎注意到了韩裔青年维克多·崔，他们的一首《懒惰鬼》引起了众人的随声附唱以及麦克的提携关注，因为这次结识使麦克成为了这个未来被称为前苏联摇滚教父的早期引路人。

经历了60年代的对欧美摇滚乐的亦步亦趋紧紧跟随，复制时代的苏联青年成长到70、80年代形成了具有民族性的觉醒和自我个性的发展。

原本就作为自由独立精神象征的摇滚，放在政治高压、文化贫乏的前苏联，更是有了反叛和对抗主流的意义，从而成为精神生活贫瘠之外的一块纯粹的乌托邦。

因而歌词内容的批判、讽刺和戏谑绕过文化机构斟词酌句的审查，曲折指向令人失望的政治前景和日益分裂的社会现实。

Kino主唱维克多·崔唱作的歌曲，一方面保留了俄罗斯诗学语言传统的格言与隐喻，另一方面从从避世主义的消极反抗，转变为尖锐而直接的的挑衅相搏。

导演谢列布连尼科夫的音乐传记并没有过多的停留在叙事的层面，紧紧跟随维克多的成长与成名展开一个造神运动，也没有从纵深宏大的角度精确刻录这段历史发生的时间维度，它更多流连沉溺于那些没有连贯性的片段场景：忙碌而拥挤的演出后台、篝火晚会上的光裸肉体、喋喋不休的酒精大麻派对以及麦克墙纸剥落破败狭小的集体公寓。

于是电影镜头的视角，更像是一个参与其中的同龄人，是游离于明星和拥趸之间的旁观者，是麦克的女友娜塔莎、是梳着大卫·鲍伊发型的伴奏青年、更是引导着一系列未曾发生场景以MV形式呈现的神秘黑衣人。

在这样的视角中，被后世赋予太多编撰注脚的摇滚史诗的戏剧性、悲剧性和英雄光环被一一抹去，没有撕裂关系的争吵和分歧，也并没有过多关注于摇滚启蒙所带来的巨大成功和影响力，取而代之的是亲切的叛逆、浪漫的宣泄和与官方意识形态的无奈抗击。

同样，麦克、娜塔莎和维克多三人之间微妙关系，也像是从熟知一切的老友口中娓娓道来，轻快的口吻讲述了他们之间错综复杂的友谊和蜻蜓点水般的爱情，绕过了沉重的道德审判和情爱负担。

电影将叙事性让位于音乐性，这体现在电影中多段以异想形式穿插的MV，综合了前苏联对于欧美流行乐的折衷口味，包括Talking Heads的“Psycho Killer”、Loud Reeds的”Perfect Day”、 Iggy Pop的“The Passenger”，被路人众口传唱的画面辅以早期MTV的复古动画涂鸦风格而呈现；更多被主角们提及的偶像则是摇滚殿堂上如雷贯耳的名字披头士、地下丝绒、大卫·鲍伊、T-Rex、Blondie等等。

《盛夏》仿若一封致予1980年代列宁格勒地下摇滚的书信，记录着那个大片黑暗笼罩中零星灯光下的混杂时代，既流露出身为同时代人的温柔恻隐、也夹杂着音乐的狂乱和迷醉。

相比导演谢列布连尼科夫的上一步戛纳入围作品《门徒》所里展现出的少年戾气和执狂，《盛夏》中的年轻人们显然要乐观善良许多，然而两部电影同样都在关注俄罗斯青年们的精神信仰。

一种是后铁幕时代中对于东正教的皈依追随和狂热极端，一种是后斯大林时代中迷茫青少年将精神寄托于摇滚乐而寻求解脱，同样是对前信仰的碎裂瓦解的焦虑，同样是对民族现状的思考和批判。

电影即将结束之时，场景再次切换回摇滚俱乐部，梳着妖娆发型、开始用自己的风格开创新一个时代的维克多在舞台上低吟浅唱“我知道我的树，很快会离开我”，而台下与他遥遥相望的是麦克和娜塔莎，带着蛤蟆镜的麦克依然让人看不穿他的情绪是否有被取代的怅然若失。

