《绽放》剧照
《绽放》剧情介绍
《绽放》长篇影评
1 ) 知否世事常变，电影原是永恒
看完《爱乐之城》，眼浅的我流了不少眼泪。
电影是一个通俗的爱情故事，说起来也不乏老套，令人触动的依旧是那份爱情之中的遗憾和不完美，这些几乎已经成了流行爱情电影的标配。
但《爱乐之城》打动我的地方，却不止关于这份没有完满结局的爱情，而是关于“电影”本身。
《爱乐之城》是讲“电影”的，这点当然确凿无误。
尤其是导演达米安·沙泽勒（Damien Chazelle）以歌舞片的表现形式，致敬好莱坞黄金年代的歌舞电影，戏中所致敬到的经典歌舞片多不胜数：《瑟堡的雨伞》（The Umbrellas of Cherbourg，1964）、《柳媚花娇》（The Young Girls of Rochefort，1967）、《雨中曲》（Singin’ in the Rain，1962）、《美不胜收》（Lovely to Look at，1952），甚至后期的《纽约，纽约》（New York，New York，1977）……不一而足，相信会有不少人撰文分析，此处便不再赘述。
我要详细说的，是在电影之中直接点名的另外两部经典电影：《无因的反叛》（Rebel Without A Cause，1955）与《卡萨布兰卡》（Casablanca，1942）。
《无因的反叛》是男主角高斯林最爱的电影（连对白也已熟记），同时也是发生在LA（洛杉矶）的故事。
《爱乐之城》中的男女主角在电影院中看《无因的反叛》，胶片却烧了，他们之后便来到了《无因的反叛》中詹姆斯·迪恩（James Dean）与娜塔利·伍德（Natalie Wood）约会的格里菲斯天文台，行走于詹姆斯·迪恩和娜塔利·伍德走过的地方，对这部电影做了一番致敬。
但有意思的细节却是在这之前，当高斯林与斯通第二次见面时，高斯林穿着一身《无因的反叛》中詹姆斯·迪恩的经典打扮：白T恤与鲜红色夹克（这身装束，几乎已经成了一个时代符号）。
而当高斯林与斯通一番斗嘴之后得知她是个演员时，他对斯通说了一句话：“我们在电影中见吧”，这个潜文本从一开始就暗示了之后致敬《无因的反叛》的戏码，更预示了他们这段爱情存活于“电影”之中，与“电影”终将相伴相生的命运。
而《卡萨布兰卡》则是女主角斯通最钟情的戏，她甚至是《卡萨布兰卡》女主角英格丽·褒曼（Ingrid Bergman）的粉丝（她家中墙上，就贴着褒曼的海报） 。
到了结尾，当斯通走进高斯林开的爵士吧，她的命运，与她爱的《卡萨布兰卡》则完全呼应了。
在《卡萨布兰卡》中，男主角鲍嘉就是开了一家爵士咖啡馆，而故事一开篇，就是他在咖啡馆中撞见了她的前女友英格丽·褒曼，而褒曼身边，却早已经有了另一位男伴。
褒曼要求他们共同的黑人朋友Sam（他也是唱爵士的）给她弹一首叫《As Time Goes By》的歌，那首歌无异是她与鲍嘉的定情之歌。
而在《爱乐之城》的结尾，高斯林一样弹起了他与斯通第一次会面时弹的定情音乐（在《爱乐之城》的音乐大碟中，这首歌被命名为两人的主题音乐）。
当高斯林弹起音乐时，电影出现了一段蒙太奇，而这段蒙太奇正是戏的高潮，也是电影中最最触动人心的段落，这段影像真正揭晓了这部电影在“爱情”之外，真正要讲的主题其实是“电影”。
在那段“电影”的平行时空中：他们美好地生活在一起，结婚生子，幸福快乐——是的，他们的爱情依旧是“在电影中见”，不见不散，风雨不改。
而在这段影像中，除了一样致敬了不少经典电影之外，更把他们的爱情场景带到了巴黎，而巴黎，恰恰也是《卡萨布兰卡》中鲍嘉与褒曼相爱的地方。
另外这段蒙太奇有意思的地方还有：斯通那场面试场景刻意被用剪影展现，显示了“电影”影画的本源；斯通和高斯林坐在一起看投影机投放出他们“幸福生活”的画面，再一次印证了“电影”的属性。
其实我觉得《爱乐之城》要讲的还不止是对于电影的热爱，或用电影填补现实的缺憾。
更多时候，电影用这样一个爱情故事，其实要说的是电影（或艺术）对人深远的“影响”。
在电影之中，男女主角是因为对艺术的共同喜好相识相知，他们除了互相鼓励和互相成就彼此之外，更重要的是对对方的影响。
就像斯通本身并不热衷爵士乐，但高斯林却改变了她对此的看法；她原先也希望通过参加一些社交派对认识一些上流社会的导演或制作人，以实现自己的演员理想，但高斯林却让她去学习创作，而有趣的是，当斯通开始写自己的剧本时，之前和她一起住的室友们（她们不免热衷于结实权贵）却统统离场不再出现，而斯通则走上了真正的“艺术”之路，如若不是因为这样，她亦无法在最后那次面试中打动制作人（因为制作人说她需要的是演员的“创作”能力）；同样，当高斯林为了生计跟随乐队长期巡演，差点放弃自己的理想时，只有斯通告诉他，那不是他应该过的生活，她甚至为他设计他未来爵士酒吧的名字，让他免于噱头，回归音乐本身。
其实电影之中还有许多饶有趣味的细节：比如斯通最后走进高斯林的爵士酒吧，是因为她的老公听到了爵士乐而提议一起进去听听——她最后找的老公也是喜欢爵士乐的，谁能说这不是高斯林带给她的“影响”呢？
再比如电影中高斯林的姐姐一开场似乎反感高斯林醉心于音乐，但电影中却安排她最终嫁给了一个黑人，这里面又是否有高斯林与爵士乐的“影响”?而电影中真正点题的，其实是斯通在面试时唱的那首《Audition》，在那首歌中，斯通说了一个她阿姨的故事：她的阿姨是一个演员，对她“影响”甚巨，阿姨从小带她看老电影（包括《卡萨布兰卡》），培养她对于电影和表演的热爱，告诉她从事艺术虽然难免需要承受伤痛，却是打开新世界的钥匙。
斯通唱得动情，但歌词却显示了那份“影响”的深远，包括最后斯通自导自演舞台剧，背后的窗户外就是巴黎的埃菲尔铁塔，电影中虽没有展现舞台剧的细节，但却显露了斯通对“艺术”感知的那份初衷，是来自他的阿姨——在斯通唱的《Audition》中，就是她的阿姨在巴黎的故事。
这份关于“影响”的主题，其实不但存在于这个爱情故事之中，也存在于本片的电影形式本身。
导演在这部电影之中，刻意选择胶片，并用老旧的cinemascope变形宽银幕拍摄，致敬那些黄金时代的歌舞类型电影。
要知道，无论是胶片还是cinemascope，或是黄金时代的歌舞类型片，在这个时代其实已经统统落幕，如同电影中那间放映《无因的反叛》的电影院一般，最终以结业收场。
这一切不正就像电影中高斯林和斯通的爱情故事一样吗？
虽曾经美好最后却不无遗憾与伤感。
可是，这些电影留给人的“影响”与“振荡”，却是隽永而深刻的。
就像达米安·沙泽勒拍了这部风靡全球的电影，不就是告诉世人这些电影、音乐、艺术给予自己的养分吗？
一个创作人用一部电影慨叹艺术对人的影响，以此致敬影响过他的电影和音乐，抒发对电影对音乐的热爱，再借此影响更多的人，我真是想不到比这更深情浪漫的事了。
所以当我看到故事的最后，当斯通回头与高斯林对望时，虽然充满着感伤，但最后在我心中取而代之的，却是一份温暖、一份抚慰。
因为我知道，斯通和高斯林的那一笑，更多的是感谢、感恩——感谢我们曾经相爱，感谢我们的生命中有过彼此，感谢我们在逐梦之路上并肩同行互相成就彼此，而那份彼此的影响，将永留我的心底、我的生命之中，永不磨灭。
我很喜欢作词人黄霑填过的一句歌词：“知否世事常变，变幻原是永恒”，我想，世事变幻，电影不也是永恒的吗？
就像高斯林和斯通分开之前说的：“我会永远爱你”，其实说的，不过就是“电影”吧。
是的，就让他们在“电影”之中永远相爱吧，至死不渝，永不分开。
就像我们知道，我们从今往后还会继续热爱电影一般。
笃定，确信，并一生一世地。
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2 ) 知道《爱乐之城》这89个梗，你就能了解大半个歌舞片史
歌舞片已经不像它们在上世纪30至60年代那样普遍了，虽然每隔一两年我们还是能看到几部，但这些屈指可数的歌舞片大都在原地踏步，已无法恢复鼎盛时期的天真与烂漫。
此番《爱乐之城》能够脱颖而出，正是由于它返璞归真地采用好莱坞传统歌舞片的形式及法国导演雅克·德米(Jacques Demy)歌舞片的技法，去讲述一场通俗化的爱情故事。
从服装、歌曲到编舞都在创造一种怀旧的基调，使人怀念旧时的歌舞片。
不过它依然现代感十足，以免疏远当代观众。
对于歌舞片的探索精神也延伸至故事层面，就像《艺术家》(The Artist,2011)的默片形式，《爱乐之城》是用歌舞片的子类型（包括：传统的米高梅歌舞片、华纳歌舞片、大爵士及当代的乐队片、演唱会电影）在各段落相映成趣，有传承，又能带出类型演变，拥有历史底蕴的积淀。
它们同时又能服务于爱情主题，做到内外兼修。
导演达米安·沙泽勒深深知道如何保有过去的风格，还要朝前看。
男主角塞巴正是这样一种怀念过去好时光的乐迷，与当代那些杰出的音乐家相比，他陷入了一个尴尬处境——沉迷于对传统爵士之中，无法自拔。
片中组建乐队的塞巴同学（约翰·传奇 饰）对他说的那番话一语道破：“我知道，这不一样（指当代乐队），但你说你要拯救爵士，如果没人听，还怎么拯救？
因为你这样的人，所以爵士才在消亡。
你在灯塔咖啡屋对着90岁的老人表演，孩子们在哪里？