而此时距离柏林墙的轰然倒塌、前苏联的大厦将倾仅有短短几年时间，将世界阻隔成两极的铁幕正在被凿开越来越大的裂缝，从中透出的光线点燃着越来越多自由烟火。

1990年，Kino的灵魂人物维克多·崔在开车返回列宁格勒的途中发生事故身亡。

1991年，Zoopark的核心麦克因为脑出血在家中逝世。

1991年，被视为具有文化和政治双重意义的大型摇滚音乐节——莫斯科没有红场摇滚音乐节在图什诺机场拉开帷幕。

2017年，向来与当局立场争锋相对的导演谢列布连尼科夫因为涉嫌挪用公款而被捕，至今仍在狱中。

电影驻足于前苏联摇滚时代的落幕前夕，在娜塔莎感动欣慰的鼓掌声中戛然而止，让列宁格勒摇滚俱乐部，让一个时代的青年信仰，成为永远驻存于那个年代的精神符号。

入圍坎城影展的俄羅斯電影《盛夏》(又名《夏》)，講述前蘇聯時期重要的搖滾樂天團Kino，其主唱維克多崔在未成名前的故事。

這部改編真人真事的自傳式電影，把鏡頭鎖定在80年代列寧格勒(聖彼得堡)的時空背景，談論那個年代的青年、愛情、困境、對政治的不滿，還有對自由與新潮流音樂的渴望。

我喜歡這部電影以大量劇場形式手法拍攝，導演是俄羅斯果戈里劇院的藝術總監，在這部電影中完全可見他不厭其煩的排練痕跡，所創造出的流動與流暢感。

更不用說佈燈、色溫都完美體現那即將瓦解的「最後安定」的氛圍。

全片以黑白方式進行，中間不時穿插超現實手法，及類MV的片段，完全展現導演收放自如的功力。

唯一的小問題是，大量80年代的世界搖滾知識貫穿其中，對於我這個大外行而言，看的有點吃力，以及很難進入那「興奮」的情境中。

此外，導演把重點放在二男一女之間的愛情、友情糾葛，有點模糊了這位巨星成功的主要敘事脈絡。

所以，看完後我有點不明白俄羅斯歌迷至今愛他的理由是什麼？

但整體來說，這部電影仍然是水準之上，更讓我認識了這位擅長演唱鄉村歌謠風的輕搖滾，且受俄羅斯青年追捧的重要歌手也是韓國後裔的維克多崔。

然而，令人難過的是這部電影導演，基里爾·謝列布連尼科夫，因為在果戈里的一個作品(就是之前我看過的電影《白烏鴨》舞台劇版本)，內容涉及同性戀及叛逃話題，被當局軟禁至今。

不但差點無法完成這部電影，更在該片入圍坎城影展時也無緣到場。

#電影中展現了那個年代的相知與相惜#最黑暗的時代卻也是最光明的時代

今年戛纳电影节上有一部金棕榈提名的影片不仅获得场刊高分，口碑更是一路飘红——基里尔·谢列布连尼科夫执导的《盛夏》。

这位导演的作品目前累积尚不算丰厚，但也算影展常客，《门徒》2016年就在戛纳进驻过“一种关注”单元，更早前的《背叛》得到威尼斯电影节金狮奖的提名，以及《尤里日》获2008年洛迦诺金豹奖提名，因此我们不妨将这位蓄势待发的俄罗斯导演归置入值得期待的新锐导演大营。

本片将镜头聚焦于20世纪80年代初的列宁格勒，一群深受西方摇滚乐洗礼的年轻人以蓬勃的创作力与散发着蒸腾热意的无穷精力，把生命投入到摇滚乐的创作中去，并身体力行地演绎着激情与梦想，在禁锢的现实中寻求超然、灵性、自由的世界。

列宁格勒摇滚俱乐部里两代摇滚青年——Zoopark乐队的主唱麦克·诺门科与Kino乐队的主唱维克多·崔在音乐上互相欣赏，并通过前辈提擢，后生接力摇滚精神传承，维克多与麦克的妻子娜塔莎互生情愫。

影片虽然将时间定位于较为敏感的时期——苏联解体前夕的最后“安定”时光，但显然不打算对政体和时局大肆鞭挞，一方面是出于审查与被钳制（毕竟导演由于其经营的果戈里剧场涉嫌挪用公款而被软禁，但真正原因众说纷纭），另一方面则是由于在摇滚外衣的包裹下，三角恋是另一条主线。

也正因如此，影片重点虽落在黑白光影的澄澈和运镜的流畅、调度的娴熟上，叙事却被挤到最稀薄的状态，政治背景近乎虚焦导致叙事近乎平板化，主宰全片的是丰沛充盈的情感流淌，缺点也是一目了然的。

MV式拍法里蕴含的丰富视听语言本片最让人诟病的可能就是“故事单薄无聊，借摇滚之名拍MV”，不无道理。

不过我相信大部分观众会对开场的长镜头跟拍印象极为深刻，从窗口开始手持一路跟随，进入到俱乐部内部、厕所、准备室，扫过乐队群像，最后终于定位于光芒万丈的舞台。

将近三分钟的长镜，交代了时间、地点、人物、事件以及主要冲突等丰富信息，导演对场景内部的调度手法之娴熟可见一斑。

另外几段跟拍麦克上楼梯、进录音室的长镜，亦有同样效果。

对空间的把控调度是本片一大特色，拍摄狭窄的室内场景多为手持，跟随人物行动游弋，紧贴人物的情绪流动，也昭示青年们不无混乱的情感与生活状态。

而黑白光影赋予这种“混乱”以表象上的纯净明洁，仿佛所有的焦虑、不满、抗争都在掌控完美的光线里洗涤了一遍，批判的犀利性也随之削弱，可能这正是导演的意图，借片中角色之口言及：“避开政治，悠闲地讨论虚无。

”动画的加入是另一亮点，不仅使视觉效果的丰富，更是内在情感斗争的外在表现，比如麦克留给娜塔莎和维克多独处的空间，在雨夜里痛苦地思想斗争，唱着Lou Reed《Perfect day》的红衣女人，与逐渐漫画化的雨点一样，最终想象替代了真实。

因此动画部分也指代不可能发生的幻象产物，如火车上摇滚青年们被其他乘客指责为“意识形态的敌人”，因而发生冲突，他们模仿Sex pistols，以臆想中极度夸张的言行对抗令人窒息的现实环境（这一段可能是全片最明显的直击现实之处）。

此时担任打破第四堵墙职责的旁白介入者举牌：“这些都没发生过！

”，这位同行男子直视镜头，打破幻想，有间离效果，还担当着叙事视角的功能，他替代观众出入幕间，恰如基顿式跃入银幕，真实和想象的界限被模糊了。

除了动画，影片还采用彩色嵌入、分屏等花哨手段，一部分彩色配合动画暗示内心戏；另一部分则是主观视点的切换，Zoopark乐队的传记摄影师将摄影界镜头对准乐队时，乐队成员们立刻呈彩色，说明他们的生活在日常中是灰暗失意的，而在有立场选择的素材撷取中是明亮鲜艳的。