年轻人在哪里？
你执迷于肯尼·克拉克和塞隆尼斯·蒙克，这些人是革新者，如果你固守传统，怎么能成革新者？
你抱着过去不放，但爵士讲的是未来。
”这是话中有话，影片也在借爵士乐去诉说歌舞片的未来。
当代歌舞片不该默守陈规，应当在维系传统的同时去革新，使人呼吸新鲜空气，带来希望与荣耀，才能拥有闪烁、活泼的生命力，这才是它们曾经深受欢迎的原因。
相较于其他类型，歌舞片可能是最喜欢谈情说爱的，不同的是角色们都是能歌善舞的好手。
歌舞片也最仰仗公式化的创作套路，因此常被批评“幼稚可笑”。
这种看法，显然错失了用歌舞展现故事的魅力。
歌舞片难就难在控制故事与歌舞（音乐）的均衡，《爱乐之城》成功把歌舞融入故事，推动故事，替代对白。
不过在当今，能唱会跳又会演的明星几乎为零，高司令和石头姐都是非职业舞蹈演员，所以只能表演简单的舞蹈动作。
好在导演懂得用画面扬长避短，效果看起来仍然非常好了。
尽管不少技巧在前作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》和《爆裂鼓手》中也见过，但此番效果和语境已然不同。
当然，洛杉矶的城市载体也很突出。
剧作上，用四季比喻爱情、事业的不同阶段，探讨个人对它们的妥协与坚持，以及它们的无法两全。
两人其实是用爱情为彼此的事业（梦想）树立了信心。
用悲剧收场，避免了传统歌舞片对于大团圆爱情的天真描绘，那只存在于童话中。
最后幻想的大团圆结局是一面镜子，从现实抽离又关照着现实。
用歌舞表现幻想、造梦是歌舞片惯用伎俩，可以弥补遗憾，道出梦想与现实的落差，加深音乐的治愈能量。
自古歌舞片就喜欢幻想奇景，因为多数时候，它们都是角色内心世界的外化。
说到底，歌舞片的柔情梦幻与现实世界是格格不入的，这也是为什么歌舞片在60年代后期由街头巷尾走向高山草原，由矿场学校走向歌楼舞厅，部部大场面的自然主义歌舞片应运而生之后，逐渐走向下坡路。
因为触及真实，便会把它原来的浪漫本性毁灭殆尽。
所以现在我们在很多动画片中，并不觉得它们突兀的原因，如《冰雪奇缘》《海洋奇缘》《了不起的菲丽西》等。
我们都知道，《艺术家》并不能为默片带来复兴，《爱乐之城》当然也无法对歌舞片带来革命，它有的一种情怀。
简单、纯粹，每个节拍（场）、每个鼓点（幕）都能敲中听者（观众）的心。
让人进入一个美妙世界，忘却现实的种种，我想这就足够了。
当然，《爱乐之城》更是一场精心为歌舞片爱好者设计的迷影电影，编导还把自己对于爵士乐的一点小趣味也藏在其中，玩的不亦乐乎。
影片在模仿前人的姿态时，还能延续其精神，迷影、复古又革新。
下面回到我的常规套路中来，展开说一下藏在片中的陈年老梗。
我已经在脑（掉）洞（影）联（袋）想的道路上越走越远了，然而（不止本片）很多都得到了导演本人的承认。
ps:我给桃姐的时候是82个梗，晚上梦游时又补充了7个，剩下一个留着你们补充吧，最好给我强有力的论证。
1.
《爱乐之城》中的“西尼玛斯科普”
《圣袍千秋》中的“西尼玛斯科普”首先，《爱乐之城》采用了古老的西尼玛斯科普式宽银幕立体声电影(Cinemascope)，这是20世纪福斯于1953年推出的银幕系统，银幕比例是2.55:1，电影《圣袍千秋》(The Robe)由此成为第一部宽银幕电影，后来各大公司对于宽银幕的竞争激烈（此处省略一万字），使得《谍报飞龙2》(In Like Flint,1967)成为最后一部西尼玛斯科普影片。
算起来，《爱乐之城》还是时隔50年之后的回归。
“舞王”弗雷德·阿斯泰尔最后一部米高梅歌舞片《玻璃丝袜》(Silk Stockings,1957)有一首歌就调侃过：“这个时代想让观众进电影院光有明星已经不够了，还要有Technicolor、Cinemascope和立体声。
”《爱乐之城》用的是超35毫米胶片，配合潘纳维新 (Panavision)两倍压缩比变形镜头（左右略裁）仿2.55:1画幅。
所以我们在片头看到的是“Presented in Cinemascope”而不是“A Cinemascope production”。
开头的黑白+4:3“顶峰娱乐”的厂标结束后，画幅慢慢拓展成色彩斑斓的西尼玛斯科普式宽银幕，已传达了它的复古定位（国内院线版在“顶峰娱乐”之后还加入了香港某公司的厂标，实际上破坏了黑白4:3的过渡）。
2.3.
《纽约，纽约》影片纵向比较的参照对象是《艺术家》，理由上文已说明；横向比较是马丁·斯科塞斯的歌舞片《纽约，纽约》(New York, New York,1977)，那部片男女主角的身份是爵士乐手和歌手，同《爱乐之城》中爵士钢琴家、演员相似，同样围绕他们的爱恨交缠与人生困惑展开。
其实，无论是百老汇音乐剧还是好莱坞歌舞片，都喜欢让主角在爱与工作中找寻幸福，两个目标交织在一起更是驱动剧情的动力。
两部影片的共性还有很多，稍后再续。
4.9.
《爱乐之城》
《柳媚花娇》
《名扬四海》开篇那场一镜到底的洛杉矶交通阻塞，据导演本人证实，是从戈达尔的《周末》(Weekend,1967)、费里尼的《八部半》(8½,1963)片头和乔·舒马赫的《城市英雄》(Falling Down,1993)片头找寻的灵感。
但是人们纷纷下车起舞歌唱，是在呼应雅克·德米歌舞片《柳媚花娇》(Les Demoiselles de Rochefort,1967)的开场部分，让歌舞场面具有临场感。
这场戏也与德米的另一部歌舞片《瑟堡的雨伞》(Les parapluies de Cherbourg,1964)一样，所有对白都是唱出来的，好像他们生来就用歌声表达一样。
仔细看能发现，这场戏的歌曲应该均为幕后配唱，这也是遵循《瑟堡的雨伞》的特点，演员不会唱歌，由幕后配唱。
整场戏一镜到底（由三个镜头后期拼接而成）调度酣畅淋漓，充满活力。
雅克·德米歌舞片就是将场景置于实景中，轻快、时尚、朝气蓬勃。
当然，包括如嘉年华般的街舞、体操的融合，包括人们在车顶起舞，是借鉴了艾伦·帕克的歌舞片《名扬四海》(Fame,1980)。
《公园长椅上的盖伊和玛德琳》导演一直都是雅克·德米的死忠，在其处女作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》开场，就能看到《瑟堡的雨伞》的印记。
《爱乐之城》顺便说，米娅挡住了塞巴的去路，结下一个小小的梁子是典型的好莱坞神经喜剧(Screwball comedy)的开场套路，引出冤家男女的相遇方式。
不少歌舞片也喜欢采取这种出场，比如《我爱马文》(I Love Melvin,1953)等。
10.
英格丽·褒曼是贯穿米娅灵魂的人物，米娅的卧室床边挂有一幅巨大的英格丽·褒曼海报，后被撤下。
在导演2013年完成的原始剧本中，其实有更多关于褒曼的故事：① 米娅公寓的海报对应结尾结婚之后新家的海报（正片中新家并未再出现）；② 米娅和塞巴聊天时有详细讲过《美人计》中被褒曼表演打动的细节（正片只提到了她的姑妈小时候带她去看过很多老电影，其中包括《卡萨布兰卡》和《美人计》）；③ 褒曼在DOS的第一次试镜，米娅给这个试镜做了旁白。
④ 播放《美人计》那段经典吻戏时，米娅念褒曼的台词与银幕上的男主角加里·格兰特互动。
结尾米娅还说了一句：“Here I am crying for a dead actress I never even knew. That’s L.A.”尽管正片中已经看不出褒曼这条线，但涉及她的点还是散落于各处。
11.
《爱乐之城》
《卡萨布兰卡》除去《纽约，纽约》，另一大致敬影片是《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)，这是导演有意为之的。
它虽不是歌舞片，主轴却有共通之处。
对白约有两次提到《卡萨布兰卡》，当米娅向塞巴介绍华纳片场时，指着咖啡馆外的窗户说那儿曾是褒曼和鲍嘉拍《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)的场景。
仔细看，还能看到窗下一家名为“Parapluies”的店铺（法文“雨伞”的意思），这里一定是导演有意为之，因为这又是一处小小的对《瑟堡的雨伞》的致敬，《瑟》片名也有“Parapluies”的单词，女主角家也是经营一家伞店。
《爱乐之城》
《卡萨布兰卡》《爱乐之城》最后20分钟充满深深的惆怅与遗憾，已经成家的米娅和丈夫偶然走进塞巴开的爵士俱乐部，他们各自实现了梦想，却与他们的爱情失之交臂。
当两人的目光交织在一起，正是《卡萨布兰卡》情节的再现。
“全世界有这么多城市，城市里有这么多酒吧（俱乐部），可她却偏偏来到了我这儿。
”《卡萨布兰卡》中是里克夜总会，里克不得不对他的命运做出一次抉择；《爱乐之城》是塞巴爵士俱乐部，也通过臆想的方式做出了命运的另一版结局，它从现实抽离却又关照着现实，是一面镜子，映出梦想与爱情、现实与童话的落差。
12.
《瑟堡的雨伞》最后一幕的错过与遗憾，也令人想起《瑟堡的雨伞》的凄美结局——多年后，已嫁做人妇的女主角在加油站见到同样已婚的男主角，但他们只能相视以对，默默离开。
13.