三人行的聚拢与分离比起眼花缭乱的视听语言和反复的调度手段，叙事单薄到几乎可算是“没有故事的故事”。

影史上关于三人行的经典之作甚多，如《祖与占》、《戏梦巴黎》、《她比烟花更寂寞》、《情迷六月花》等，都以滚烫的情爱与颇具戏剧化的峰回路转让人过目难忘。

而本片中随性的相处、淡然的离开，婚外恋似有似无、欲语还休，比起他们投入摇滚乐的狂野跌宕，这段三角恋的开启和结束都堪称云淡风轻。

“天空不留痕迹，鸟儿却已飞过。

”彼此的相逢与互赏，在各自的生命里镌刻上记忆。

初次相逢的夜间海滩，涌动着逃离现实钳制的青年们吟唱欢舞，篝火照亮了他们年轻而自由的灵魂，美好的青春肉体在浪潮里奔跑，这是一切故事的开始，这是盛夏的开始。

娜塔莎与维克多就相逢在这片流淌着音乐与风的海滩上，维克多初试啼声、技惊四座，谁能预料到这将是影响俄罗斯摇滚乐坛的传说呢？

黑塞在《堤契诺之歌》中这样写道：“夏日只拍动一下它既短暂又贪婪的金色羽翼，就飞快地逝去了。

”如此描写适合这段褪去道德批判色彩的恋情，以及麦克和维克多辉煌而短暂的生命留存，在盛夏明亮的光线里盛放过后迅疾消匿，如夏日傍晚的霞光散尽，他们所能做的只有记住并怀念，这怀念里渗透了光线的影子，落日的余晖，风的方向，远处海浪的回声。

差点踏入摇滚史上著名“27岁俱乐部”的维克多，显然拥有天赋的吉他演奏技艺与敏锐的社会观察力，他创作的歌词富有生活气息，贴近现实，配以美妙旋律，很难不让人产生好感。

麦克和娜塔莎几乎同时在初次见面就认同了这个年轻人，并逐渐参与到彼此的日常生活中去。

娜塔莎与维克多确认心意是公交车上随着Iggy Pop的《The passenger》，借乘客之口唱出心中荡漾。

麦克对维克多的欣赏，无疑是伯乐式的提携，为初次登场的Kino乐队带动现场气氛，引导他们进入地下音乐圈子，帮助他们出专辑，甚至在娜塔莎直言对维克多的好感后，麦克留给他俩独处的空间……削弱三人之间容易狗血化的情感矛盾，焦点仍是无处不在的音乐，两位在俄罗斯摇滚史上均占一席之地的音乐奇才，因为音乐相逢，也因为音乐而分离。

在T-Rex的《Children of the revolution》过后，矛盾日益明显。

针对heavy metal（重金属）与disco（迪斯科）之间的选择，暴露出麦克和维克多的创作风格截然不同，彼时西方摇滚乐涌入苏联，在“时效”上略有差异——The Beatles、Bob Dylan、Led Zeppelin、The Doors、David Bowie、The Who、Echo & the Bunnymen、Billy Joel……横跨英美60到80 年代，处在勃列日涅夫统治下的青年们从照单全收到细化类别，也是必然的趋势。

尤其是麦克与娜塔莎对Lou Reed的看法争议，亦可折射麦克与维克多的分歧。

分歧在Kino出专辑后的一次小型演出后采访中显露无疑，麦克希望有朝一日能在千人音乐大厅演出，而维克多只愿在小酒吧享受音乐的乐趣——于是，分离近在眼前。

在一段模仿Joy Division的演出中，仿佛重温了那一个个逼仄演出场所内外的心动故事，所有热力四溢的夏日夜晚路灯下影子的重叠，发酵的空气里满是一颗颗年轻灵魂的咆哮，基顿式迷醉地跃入银幕，从而正式消弭脑海中臆想的产物，想象成为现实。

结尾处，成名后的维克多吟唱着“我知道我的树，不会生长超过一周”，在灯影里伤悲而深情地将目光投向那如风消逝的往事，像是与青春告别的回声，像是时代落幕的先声，更像是一语成谶的预言。

这些在夏日繁盛开放过的花朵，很快就要面临冬日的侵袭。

-你要钱去买针但却把钱花在你朋友身上感谢上帝像你这样的人不会有孩子-盛夏，太阳出来了，我却辞退了我有很多时间，却没有钱但我也不需要钱-你在唱我们敌人的歌性手枪是工人阶级，他们不是敌人-懒惰是我最好的品质很多时候，我靠懒惰解决了麻烦-评价地下丝绒第一张专辑：我喜欢他们其实录得很烂这个事实-我们是用鼓点写诗的人-我们创造这个摇滚俱乐部，是为了展示摇滚乐并不是一个臭水沟但你们却把摇滚乐拖进了排水沟-苏联摇滚音乐必须发现人性中好的部分，并且扮演积极的社会角色-我们的歌批判了社会中的不良行为，《八年级女孩》批判了滥交，《我的朋友》批判了青少年酗酒，《只有时间没有钱》批判了寄生虫行为-这对我来说很难见到你见不到你都很难