《爱乐之城》
《无因的反叛》中的葛瑞菲斯天文馆塞巴和米娅的约会电影是《无因的反叛》(Rebel Without a Cause)，后来米娅提议去葛瑞菲斯天文馆，不只因为可以在馆内看到“繁星”（呼应主题曲〈繁星之城〉），更因为那是《无因的反叛》高潮戏的发生地。
在影院看电影那场戏，刚好演到《无因的反叛》天文馆一幕。
14.《匪帮传奇》删减片段_腾讯视频石头姐和高司令之前拍《匪帮传奇》(Gangster Squad,2013)时，也有在葛瑞菲斯天文台拍过一段感情戏，不过最终成片被删掉了，可以在蓝光碟的删除片段里找到。
对比看来，颇有前世今生的感觉。
15.
《爱乐之城》
《无因的反叛》男女主角都穿过红夹克，红夹克也是《无因的反叛》中詹姆斯·迪恩的经典行头。
迪恩在片中演一个反叛青年，那件红夹克可以说是年轻、反叛的象征。
影片似乎有意把英格丽·褒曼视作米娅的精神符号，把詹姆斯·迪恩视作塞巴对于老电影的一种精神符号。
在《爱乐之城》开始，米娅经过好莱坞大道旁的《You Are the Star》壁画时，里面也有一个穿红夹克的詹姆斯·迪恩。
16.
《爱乐之城》
《无因的反叛》“繁星"在《无因的反叛》中的天文馆中也有出现17.
《爱乐之城》
《百老汇旋律1940'》在星空共舞的设计灵感出自《百老汇旋律1940'》(Broadway Melody of 1940,1940)中弗雷德·阿斯泰尔与埃利诺·鲍威尔共舞的场面。
百老汇舞台的美术置景仿若星空， 两人轻盈无瑕的舞姿更是置身星空。
18.
《曼哈顿》另外，需要知道的一点是——导演达米安·沙泽勒和摄影指导莱纳斯·桑德格伦(Linus Sandgren)都是伍迪·艾伦的粉丝（我甚至有理由怀疑导演可能也是单簧管手伍迪·艾伦的乐迷），这部电影你能看到很多深受《曼哈顿》(Manhattan,1979)影响的桥段。
包括两部片对于城市和爱情的描绘，让人感觉鲜活无比。
《曼哈顿》有一场戏就是伍迪·艾伦和戴安·基顿为了避雨躲进一个天文馆，有场对话戏也是在星空的背景前展开。
19.
《爱乐之城》
《曼哈顿》“冬天”之前那一幕，两人气定神闲坐在格里芬公园的长椅上，发现从未停下来欣赏过白天的景色，这又是一处致敬伍迪·艾伦《曼哈顿》的镜头，那里面伍迪也说从未真正欣赏过这里的风景。
20.
《爱乐之城》
《人人都说我爱你》再说飞天戏，伍迪·艾伦的歌舞片《人人都说我爱你》(Everyone Says I Love You)中也有歌蒂·韩腾空飞舞的镜头，不过两部片的最大共同点，恐怕还是用四季来代表叙事篇章了，只不过《人》没有明确用四季的标题来区别，但《瑟堡的雨伞》是分标题讲故事的。
21.
《爱乐之城》
《红磨坊》云层之上牵手共舞的场面可参考的对象是巴兹·鲁赫曼的音乐、歌舞片《红磨坊》(Moulin Rouge!,2001)。
22.
《爱乐之城》
《睡美人》星空中的翩翩双人舞是迪士尼动画片《睡美人》(Sleeping Beauty,1959)的再现。
23.
《爱乐之城》
《雨中曲》米娅和赛巴踱步到山上时，赛巴抓着灯柱开嗓无疑是《雨中曲》(Singin' in the Rain,1952)中金·凯利唱着《Sing'in the Rain》在雨中绕着路灯起舞的画面，就差手里拿把伞了。
《我爱马文》《雨中曲》两年后，另一位主角唐纳德·奥康纳在歌舞片《我爱马文》又照搬了这个动作。
《爱乐之城》里的好多路灯…路灯是好莱坞歌舞片的常见元素，即便进入60年代，由舞台走向了真实世界，路灯依然是经久不衰的布景、道具，无论是60年代的《电话皇后》(Bells Are Ringing)还是70年代的《纽约，纽约》。
24.29.
《爱乐之城》
《礼帽》
《篷车队》《爱乐之城》山上的双人舞明显致敬了米高梅“舞后”和“舞王”——金姐·罗杰斯与弗雷德·阿斯泰尔，（费里尼的《舞国》(Ginger e Fred,1986)就是以他们俩为原型拍摄的），在导演的原始剧本中也是这么描述的：“dissolving into a Fred-and-Ginger-style dance”。
金姐和弗雷德是统御30年代的歌舞搭档，他们从1933至1939年间，合作九次，十年后又又一次。
他们主演的歌舞片，从剧情、歌曲到视觉韵律，完全随二人悠然自在的银幕人格达成。
《爱乐之城》这场舞遵循两人舞蹈场面的特点，用一镜到底的长镜，任由摄影机单纯跟随舞步，甚少使用面部特写，以便完整保留流畅的肢体动作。
不过由于高司令和石头姐舞蹈功底不高，所以只好用慢舞呈现。
真正比较起来，金姐与弗雷德主演的《礼帽》(Top Hat,1937)是与之最接近的，其一，他们在中跳完这支舞后，才“化解”了之前结下的“小梁子”；其二，这场舞曾被雷声打断了一小下，而《爱乐之城》最后是被手机铃声打断。
公园和路灯的主场景又如《蓬车队》(The Band Wagon,1953)里的复刻，这两部老片梗也是得到导演本人承认的。
那个经典表情“土豪，我们做朋友吧”就是出自《蓬车队》。
《爱乐之城》/《黄金梦》
《一个美国人在巴黎》/《伦巴》高司令和石头姐在海报上这个动作，颇像《黄金梦》(You'll Never Get Rich,1941)中弗雷德·阿斯泰尔和丽塔·海华斯的剧照（注意，是剧照，与正片有所出入）。
至于米娅的黄裙能在百老汇歌舞剧《一个美国人在巴黎》和法国歌舞片《伦巴》(Rumba,2008)觅得踪迹。
在此特别介绍《伦巴》主创合作的所有影片《仙女》、《伦巴》、《爱上冰山的女人》，都是非常棒的带有歌舞色彩的喜剧。
《爱乐之城》
《伴我婆娑》米娅和塞巴坐在长凳上的舞步，比较接近的是金姐与弗雷德在《伴我婆娑》(Shall We Dance,1937)中经典旱冰舞的前奏小热身。
30.
《爱乐之城》
《伴我婆娑》弗雷德·阿斯泰尔被誉为“舞王”，你能在《爱乐之城》中找到他多部作品的影子，帽子和拐杖（或棍子）是弗雷德的经典道具。
塞巴在码头拾起一顶帽子，归还前用了几个简单的动作，这正是弗雷德帽子舞的入门级。
帽子是弗雷德的符号，并没有明确的电影指涉。
31.32.
米娅的女室友段落，如《油脂》(Grease,1978)+《巴黎之恋》(Les Girls,1957)中的女室友段落。
33.37.
《爱乐之城》
《西区故事》米娅和室友们共舞，她用窗帘围在身上做出一个女神打扮，60年代经典歌舞片《西区故事》(West Side Story,1961)里的娜塔莉·伍德也用一条绸布裹在身上，扮演女神。
《爱乐之城》
《花鼓歌》其中一名女室友的扇子舞来自《花鼓歌》(Flower Drum Song,1961)，这是好莱坞屈指可数的以中国人为题材的歌舞片，片中除展现南方的花鼓歌之外，还有扇子舞。
实际上，片中只出现了黄白相间的折扇，蓝色这把只存在于海报封面。
广告画《伞下的狂欢》远处餐厅位置的黄色海报并非《雨中曲》的某款海报，它是广告绘画之父卡皮耶洛(Leonetto Cappiello)的广告画《伞下的狂欢》(Parapluie Revel)，比《雨中曲》还要早。
值得注意的是，法语"Parapluie"这个单词再度出现。
《爱乐之城》
《生命的旋律》米娅和室友在大街上翩翩起舞，对应的是60至70年代的歌舞片大拿鲍勃·福斯的《生命的旋律》(Sweet Charity,1969)中天台那场戏。
《爱乐之城》这场戏的优势在于色块的运用明亮饱满，编舞具有冲击力，且不失俏皮活泼。
不过鲍勃·福斯对于《爱乐之城》并没多少影响，他的歌舞片多是将歌舞与故事分离，除了《生命的旋律》，他也并不擅长用色。
鲜艳着装是雅克·德米歌舞片的特点，他以各种鲜艳的颜色去妆点角色，单从颜色就已经做到赏心悦目。
《爱乐之城》
《纽约，纽约》威廉·克莱因在纪录片《百老汇之光》(Broadway by Light,1958)里拍摄的夜色中的霓虹灯光给人留下了深刻的印象。
许多老电影在表现舞林酒池、声色犬马的场面时，也喜欢用这种霓虹灯的色彩与角色的行为进行叠化，这是一种惯用手法，老马的《纽约，纽约》里也有这种镜头。
之前有国外网友剪的视频里指出这里对应的是《雨中曲》，我认为是不恰当的。
38.41.
《爱乐之城》
《甜姐儿》米娅那条黑色紧身长筒裤+白袜+黑鞋的造型，是《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本的经典款式。
《爱乐之城》
《一个明星的诞生》米娅在独幕剧中穿的黑西装联想起《一个明星的诞生》(A Star Is Born,1954)中朱迪·加兰演出歌舞剧时的那身。
话说朱迪·加兰的女儿丽莎·明奈利也是鲍勃·福斯超级无敌牛逼歌舞片《歌厅》(Cabaret,1972)的女主角，石头姐可是演过百老汇版本的《歌厅》。
《爱乐之城》
《瑟堡的雨伞》塞巴在片头、片尾两次身着咖啡色西装，应当还是参考了《瑟堡的雨伞》中男主角在中后段的那身服装。
咖啡色也符合塞巴这个“怀旧人士”的象征。
《爱乐之城》
《瑟堡的雨伞》米娅与塞巴有次夜晚散步，穿了件粉长裙，也借鉴自《瑟堡的雨伞》中女主角的长裙，尽管款式不同，但颜色和领口设计却极为统一，且同样出现了相似的构图和走位。
42.
米娅与塞巴相爱后的第一场戏，她在写自己的独幕剧，剧中角色叫吉娜维芙(Geneviève)，此名正是《瑟堡的雨伞》里女主角的名字。
感谢@汽车大师 告知，一度以为这是写信……43.
塞巴在餐厅里演奏的音乐是耳熟能详的圣诞应景歌"We Wish You A Merry Christmas"和"Deck The Halls"，在导演的原始剧本中写的曲目是《银色圣诞》(White Christmas)，出自老一辈美国观众都曾看过的经典同名圣诞电影的主题曲。
不过现在正片中用的两首更能俘获年轻观众，也更有喜感。
银色圣诞 (1954)7.71954 / 美国 / 喜剧 爱情 歌舞 / 迈克尔·柯蒂兹 / 平·克劳斯贝 丹尼·凯耶这家餐厅是在WB studio lot附近的Smoke House拍的，历史悠久，和好莱坞的联系也很深。
大本的《逃离德黑兰》(Argo,2012)也有在这儿取景。
44.
《爱乐之城》
《葛伦·米勒传》塞巴带米娅去听爵士乐那场戏，是向上世纪50年代的大爵士电影致敬，尤其像极了《葛伦·米勒传》(The Glenn Miller Story,1954)中摇摆爵士大师葛伦·米勒带妻子去听路易.阿姆斯壮（由本人亲自扮演）的音乐一幕。
《爱乐之城》这场戏与之后的演唱会（炫目的灯光、躁动的观众）一幕戏形成对比，同时带出音乐类型片的演变（也就是现在的演唱会纪录片），暗示爵士乐时代的一去不复返，更加阐明了约翰·传奇那番话的精髓：固守传统，怎么能成革新者？
（想来我这种“老片痴影患者”也是如此吧……）
《爱乐之城》另外，60至80年代带有清新活力的音乐片（披头士、猫王的音乐电影和之后的乐队电影，导演初始剧本中描绘的是80年代风格）在片中也有出现（上图一幕），他们用流行歌曲丰富文化内容，为一成不变的歌舞片带来一股新风，对于音乐电影的革命也是标新立异的。
45.
《爱乐之城》
《蔑视》很多影片都有通过背景墙的色彩变化来表现人物，金·凯利在歌舞片《一个美国人在巴黎》中也用过，戈达尔在《蔑视》(Le mépris,1963)中的使用保持了动作的连贯性。
46.
《爱乐之城》
《迷魂记》塞巴家的夜戏几乎都是全绿色的室内戏，包括两人的第一次情感转折戏，是通过霓虹灯透过窗帘来营造效果。
这显然是从希区柯克的《迷魂记》(Vertigo,1958)那里学来的，《迷魂记》中的酒店外拥有巨大的绿色霓虹灯，透过细孔窗帘映射在朱迪的房间中，使整个房间弥漫绿光。
最经典的一场戏，当更衣后的朱迪走出浴室，视觉上感觉她变成了玛德琳，沐浴在朦胧的绿光下，如梦幻柔软的回忆，而史考特也在此时退出他的浪漫幻想进入现实。
在《爱乐之城》中，绿色霓虹灯也突出了一种朦胧的美感。
（托朋友专门向导演进行了求证，导演的解答是：对，对，绿色的霓虹灯光从背景打过来。
那其实是一个临时的主意，Lina，我们的摄影师想要这样一个致敬的镜头。
这也说明就算在那样一个情感上非常现实的场景，你也想要一点点魔术，一点点老派好莱坞，整部电影的各个方面，都是这个来一点，那个来一些，保持一个混搭的状态。
）47.54.
《爱乐之城》
《迷魂记》《迷魂记》中的旋转多圈接吻镜头已经影响了不少影片，《爱乐之城》臆想部分的的开始段落也使用了该手法，只不过它的转速要比《迷魂记》快许多。
《爱乐之城》
《瑟堡的雨伞》臆想段落中的红色舞厅是参考自《瑟堡的雨伞》中的舞厅，这里是水手流连的地方，注意左边那根柱子也得到了保留。
《爱乐之城》
《一个美国人在巴黎》通过小号转变的半圆黑洞，是参考自《一个美国人在巴黎》中的塞纳河畔的场景，半圆黑洞即桥洞。
《爱乐之城》
《红气球》臆想部分的歌舞串联，出现了法国片《红气球》(Le Ballon Rouge,1956)中手持红气球的男孩身影。
它并不是歌舞片，可能只是导演的个人喜好，不过影片讲述的是一个男孩发现一个红气球，它仿佛有生命，在它的带领下，男孩走过巴黎的大街小巷。
影片充满超现实的风格，让人联想到保罗·克利以及杰昂· 米罗等画家的作品。
所以放在《爱乐之城》臆想段落中，同时搭配艺术布景和巴黎的背景。
这场戏还有一位水手形象，水手可是歌舞片的常见角色，无论是弗雷德·阿斯泰尔（《海上恋舞》(Follow the Fleet,1936)）、金·凯利（《起锚》(Anchors Aweigh,1945)、《锦城春色》(On the Town,1949)）还是雅克·德米（《柳媚花娇》）歌舞片或多或少都有水手的形象。
《爱乐之城》
《甜姐儿》《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本在凯旋门前的七彩气球也有出现。
在形式方面颇有风格，服装以及摄影上鲜艳的色彩运用令人印象深刻。
《爱乐之城》
《雨中曲》后台入口这个洁白空旷的大舞台，是《雨中曲》中两个元素的结合。
这场戏的舞台是典型的米高梅歌舞片的场景，并没有明确的电影指涉。
值得一提的是，该场景在男女主角之前参观华纳片厂6号棚时已有出现（包括路灯、地球仪），所以说电影是造梦的艺术，而梦又是来源于现实。
55.57.
《爱乐之城》
《1933淘金女郎》剪影效果重现了试镜一段，这是舞蹈指导巴斯比.伯克利(Busby Berkeley)在《1933淘金女郎》(Gold Diggers of 1933,1933)中的独特烙印。
之前曾介绍过巴斯比（可跳转至：请您欣赏：肉山人海万花筒），他除了具有用摄影机运镜把团体表演转化成部队操练的本事外，最厉害的就是能将极具创意的摄影技巧融入舞蹈形式中。
而男女主角的剪影最后相拥的镜头出自《广告员》(The Hucksters,1947)中盖博和寇尔的剧照（正片中并无）。
另外，前两年有新闻说，高司令要拍巴斯比.伯克利的传记片，也算个有趣的巧合了。
《广告员》剧照
《公园长椅上的盖伊与玛德琳》实际上，达米安·沙泽勒在导演处女作《公园长椅上的盖伊与玛德琳》中就有用过侧面剪影的拍法。
58.59.
《爱乐之城》
《一个美国人在巴黎》《美国人在巴黎》(An American in Paris,1951)的芭蕾舞蹈部分，剪辑转场用的都是舞蹈姿势（最出名的可能是复刻罗特列克的画作《Chocolat Dancing in the Irish American Bar》那段），而《爱乐之城》里则用到了很多次乐器（钢琴海报，演奏中的小号等）来做剪辑转场。
《一个美国人在巴黎》整个歌舞串场更是从《一个美国人在巴黎》结尾长达17分钟金·凯利的臆想中得来的，随着印象派布景的变换，加上不同的舞法与形式，令人目不暇接。
两部片同样营造出巴黎的气氛。
只不过《爱乐之城》的臆想片段里埋有很多老好莱坞歌舞片的影子。
幻想其实也是歌舞片经常使用的手段，文森特·明奈利是用歌舞场景展现角色幻想和情绪的高手，《一个美国人在巴黎》以前另一个比较典型的是《风流海盗》(The Pirate,1948)里对朱迪·嘉兰演的女主被传奇海盗的故事吸引，从而春心萌动的部分（其实就是艺术的表达女主角的性幻想）。
此外，巴斯比·伯克利在《1935年淘金女郎》(Gold Diggers of 1935,1935)》中的"Lullaby of Broadway"部分也是典型的用歌舞段落表现梦境，而且还是个非常残酷的梦境结局。
其他场景性内容：60.73.
《爱乐之城》
《柳媚花娇》米娅所在的咖啡馆似乎也参考了《柳媚花娇》中的小馆。
《爱乐之城》
咖啡馆里的三张黑白照分别是：好莱坞女星拉娜·特纳、电影《好莱坞巡游》(Hollywood on Parade,1932)剧照：平·克劳斯贝和玛丽·碧克馥、好莱坞女星丽塔·海华丝。
《爱乐之城》
《人人都说我爱你》用墙上的海报来做迷影，在很多影片中都出现过。
《人人都说我爱你》中德鲁·巴里摩尔的房间中也出现过很多歌舞剧的海报。
米娅房间的墙上还贴有《金发女吸血鬼》(The Blonde Vampire,1922)、《勇气》(The Dove,1927)、《野百合》(Lilies of the Field,1930)、《黑猫》(The Black Cat,1934)的和《百老汇的淘金者》(Gold Diggers of Broadway,1929)海报，客厅还有《绣巾蒙面盗》(The Killers,1946)的海报，奇怪的是这些影片都不是歌舞主题。
《爱乐之城》亚里托影院门口张贴的海报则有两张《无因的反叛》、《无线电巡逻》(Radio Patrol,1937)和《永别了，武器》(A Farewell to Arms,1932)。
以及词汇方面的：74.