如果可以我希望所有bb波西米亚狂想曲的人都能有幸看看这部作品我爱死了镜头处理视听语言人物对白画幅音乐剪辑 所有导演风格化的巧思我都爱 奔腾的红色血液 蓝色大海 黑白镜头和蓝色条纹格子衫 情绪定格又流动 流畅得仿佛一块红布所以叙事还有意义吗？

FUCK THE PLOTS! FUCK THE MEANINGS! I don’t even give a damn!我试想过用很多种方式过这一生 谁知讨论艺术和音乐的原旨是我混乱人生的唯一真实 不去探讨两种意义上的meta 只从纯粹的情绪角度出发 我就是世界上唯一的音乐 是柏林墙上开出的野花 我吻我爱我放肆大笑我疯狂捶墙 只因我喜欢 FUCK LOU REED WE ARE T-REX

无论是音乐迷还是电影徒，基里尔·谢列布连尼科夫的《盛夏》都是今年必看的电影之一！

谈及电影之前，必须提及导演基里尔·谢列布连尼科夫涉及300多万美元的法律纠纷。

2012年，担任果戈理中心艺术总监后，谢列布连尼科夫很快因为演出的尖端和挑衅性，多次遭到保守评论家的严厉批判。

其作品涉及电影、戏剧多个领域，因大胆嘲讽俄罗斯社会的保守主义倾向而闻名。

2017年，他“意外”被逮捕，涉嫌将一个戏剧项目的300万美元资金挪作他用，如果罪名成立，他将面临最高10年的牢狱之灾。

对此，俄方面宣布，“案件与政治没有关联”。

被限制行动自由后，谢列布连尼科夫缺席了今年戛纳电影节的出席仪式。

戛纳之后，有媒体称，该片“只有摇滚，没有政治”，参加戛纳电影节的制作组们也希望淡化政治，以更加国际化的方式宣传该片。

《盛夏》里真的没有政治吗？

被囚禁后的导演谢列布连尼科夫亲自在家剪片，他会为此妥协影片一开始的初衷，一改他大胆的影片风格吗？

胖哥目不转睛，耳朵怀孕的看完全片后觉得，你可以说《盛夏》里没有政治，但你无法忽视画面中，骨子里的那股“反叛”。

不是叛逆，而是被压抑已久的后，对权力的不削，以及无法被消解的反抗。

谢列布连尼科夫用灵光乍现的MV叙事；故意插入的“间离式”人物；

带着柔光的黑白色调；

时刻保持着生命力的音乐，以非常电影化的方式，为政治诉说抹上了可口的甜与蜜，但一番解构后，我们发现影片其实只是换了一种展现方式，他巧妙的只在影片中提供了变的“开始”，用非常“震撼”的前奏表现了时代大潮的不可逆转。

《盛夏》为什么会引发强烈的关注，首先是故事发生的年代，80年代的列宁格勒，冷战疑云虽密布，但铁幕已经松动，东西方意识形态的冲突抵达到了最高峰。

求变的思想，在苏联的各个层面开始发作。

其次是人物以俄罗斯摇滚教父维克多•崔作为视角中心，大量具有时代性的音乐和乐手，在背后丰富着影片的内涵，暗自进行着历史书写。

影片的第一幕就将“变与不变”的矛盾柔和又猛烈地摆上了舞台。

前奏配合着一个入侵式的持续镜头段落，

带领观众由后台直接降临一场八十年代列宁格勒的演出现场，在这个地下摇滚恣意喧嚣的年代，摇滚乐团Zoopark的主唱迈克已然在俄罗斯的乐届名声大噪，而尚未成名的朝鲜裔苏联传奇乐手维克多•崔（Viktor Tsoi）淹没在人群中，他带着崇拜的心情，压抑着内心的狂热，正襟危坐地在下面朝圣。