《爱乐之城》影片中使用的语言和词汇也很旧式，比如塞巴和姐姐的对话中，他用到了“Shanghaied”这个词，这是个老词，有“拐骗”之意。
曾出现在多部好莱坞老电影中，1909年美国拍了部电影《Shanghaied》，后来用“shanghai”命名的影片不下十部，内容多是有关绑架和诱拐的。
卓别林1915年也拍过一部《Shanghaied》的海上诱拐喜剧。
包括后来的《上海特快》(Shanghai Express,1932)、《上海小姐》(The Lady from Shanghai,1947)、《上海惊奇》（惊爆天狼星/Shanghai Surprise,1986)的片名都有贬义。
希区柯克在《奇怪的富翁》(Rich and Strange,1931)结尾，也是让主角上了中国人的船，同样有这层意思（它的另一个片名叫“East of Shanghai”）。
75.
《爱乐之城》
《纽约，纽约》片尾结束时，"The End”下方用了"Made in Hollywood U.S.A"字样，这也是一个非常标准的老电影片尾。
老马的《纽约，纽约》里的戏中戏“happy endings”里面也有这个细节。
片中的爵士乐梗：76.72.
约翰·柯川和比尔·伊文斯塞巴家中出现大量关于爵士乐的梗，首先是约翰·柯川(John Coltrane)和比尔·伊文斯(Bill Evans)，这两张照片都是两人非常标志性的照片。
前者是人类历史上最牛X且著名的萨克斯风手，后者是人类历史上最牛X且著名的爵士钢琴手。
《爱乐之城》
霍奇·卡迈克尔塞巴不让劳拉坐的小板凳，是著名爵士男歌手、作曲家霍奇·卡迈克尔(Hoagy Carmichael)坐过的板凳。
而塞巴说的“The Baked Potato”把它扔了，“The Baked Potato”是洛杉矶富人区Studio City的一家爵士乐餐厅俱乐部。
塞巴后来成立俱乐部后，约翰·柯川和比尔·伊文斯的照片以及霍奇·卡迈克尔坐过的板凳再次出现。
劳拉说给塞巴带了一块小地毯，塞巴不要，劳拉说“如果迈尔斯·戴维斯(Miles Davis)在上面尿过尿你是不是就要了”。
迈尔斯·戴维斯是最伟大的爵士乐大师，小号手。
无数伟大爵士乐大师的导师，Cool Jazz创始人，最早开始Bop Jazz演奏的人之一。
前面出现的两张照片里的约翰·柯川比尔·伊文斯，在50年代末都曾经是迈尔斯·戴维斯的五重奏乐队中的乐手，录制过包括《Kind of Blue》在内的多张爵士乐经典唱片。
劳拉走后，塞巴开始随着唱片练琴，曲子是爵士钢琴演奏家西洛纽斯·蒙克(Thelonious Monk)的曲目《Japanese Folk Song》。
73.83.
在塞巴工作的餐厅里，“魔鬼老师”J.K.西蒙斯不让他演奏自由爵士(Free Jazz)，但其实塞巴只不过是一些即兴演奏，而不是真正的自由爵士。
可能是，如果使用真正的自由爵士的话，不光是餐厅里的客人，恐怕连银幕前的观众们都会受不了的。
当米娅说她恨爵士乐后，塞巴带她去了一家爵士乐俱乐部，台上的乐队是典型的爵士五重奏组合，即：小号手、萨克斯風手、贝司手、钢琴手和鼓手。
在这个部分，最突出的是介绍爵士乐和调侃肯尼·基(Kenny G)。
这里有几点需要说明：1、关于爵士乐的起源，塞巴讲的只是很小的一个方面，其实爵士乐的起源非常复杂，是一黑人音乐为根源的多民族多类型音乐经过很多年多融合后形成多音乐类型。
2、重点来啦！
调侃肯尼·基。
在塞巴兴致勃勃地发表了一大通关于爵士乐的blah blah之后，米娅很认真地提到肯尼·基和“电梯音乐”！
这几乎是现实生活中爵士乐迷和爵士乐手都无法容忍的，就是，把肯尼·基和他的“电梯音乐”当成爵士乐。
肯尼是人类历史上最畅销以及最被鄙视（被爵士乐界）的萨克斯風选手。
至今并且仍然继续被卖出的唱片已经超过75，000，000张，这个数量“甚至比所有爵士乐手的唱片销量总和还要多。
虽然肯尼先生从未说过自己演奏的是爵士乐，但无奈很（suo）多（you）他的粉丝都认为自己听的是爵士乐。
而肯尼另一个最为人所知的就是其乐曲经常被用在电梯内和商场关门时，所以他的音乐也被调侃成“电梯音乐”。
顺便说一句，想到米娅当时那张认真的脸，我就想笑。
3、在米娅很认真地提到肯尼·基之后，塞巴说到了萨克斯风演奏家，以高音萨克斯风为主奏乐器的先驱者西德尼.波切特(Sidney Bechet)。
台词是这样的“Sidney Bechet shot somebody because 他弹错了一个音…”导演达米恩·查泽雷似乎很喜欢在自己的电影中使用一些爵士乐手们并不存在的趣（hu）闻（bian）轶（luan）事（zao）。
就像在《爆裂鼓手》中说爵士打击乐传奇人物乔.琼斯(Papa Jo Jones)向爵士乐历史上最才华横溢的萨克斯风手查理·帕克(Charlie Parker)扔钹片一样，都没有真的发生过。
不过，在米娅给塞巴未来的俱乐部设计logo时，塞巴又一次提到了查理·帕克，并且说他的绰号是“Bird”，这个倒是对的。
（克林特·伊斯特伍德拍过他的传记片《火鸟重生》(Bird,1988)）84.
塞巴上台介绍乐手，这个桥段设计的很有深意，每一个乐手的名字都对应了一个现实中的伟大爵士乐音乐家：萨克斯风手：Cal Bennett → Tony BennettTony Bennett：这个不用说了吧，现今唯一存活的爵士乐大师，爵士男歌手，一大堆名曲，就算你没停过这个人，但我不信你没听过他的歌。
小号手：Javier Gonzalez → Ruben GonzalezRuben Gonzalez：著名拉丁爵士乐手，古巴三大钢琴手之一。
贝司手：Nedra Wheeler → Kenny WheelerKenny Wheeler：著名小号演奏家以及柔号（Flugehorn）演奏家。
鼓手：Clifton“Fou Fou”Eddie → Eddie HigginsEddie Higgins：爵士钢琴演奏家。
钢琴手：Khirye Tyler → 这个完全想不到对应人物，但我觉得既然前四个乐手都有对应人物，那这个应该也有。
要么就是这个乐手是钢琴手，而塞巴自己就是钢琴手，所以故意没有设计成有现实对应人物。
当然这个就纯属个人YY了。
导演前作的影子：当然，片中还埋有导演前作的影子，包括《公园长椅上的盖伊与玛德琳》、《爆裂鼓手》及编剧作品《夺命钢琴》，在这里也可以看出他的作者风格了。
希望将来能看到沙泽勒不拍音乐题材的电影会是什么样。
85.
《爱乐之城》
《爆裂鼓手》
《公园长椅上的盖伊与玛德琳》达米安·沙泽勒的三部电影都有对于架子鼓的迷恋。
86.87.塞巴和玛德琳在厨房烹饪时，出现的配乐《Summer Montage/Madeline》是《公园长椅上的盖伊与玛德琳》的旋律之一：电影院一吻中也有用到《爆裂鼓手》的配乐《No Two Words》：88.
达米安·沙泽勒的导演处女作《公园长椅上的盖伊与玛德琳》中男女主角的名字“盖伊”、“玛德琳”出现在了华纳片厂的一块背景板之上（似乎是一部虚构的宝莱坞歌舞片）。
89.