那个年代，歌词需要正面积极，台下的观众不能出格，就连晃动身体，站立起来都是不允许的。

于是，台上的新，与台下的旧，就在歌声弥漫的室内暗自交锋，彼此试探。

接下来的一幕戏清晰地展示了年轻人内心的躁动。

在海边，维克多第一次见到了偶像麦克，一首歌下来，麦克马上看出了他的才华，

他们从黄昏唱到傍晚，他们一次次跳过篝火，一次次赤身下海，

那不仅仅是荷尔蒙的释放，还是精神的彻底宣泄。

吉他是他们的武器，他们的话筒，他们的骨，甚至他们的命。

一切都没有发生，一切都在发生，那是一个国家迎来摇滚启蒙的时刻，年轻人没有扛起枪而是背起了吉他，他们用这样的方式关心这个世界，放声呐喊、改变黑暗。

而后的故事，围绕麦克对维克托的“提拔”，教会他更多的写歌方式，为他提供演出的机会，说服文化管理部门，“他们的歌词是正面积极的”。

另一面，麦克的妻子娜塔莎渐渐对维克托有了爱慕之情，

她直接请求麦克，希望和维克托有更进一步的发展，一边是摇滚乐的传承和进步，一边是围绕麦克、维克托、以及娜塔莎三人的情感纠葛。

表面的故事就这样娓娓道来。

很多人认为，《盛夏》的故事太弱了，不过就是俗套三角恋，最多有点特吕弗《祖与占》的影子，不算新颖，更不史诗。

其实《盛夏》的奇处，自然不在这个表层文本的叙事中。

片中有多处即兴的MV式高潮，麦克的乐队成员带着维克托坐火车回去，影片的第一个高潮出现在海滩出游之后，麦克的乐队成员带着维克托一起坐火车回去，却和列车上的人发生争执，

列车上有路人质问，为什么终于聆听“敌人”的音乐，那些属于西方意识形态的产物，双方大打出手，乘警出面维持秩序。

而这场争执最终居然以歌舞表演的形式化解消散。

纽约摇滚乐队Talking Heads的成名曲《Psycho Killer》响起，每个人都跟着合唱，涂鸦、慢镜、动作场景、标语，花样繁复，让人大呼过瘾。

其中的政治意图相当明确，反对的人被刻画成带有“骷颅”涂鸦的角色，而那位反抗的年轻人却被刻画成一位勇士，其中隐喻不言而喻。

画面内的人们，不论是乐手还是素人一起直面观众表演起来，配合着消解戏谑的涂鸦，似乎将反叛的态度的呈现到极致。

这样“随性”插入的MV拍法用一次还不过瘾，谢列布连尼科夫接着在叙事中穿插了Iggy Pop《Passenger》、Lou Reed《Just A Perfect Day》、Mott The Hoople的《All The Young Dudes》的MV，民谣唱腔、黑白画面中的红裙摇曳、火箭人漫画、演唱会彩色录像、手写歌词板混搭宝丽来相片等特效轮流上阵，

整部影片骨子里的轻快、反叛与葳蕤的蓬勃生命力随着歌曲和画面喷涌而出。

另外，还有一位不断出现在这些MV场景之后的男性角色，他口头说“这一切当然没有发生”，而其实，这些来自精神上的高潮已经淹没了乏味压抑的现实，变成了一种文学化之后的电影语言，拟态真实。

间离式的处理并未将观众推远三尺，而是制造了一种能够让其全情投入的引力，给予了影迷呼吸的空间，思维在这个足量的空间中发散，划出不同角度的精神弧线。

想想看，那个年代的先锋乐手们，如大卫•鲍伊、地下丝绒、米克•贾格尔、性手枪、鲍勃•迪伦、T.Rex、Lou Reed等等，当他们的黑胶被整齐得张贴在墙上，俨然搭建了出音乐人朝圣的殿堂。