《爱乐之城》
《爆裂鼓手》
《夺命钢琴》沙泽勒特别喜欢“你要是弹错一个音符，你就死定了”这个点，《爆裂鼓手》长短片版以及编剧作品《死亡钢琴》(Grand Piano,2013)都有这一概念，到《爱乐之城》变成弹奏自己曲目就要被开除，且三次这个主控者都是由J·K·西蒙斯扮演。
好了，写完。
再次感谢冻鸦和t-_-f的帮助，辛苦！
祝大家过个好节！
3 ) 为神马获奖无数的竟是超级无敌大烂片！
极地晴天抹茶馆之茶语一句City of stars, are you shining just for me? - 本片男女主（Of course not! - 看完没好气的本熊）没错，我就是来吐槽大红大紫大富大贵大包大揽横扫全球各个电影节各个奖项的特别著名的《La La Land》，国内片名《爱乐之城》，香港片名《星声梦里人》，台湾片名《乐来越爱你》（一定要让港澳台三地的可爱观众都知道这部片子有多烂）！
内神马，说到底这个片儿到底骗到了多少眼球及奖项呢？
来，带你xx带你飞：到目前为止一共获得了217项提名里的147项！
于是你马上可以去炫耀你是专家了！
然而（转折再生硬也要咬牙转啊），书袋掉完了，二话不说，先上本熊刚看完时在圈里的短评，一言以蔽之：“无法理解这片为啥横扫各个奖项：立意肤浅，情节虚假，老梗用烂，一言不合就唱歌，7月两地就分手，最后还来yy遗憾加潜规则，都是套路！
看了后悔一年，奥斯卡啊啊啊啊！
”—— 智商和情商均受到一万点伤害的 熊所以通过最后这四个啊啊啊啊字，你体会到一个资深影迷对于本届奥斯卡如此误导浪费了无数心地善良心存良知的人们每人华丽丽128分钟的无限恶意了吗？！
好了，下面开始正经地数落数落本片到底有多差【认真脸】！
本片有三大卖点：1. 梦想，2. 爱情， 3. 音乐。
下面（毒舌）娓娓道来：1. 梦想还是要有，万一实现了呢？
林奕华说：“此片是给loser看的励志片。
”简直不能同意更多啊！
女主从小就在阿姨的带领下“不务正业”，整天泡在图书馆里看老电影，台词倒背如流，也觉得自己想要成为嘉宝一样的大明星。
她在摄影场的咖啡馆里找了份服务员的工作，只为了更接近她的梦想一些。
好吧，这都ok。
然而一开始那个女明星进来，只给背影和周围群众的张大嘴巴惊讶万分的艳羡表情，以及坚持要自己给钱买咖啡（这不是再正常不过了吗），我就无语了，我已经提前太早看到了导演要在最后女主也出名以后给安排一个一模一样如假包换的镜头，专门照背影的曼妙曲线。
come on，这是电影棚里的咖啡店，有几种可能：1，明星牌子很大，每天都是要助理来买咖啡，所以人民群众平时在这里一般见不到她，那今天她为啥让助理在门外自己进来呢，纯炫耀新裙子新高跟鞋？
2，如果明星们每天都来，在这里喝咖啡的人民群众早该习以为常了吧，会那么惊讶那么嗨吗。
从这个镜头开始，就注定了本片就是一部因为不合时宜的过分渲染而让观众时时出戏的悲剧！
她新晋男友（男主）拼了命劝她说你要坚持自己的梦想啊亲，试镜没人要？
没关系，自己写剧本啊！
你小的时候不是写过一部获了奖的剧本吗？
在如此的坚决教唆下，女主毅然辞去工作，全职在家写剧本，准备自掏腰包演出自编自导自演的独角戏。
这都ok，哪部梦想电影里没有狗血呢？
然而这部也太出格了。。。
男主你都没有认真看过女主演戏，你确定她有出名有当演员的天赋吗？
世界上想当演员的人太多了，真正有多少人是才华横溢的呢？
就在女主经受着精神和经济的折磨的时候，男主自己去参加了一个原来最看不上的同学组织的流行乐团，他毅然放弃了自己要开一个纯粹的爵士乐俱乐部的梦想，去当了一个站在舞台上似笑非笑的键盘手。
这种选择，说是为了名声，为了金钱，为了台下女生的尖叫，为了成功，为了虚荣，都算了。
然而他在很久没回家之后终于出现，面对女主认真的“你的梦想呢”的质问，说，我这么委屈就全，全是为了你啊！
矮马，一口盐汽水！
这就是把人骗上不归路，自己跑了去出名，回过头还得瑟说，亲，我是为了你好啊！
但没有关系，本片最牛的地方就在于为了情节，可以不惜一切，毫无逻辑，大肆渲染！
女主自己的戏在落寞中草草收场，而男主并没有如约到场，如此悲惨，如此凄凉。
然而为了情节需要，非说那天有一个知名大导演默默地坐在观众寥寥的到现场，从头到尾耐心地看完了她的演出，而且被感动的一塌糊涂，然后现场还不找她，非要过了恩天再通知男主，要男主去告诉她这是一个很重要的试镜，你一定要来哦亲，这是改变你未来命运的邀请哦亲。
如果她演的这么好，为什么连一个戏里的镜头或片段都没给，观众实在按捺不住，想要知道为什么女主运气可以突然这么好啊啊啊啊。
2. 爱情还是要有，万一寂寞了呢？
女主在跟男主大吵一架以后，默默地离开了，回家疗伤。
男主在接到大导演电话以后，默默地驱车恩万里来到了女主的家乡。
女主说，你是怎么找到我的？
男主说，你说过你家对面是图书馆。。。
我又晕了，对面是图书馆的房子多了去了好吗。
一个城市里就有恩个图书馆啊啊啊啊。。。
按你胃，女主被男主说服，又鼓起勇气回去参加试镜。
果不其然，她通过突然地傻傻地唱很蹩脚的歌，毫无悬念地得到了此角色。
那么问题来了，此片要去巴黎拍摄7个月，男主又要留在美国参加乐队的没完没了的巡演。
肿么办呢？
只好分手！
俩人坐在相恋时的老地方，如此浪漫，可以看见洛杉矶整个城的夜景的公园长椅上，泪眼涟涟地说，我们分手吧。
然而我又晕了，明明他们俩此时还是很相爱啊？
戏已至此，情到深处，女主已经在男主的鼓励和帮助下真正地要开始自己的梦想了，这样不应该是俩人越爱越深的重点段落吗？
为什么分手？
1.因为要两地7个月太久了，常人无法忍受（那么我没有任何评论了）；2. 因为之前大吵了一架，互相伤害到无法愈合（小情侣吵架再正常不过了啊）；3. 因为女主新人生要开始了，不能带着男主这样的感情包袱（我实在想不出别的了，你也看出来了）。。。
最后，如所有观众所心知肚明一早知道要怎么演的一样，女主大红大紫以后，默默地嫁给了第一部戏的大导演，住进了比华利山的豪宅，有一个可爱的孩子。
两人住在同一个城市，却从未遇见。
甚至是男主追求梦想终于开张的俱乐部，完全照搬女主当年建议的名字和图标而且出了名，同城终于有了一个如此高格调的女主号称因为男主爱上的爵士乐的聚会地方，女主竟然毫不知情。。。
我再次华丽晕倒，如果这是发生在200年以前，那时没有手机没有网络没有推特没有脸书没有发生了什么，男女主联络感情主要靠信件和见面，那还算说的过去，女主去了巴黎，虽然二人爱意浓浓，但是遥远的距离使他们从此失联，多年后才能凭缘分偶遇。
come on，这是信息时代了！
而且导演啊你安排他俩最后也算是爱意浓浓地和平分手，至于删号码拉黑不联系吗？
她收不到他的消息吗？
她回国以后再没有找过他吗，他也没找过她叙叙旧吗？
即使是联系旧友，分享一下梦想的喜悦？
特别是那个帮助你实现梦想的人啊！
导演啊你非要安排他们春夏秋冬爱满全城的那么浪漫，然后怎么一下就拉黑失联，形同路人。
分手的时候说的也是含情脉脉地"亲，我会永远爱你”，这样重要的一个人就无缘无故地彻彻底底地在生活里消失了？！
这都算了，导演你为了安排久别重逢简直费尽了心机。
男主看到了女主到场，马上屁颠屁颠地自弹一曲相恋曲目，然后用长达五分钟的各种飞天跳舞神马的镜头开始yy如果自己和女主在一起，生活将是多么滴幸福巴拉巴拉巴拉。
好么，说你是loser，你就喘啊！
那么那么爱，就去追啊！
光自己在那儿yy有神马用，而且这么些年都在干啥。。。
你难道不懂以你这种渲染出来的情感基础，秒杀大导演啊。。。
所以苦苦思考原因无果，我才万般无奈在短评里写到了潜规则，你懂的。
最关键女主听了也是眼含热泪，立马受不了了拉着云里雾里毫不知情的老公要走。
come on！
既然这么爱，我早就说了你俩没有分手的基础，硬分了就算了，可以复合啊！
人生里全是套路，没有真情，这么委屈自己，真的好吗。
名义婚姻和真正爱情摆在眼前，女主还是毅然选择了自己的傻老公，放弃了帅的不要不要的真爱，这到底是为神马。
放弃就算了，还非要留下一个勾人的眼神儿给可怜的男主，你咋不上天啊！
3. 音乐还是要有，万一入戏了呢？
本片音乐每次一出现，就无比出戏。
这还让不让人活了。
一部好的音乐剧，音乐是和电影里配合得天衣无缝的，神来之笔，万分自然，起到了升华主题，深化情感的重要作用，美到无可替代。
这部戏就完全相反。
好不容易看进去了一下下，男主女主华丽丽地突然开始在任何不适合的场景唱起歌跳起舞来，简直让人瞬间出戏！
爱情开始在堵车的高速路上，车主司机大合唱，那叫一个热闹的全世界人民联欢，洛杉矶春晚开场歌舞啊！
然后在夜色朦胧的小山坡上，明明没有任何火花，男女主非要热情高歌，尽情共舞（就是海报的招牌动作），跳完了又继续说话，那叫一个尴尬症！
后面还有上面提到的，女主在试镜时突然开始凄惨地唱歌，我真的不知道她为何被选中，她真的有前面的试镜导演提到的，表演用力过猛的问题（参见《华尔街之狼》里的小李子）。
最后男主尽情yy和女主幸福生活的时候，还要义无反顾地毁了本片唯一一首还过得去的主题曲《City of stars》，至此，我是彻彻底底晕倒了，一个大写的服字送给你，亲爱的导演。
此片竟然！
超越了《泰坦尼克》当年勇夺13项奥斯卡提名的记录，成为史上提名第一片，我真是无法理解。
评审们啊，你们是没有看过好的音乐轻喜剧剧情片吗。
远的不说，近的2013年的《Begin Again》（从音乐再开始）真的比这一部强了不知道几条街好吧。。。
（影评请点击“阅读原文”）总之，我被彻底打败了，此片是我近些年看过的最烂影片，没有之一，包括今年国产贺岁烂片们。。。
此片的烂梗还包括但不限于：在电影院里牵手加初吻，在天文馆里看星星，女主逃掉无聊应酬去赴约，等等烂俗情节。
敬请注意不要随意模仿，这是要吃大亏的，模仿也要走点儿心啊，真不是我说你。
最后好心好意温馨提醒一句，此片非常有心机地选择情人节当日在国内上映，这是图嘛昭然若揭。
情侣们，男盆友们，女盆友们，准男盆友们，准女盆友们，在此郑重奉劝你们不要拿自己的感情开玩笑，千万不要约会去看此片！
为神马？
这不是太明显了吗？！
你是真爱吗？
当然是！
对不起，本片的结局是：真爱给我让位，潜规则上位！
你是潜规则吗？
好吧，你去看吧！
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4 ) 主题歌”City of Stars”伴奏和弦的重要性
爱乐之城主题曲《繁星之城》完整版 City of Stars - La La Land 《爱乐之城》（La La Land）主打歌City of Stars（繁星之城）很好听，感动全世界，看完片子十个人有八个大脑自动单曲循环。
这首歌前两句很有意思，拿钢琴谱比划一下看看：
先看独唱声部，第一句和第二句的旋律是完全一样的。
但是听上去的感觉不一样，前面一句的感觉是旋律发展不下去了，只能重新开始；第二句的感觉是豁然开朗，旋律有了继续的发展可能。
为什么会有这种听感？
因为两句旋律的伴奏和弦不一样。
大家小学都上过音乐课，都知道哆来咪发馊拉稀。
除了Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si以外，还有一种音级（scale）命名法叫做：主音（tonic）、上主音（supertonic）、中音（mediant）、下属音（subdominant）、属音（dominant）、下中音（submediant）、下主音（subtonic）。