无论是三角恋的故事，还是刺激不断的配乐，一场场热情似火的演出，都让影片走向了“右”的思维中。

影片中，这群乐手最迷茫的地方在于，他们应该学习谁，成为谁，是模仿还是创新，是接过前人的衣钵，还是自成一体。

这群年轻人通过音乐，找寻着大变革时代中，自我的身份认同，以及存在价值。

作为以摇滚为核心的影片，《盛夏》的内容异常干净，没有满屏的毒品，只有流动的音符和歌词，“苏联音乐家必须找到人性中所有美好的东西”。

导演用松散的风格手法、美妙的镜头运用和精准的场面调度，安排出了一幕幕无比后现代的青春油画。

抛开一切，《盛夏》也可谓是异常高级的“青春类型片”，而这样的片子，因为特殊原因，把内核展示的极为隐蔽，让人回味再三。

这是目前看过最作者性的传记片，从角色成名前开始故事而主要推动角色则是另一位，传记主要角色则更多的是被动接受，本片从叙事方面明显是稍显欠缺的，电影的第一场戏则是把本片的核心之一点出来。

有不少的戏并不是带有推动作用所以显得稍微拖沓，三人的情感线上也并没有处理的那么好。

四场幻想戏中由前面浓长的镜头到爆发，确实达到了导演的效果，而最后都以“未发生”和把旁白拟人化代表导演观点来结束，还有脏话打码。

则是直接把观众拉回到这是个“前苏联体制下的故事”起码对我们这个东亚人来说是有效的。

影片中舞台表演的台下真的太像太像我们当下的状态，甚至可以说我们连那一份想象的可能也没有了。。。。

关于本片男一可以用当下语境的“大怨种”来称呼。

但是人物的行为从后半段他看唱片海报的想象段落开始就非常清晰为什么，看到了那个时候的他们当下的摇滚语境其实也只是在拙略的在模仿西方，想象结束后当他看派对中的人只剩下狂欢但自己的路是什么？

而自己也已经被鲍勃这些西方语境的摇滚乐影响到根了已经无法在跳脱出来。

一种前辈的歌颂在这里成立了。

直到最后崔唱出了《树》一种悲剧又带这一点点希望在告诉观众这条属于自己的路还有很长的路程需要走。

嗯就是这么有意识形态的影片。

这几年看过最好的带有意识形态的影片。

没有说教甚至不那么爱国但又在提醒观众“我知道在这个城市里，我的树无处可活，可我一直一直陪在他身边

美则美矣，充其量只是一支超长版的MV。

更讽刺的是，这部描述前苏联摇滚教父的音乐传记片里没太多让我印象深刻的苏联地下摇滚乐曲，反而是七八十年代风靡欧美的摇滚作品充斥其中让我大饱耳福（David Bowie、Lou Reed、Iggy Pop等等如雷贯耳的大牌）。

也许导演并不打算拍摄一部传统的传记片，只是想透过音乐这个元素来还原八十年代初期苏联的社会环境气氛。

好几段长镜头场面调度精彩，开头几名女生偷摸进入演唱会的一幕就是相当精彩的示范。

导演用流畅的跟拍长镜头迅速推进叙事，同时揭示当时压抑的政治气氛，台上是激情演唱的歌手，台下是禁止站立欢呼的观众。

之后数段幻想情景及涂鸦动画的演绎，尽情刻画出当时青年人不畏强权，内心叛逆的反抗精神，比如在火车上斗殴以及演唱会舞台上下玩成一片这两段最为显著。

然而，这种比较廉价的MV表现手法明显打乱了叙事的节奏，令情节变得空洞涣散。

此外，故事的切入点有点出乎意料，一段鲜为人知的婚外情三角恋，令整部作品的格局在后半段逐渐收缩。

前半段精心营造起鲜明的时代背景气氛逐渐消散，压迫在青年音乐人身上的政治与社会因素似乎踪影全无。

回避特殊时代背景而回归人物情感纠葛的手法不算创新，但是这种过于隐晦的政治隐喻又难以发挥出应有的反思或批判效果。

这跟好莱坞那一类多愁善感、无伤大雅的音乐爱情剧又有什么区别呢？