这个命名法的思路很清晰： 首先，音阶里最重要的Do被命名为主音；然后，往上数五度是重要地位差不多的Sol，被命名为属音，Do往下数五度的Fa被命名为下属音。
主音和属音正中间的Mi被命名为中音，主音和下属音正中间的La被命名为下中音。
最后还有主音上下两个音，被命名为上主音和下主音。
所以，主音和属音相当于音阶的两根顶梁柱，这两个音一起出现，稳定性（stability）非常高，稳定性意味着结束感，意味着一段乐句“被解决”（resolved）。
City of Stars第一句红框里的两个音是D3和A4，这是d小调里的主音和属音，顶梁柱都出来了，乐句发展不下去了；第二句红框里，高音区仍然是A4，但是伴奏部分变成了F3，这是F大调的主音和中音，这个组合不太稳定，听感上还需要继续发展，转到稳定的音程上再结束。
利用同样原理创造类似听感的还有王菲的老歌《当时的月亮》。
再拿钢琴谱比划一下看看：
和City of Stars不同的是，《当时的月亮》两段乐句都在D大调上。
第一句红色圆圈所指的4个音组成了以E3为根音的上主音七和弦（supertonic 7th chord），七和弦不稳定，需要转到三和弦；第二句红色圆圈所指的3个音组成了以A2为根音的属音三和弦。
所以两段乐句独唱部分完全一样，但是因为伴奏部分使用了“上主七-属三”的套路，听感马上就不一样了。
当然，属三仍然属于没被完全解决的和弦，下一步的解决是主三，乐句以最稳定的主音三和弦结束。
据统计，上主七是使用频率仅次于属七的七和弦，“上主七-属三-主三”是使用频率仅次于“属七-主三”的作曲套路，不知是真是假，姑妄听之，反正作曲家手上玩的这种套路太多了。
看电影听音乐我从来不排斥套路，因为一切皆套路。
5 ) 如果你也做过梦
前往影院看La La Land的路上，年末的纽约气温已经零下。
我靠在车窗上，看到影院对面的剧院亮起Broadway音乐剧Holiday Inn的巨大电子招牌，时代广场霓虹闪烁。
我突然想起这一年来共事过的演员和导演，一场场戏落幕后大家各奔前程，他们中的不少人，已经纷纷登上了更大的全美巡演舞台，拿到了高收视美剧的常驻角色，签了工会，进了更大的经纪公司……我想着了不起的他们，不知道属于自己的明天在哪里。
然后进了影厅，坐在黑暗里默默流了今年为电影落得最多的一场泪。
我对导演Damien Chazelle的感激大于赞叹。
因为他在这部片中对生活细节的真实还原，因为他对逐梦人缘于无比惜取的心领神会。
导演远远不止懂得有关追梦的一切，他不止记得，不止对此记忆犹新，还一改前作《爆裂鼓手》中对待艺术追求激进冷峻的态度，小心翼翼地为这份心意慷慨铺陈上洋洋洒洒的一层金。
那片闪耀的金，是导演对好莱坞黄金时代歌舞片的致敬与礼赞。
这部年轻的歌舞片中，俯拾皆是歌舞片最辉煌时期散落的传奇碎片。
在导演全新的创意编排下，这些因岁月变迁逐渐从观众心中蒙尘褪色，本该仅属于经典歌舞片爱好者敝帚自珍的怀旧片段，在半个世纪后的银幕上得以再一度激荡回响。
天文台星空中梦幻般的翩翩双人舞剪影取材自迪士尼经典动画电影《睡美人》；夜幕低垂，遥望于万家灯火之上，男女主角在路灯下倾情一舞的灵感来自1953年的经典歌舞片The Band Wagon与1937年的歌舞片Shall We Dance, 女主Mia和女伴们在大马路上的惊鸿一瞥改编自1969年的歌舞片Sweet Charity; 几代人的心头好Singin' in the Rain也大量出现在了诸如Sebastian手抚灯柱唱歌的经典再演绎，最后的幻境群舞也同样借鉴了An American in Paris的芭蕾桥段。
不止场景与编舞，服装与影片色调同样充斥着黄金时代的怀旧情怀，可以时时看到1964年的法国电影The Umbrellas of Cherbourg与另一部1967年的法国歌舞片杰作The Young Girls of Rochefort中的色彩美学对本片电影画面深入骨髓的影响。
若不是现代科技与生活元素的提醒，抛开现代剧情，几乎让人错觉这一切故事发生于过去许久的另一个时空。
那方流光溢彩的金，更是LA，那个永远都恍如缥缈梦境一般的西岸城市。
置身其中会觉得呼吸间都是全城逐梦者的激昂叹息，一个离开之后想起会觉得人生中也有过绮梦一场的地方。
我想起两年前，我决定逃离使我倍感憋闷无梦可做的北加州，带上我自己十几个箱子的所有家当，驱车九小时后在深夜到达了LA的新住处。
第二天清晨走在房子前面安静的小径上，那时我所看到的朝霞，整片天空粉紫中泛着金，空气中充满足以麻醉所有初到不安和失败痛楚的清甜。
我一瞬间意识到，这就是LA。
这里的所有一切，无论何处都不会再有，这座城市，绝不能够被任何一处其他地方替代。
它是LA，也叫LA LA LAND。
LA LA LAND让所有逐梦的人相信，此地不可被替代，千万里迢迢来到这里的逐梦人也同样如此。
本片的故事，始于此，却注定源源不绝。
推开窗户是Another Day of Sun, 并无新事。
换一对主角，又必将是在同一片土地上另一番逐梦的全新篇章。
Mia是一个演员。
每一次试镜都是一次足以转变命运的机会，可机遇却与她一次又一次地错肩；Sebastian是一个沉迷爵士乐的钢琴师，梦想着开一家爵士乐酒吧。
而在现实中，只能暂居别人店面的一方琴键前违心地为漫不经心的食客演奏他觉得无比愚蠢的圣诞颂歌。
世界上有一种悲剧是一种人自以为理解另一种人，可他们往往能理解的，只有自己。
可当同一种人遇到一起，幸运的是他们会迅速识别出彼此的属性，很有可能就会爆发欣赏与惺惺相惜。
可危险的是，他们也太过了解彼此的弱点。
他们因为志同道合而相爱，也因为太过了解对方而爆发争执，因为不够了解爱情而失落，最后因为更爱自己而分开。
Ryan Gosling一如既往的好。
他抓得住所有情绪的细节与转折，却毫无矫饰感。
他的感情戏一向无比真挚，痛击人心最柔的软肋，足以让观众痛他所痛，甚至爱他所爱（重点推荐他与米歇尔·威廉姆斯合作的《蓝色情人节》，尤其最后一段厨房分手戏堪称精彩至极）。
另外，他在这部歌舞片中的爵士钢琴演奏非常到位，夜色中与Emma Stone的舞蹈，即使有一些生涩，却落得恰到好处，外加场景的梦幻与镜头的适时推动，依旧看得人热血沸腾。
Emma Stone贡献出了她在大银幕上最精彩的一次演出。
她的银幕角色设定被青春的女大学生框住太久，Mia这个角色对她而言是一次巨大突破。
我看着她所演绎的Mia在LA真实地挣扎与赚取生活，怀揣着成为演员的热望，经受着各种不断花样翻新的挫折。
我看着她在影片中的那些美丽剪影，内心感叹这个角色足以在多年后依然成为她名下演绎过的经典。
而Emma Stone塑造的这个有血有肉的角色，演员Mia，也让我在银幕前掉了两小时的眼泪。
Mia刚对着漫不经心的Casting Director演了第一段台词就被打断，她知道这一次又是徒劳无功，却仍努力对着他们绽出一个微笑；出门时无比愤怒地脱下外套，露出里面衬衫上来不及洗的咖啡渍；Mia愤愤地说，任何再微不足道的事情都可以打断甚至毁掉我的一段试镜；Mia在独幕剧谢幕时发现上座率的冷清，甚至连Sebastian都没有到场支持；吵架分居后的Sebastian在朦胧中接到找Mia的电话，本想随便打发掉，却发现是试镜的电话。
他一瞬间坐起来很认真地问，“Casting?"；Mia在独幕剧票房失利的挫败感中回到父母家，旧日的小房间里摆满了每个做过舞台梦的theatre kids都有的演出照、海报和代表戏剧界的古希腊剧面具 (🎭); 以及Mia在那场最终改变了她与Sebastian彼此命运的电影试镜中，她没有拿到剧本，意外之中临时娓娓道来的一首逐梦人唱段……这些这些，还有更多的场景，身后都有观众在笑。
我却只觉得心如刀绞，泪水一瞬间汹涌而下。
这些细节，通通透露出导演对演员的appreciation。
一切细节还原得无比真实，即使作为笑点，也毫无嘲讽取笑之意。
其实这就是真实的演员生活。
这一点，也让作为演员的我尤为感激。
已经记不清推开过多少次试镜的大门，背着琴谱从雪花纷飞的早春走到酷热难当的烈日，一扇扇门背后的脸孔是什么样的。
微笑的疲倦的严肃的怪诞的面无表情的若有所思的挑剔苛刻的……我全都看过。
微笑问好，向琴师递上钢琴伴奏谱，低声告诉他节拍，确认好之后走到房间中央，走向他们视线的中心，然后闭上眼睛深呼吸。
看着一幅幅面孔上面白墙的某处虚空，逐渐只看到一副我的故事中的面孔。
四周暗下去，远处一束光柔柔打来，这寸方圆只剩我的面孔明亮。
我张开嘴，开始传达早已烂熟于心的唱词。
房间里的其他人都消失，只剩下我，讲述故事。
直到最后一个音符落下。
结果呢？
有人简短直白地致谢，不留任何好与坏的讯息；有人在纸上刷刷地写着什么，询问我更进一步的问题；有当场交头感叹“太好了”的赞许；也有戛然而止的打断，前一刻还打到我脸上的光瞬间灭下去。
没有遗憾。
我没有一次留过遗憾，因为我相信自己的声音。
我已经为你分享了我最爱的一段故事，和独一无二的我。
You take it or leave it. 然后笑着祝他们接下来有美好的一天。
收起琴谱走出大门，把这段经历抛在脑后，直到一封offer在几天后传到邮箱。
从事这一行，永远不该追问太多。
记得每一次第一场演出开场前全身血液仿佛盛载着玫瑰花刺一般的焦灼扎人。
舞台上炙热的射灯足以安抚一切紧张，观众的欢笑与掌声永远比美酒醉人。
而在最末几场演出的后台，我靠着门框几乎快落泪，此番结束又是失业，花了大把时间相处排练的整个剧组所有人又要各奔东西，心中无限落寞。
然后再次重复一切，重新出击面对无数个肯定与更多成倍的拒绝。
演员应该属于这世界上最不急功近利的人群之一，因为每一个在舞台上闪耀的人，花了多少时间磨练准备与等待。
不在意无数个拒绝，因为值得在意的只有肯定。
而电影的结尾也并不那么过分理想化。
这个世界上从来没有失败者，只有半途而废。
这个各自成功的结果，坚守的人值得。
这个行业，永远不会辜负真正有才华并且一直坚持待在圈子里的人。
也正因为如此，这个圈子，来来去去也就那么多人。
音乐在这部片中与电影画面与剪辑完美契合，大量长镜头与运镜结合得行云流水，一切音乐顺着故事情节推动与人物情感自然而然地流淌，完美地在大银幕上表达出人物的所思所想。
唱段只在必要时出现，因此并没有大部分歌舞片备受观众诟病的生硬感。
每个唱段中，重复多次的旋律动听且随着人物故事走向有些许变奏，所有歌词也始终维持在高水准，用词寥寥几笔，真诚简单地勾勒出了影片主题与主人公所面临的境遇，且非常普世。
即使与电影本身分开单独拎出来听，依然是动人的篇章。
看到许多好莱坞影评人说这部电影催人泪下，有多少人借着这部影片哭自己。
她做演员不是为了成名变成万人景仰的大明星；他爱爵士乐不是为了拍照出碟赚大把的钱。
功成名就自然很好，至少可以照顾好自己；实现梦想也值得吐气扬眉。
可最可贵的不是这些。
是逐梦的年轻时光。
是被好奇所振奋得不停练习的日日夜夜。
是在外界不断的拒绝中互相激励扶持的一双手。
是面对质疑与嘲笑的温柔一笑—— I will be great. 是在一片炙热沙漠上建造起浮华残酷的好莱坞，每日都有人黯然梦碎的LA LA LAND。
结局最美的是那一颌首。
互相见证与追忆往昔，然后回归各自一手建立的生活。
点头致意，泪花与微笑共同溶于深蓝夜色，此时无声胜有声。
You see, I made it.Yes, that's marvelous we both made it, even if we did separately.
6 ) 最是重逢一霎那，看到我们错过的人生，具体而微
刚刚看完La La Land（中译名为“爱乐之城”），真是年末的小惊喜。
电影的情节并不复杂，探讨的话题也似曾相识，从思想层面上并没有让人耳目一新，但是在情感的处理上，却非常动人。
从爱情角度讲，其实是一个典型的好莱坞式boy-meets-girl的故事类型。
女主角Mia （Emma Stone）是一个还在到处试镜到处碰壁的准女演员，白天还要去咖啡馆工作来维持生计。
男主角Sebastian（Ryan Gosling）则是一个一门心思想演奏爵士乐的钢琴伴奏师。
两个都不得志的人相遇相爱相互鼓励，度过了短暂的浪漫时光。
故事总要有转折，年轻人不得不成长，白日梦要醒来，生活要出现变化，而这里的变化始于Sebastian签约了一家很火的乐队做键盘手。
这个乐队做的更近于流行音乐，到处巡演，是一份稳定的、薪水可观的工作，但和Sebastian所向往的音乐，想完成的志业（开一家爵士乐酒吧，演奏真正的爵士乐，传达爵士乐的即兴与变化之精神），基本毫无关系。
Mia问他为什么要做这个选择，而Sebastian却觉得他在努力做一个好男人、好伴侣，满足Mia的期待，而Mia对于他成功的不满，是因为他事业有起色了，导致Mia和他相处时优越感降低了，所以才会不满。
俩人那天晚上不欢而散，第二天Mia自编自导自演的戏剧首演（基本没什么人去），Sebastian也因为工作而错过，Mia对自己的事业和爱情都失望到极点。
这时候出现了一个试镜机会，Sebastian说服Mia去了。
试镜之后，Sebastian已经预感到了Mia未来的成功，和即将到来的分离。
影片的结尾，则是五年后各有人生的Mia与Sebastian再度重逢。
影片也可以算做是young adult的成长主题。
YouTube影评人Chris Stuckmann说，很多观众觉得这部电影是一封写给洛城LA的情书，因为La La Land本身也是洛城别称。
但在他看来，这部电影其实一封写给passionate people的情书，写给那些怀有热忱坚持梦想的人。
——这也是我说这部电影在主题上并没有推陈出新的原因。
坚持梦想vs面对现实，实在是一个太老套的话题了，感觉已经被各路文艺作品和鸡汤文章换了八万个角度切入，怎么选都有理由，都可以理解，但让人甘愿去追逐、并为之目眩神迷或黯然心碎的，是一个学名为“可能性”的骗局，是一个标着“what if”的鱼钩，是平行世界里的你我。
追看过同人文的都知道，同人的一大动因就是，what if. 如果你们没有遇到，如果你们早一点遇到，如果你们晚一点遇到，如果换一个时空换一个地点遇到，故事都完全是不同的打开方式了。
而这个电影的结尾十分钟，就是一个完美的“what if”命题作文。
五年后，Mia已经有了自己的家庭，为人妻为人母，事业有所成就，在LA定居。
某个傍晚，和丈夫晚饭后散步，无意间进入一家爵士酒吧，恰好便是Sebastian开的，Logo用的还是当年俩人热恋时Mia给他设计的。
俗套吧，煽情吧，但真的很好哭的。
Mia从Sebastian上台弹琴开始，就恍惚间看到了另一条人生轨迹，Sebastian也一样。
如果，如果当时吻你，当时抱你，如果我当时没有签约乐队，如果我出现在了你的首演现场，如果我陪你去巴黎，我们会不会已经是一对眷侣，是一个宝宝的父母，晚饭散步后来到这家酒吧，看另一个做着音乐梦的人年轻人琴声悠扬，而台下的我们十指紧扣。
看到这一段的时候，我真的一下子想起来我学妹和我讲过的一个场景。
当时她和喜欢的男孩子面临各自东西的毕业，她要回国，而男孩子将去欧洲，俩人都心知肚明没有未来，只有抓紧眼前，一响贪欢。
俩人一起去旅行，去住在大森林里的小木屋里，过几天与世隔绝的日子，各自都已经讲好，回来后便不留遗憾地各奔前程。
可不巧，回来没几天，男孩子生病发烧了，本来讲好再不见面的，他却撒娇耍赖也要学妹来照顾他。
学妹没办法，去陪他，给他煮粥做饭，叮嘱他喝水。
那一天结束的时候，他们难过极了。
学妹跟我讲，”因为我突然清楚地意识到，我所不能拥有的，是怎样的一个未来，是我和他之间怎样的一种可能性。
“那么日常，那么具体，清清楚楚让你看到体会到，你要放弃的，是怎样一种生活。
这比抽象的”我不能跟他在一起了“要让人心痛多了。
La La Land的结尾也是这样一种具体的心痛。
如果说此前的分开只是一种概念，而分开五年后的重逢，却吊诡地让你意识到，不在一起了，分开了，是怎样具体而微的事实，是从此丧失了有你的人生，是你再没有可能成为我孩子的父亲，是我们便只有这台上台下相望一眼的缘分。
怡微写《玻璃之城》的影评，讲到”人生有你一定要走完的缘分“，说这部电影其实就是讲人人都会遭遇的爱的难题，明知早晚会分开，为什么会在一起？
明知再撑一下也许会有未来，为什么就拿不出一分一厘的意志力？
——那么其实，La La Land，讲得也是相似的故事。
没有误会，也没有天灾人祸，但人与人的相守相爱，就是那样难，连吃餐饭都是要珍惜的缘分。
如果我知道我们只有这一小段缘分，我们那样全面又细致地走进过一个人的世界，然后又不带片缕地走出彼此的生命，如果我可以知道我真正放弃的是什么，错过的是什么，——至少，我们曾经在洛城玫瑰色的日落里共舞过，被这城市的璀璨星光照耀过。
感谢有你陪我发梦。
7 ) 悲剧不仅仅是将人生有价值的东西毁灭给人看
犹豫了很久，还是打算写写这部电影。
很久没在豆瓣写影评了，一方面自己忙了，一方面也对今年的电影颇为失望。
在经历了去年的
在
之所以犹豫，无非是一个很幼稚的想法在作祟。
“为什么他们要一言不合就跳舞？
”电影的开场真的让我懵了，甚至后来再听原声碟，都还能回忆起刚进电影院的尴尬。
这份尴尬其实不能怪我，怪就要怪好莱坞现在炒冷饭之多，让我们对类型片越来越适应。
很多时候我觉得，看好莱坞电影变成了吃饭。
当你拿起筷子，看到茄子时，你的味蕾上面就仿佛已经蒙上了一层薄油，里面有着肉沫的香气；当你的筷子夹向茄子时，味蕾上又浮现了豆角的味道，哪怕那盘子里并没有豆角；而当你最终把茄子放进嘴里时，一种“终于放心了的感觉”才浮上心头。
没错，我吃的是肉末茄子。
看看今年的几部佳作吧：今年高分电影的第一阵容，基本上被迪士尼今年井喷式的高质量佳作所垄断。
夸够了我司（咳咳），再仔细一想，真的没有什么好的电影了。
没错，对一部电影的最高赞赏，就是在结尾处黑幕的那一刹那，有一股想要起立鼓掌的冲动。
所以
它像什么电影呢？
很多人说过了，像
但不知道多少人像我一样，看的时候想起了<500 days of summer>。
同样的春夏秋冬又一冬，流逝的都是爱情。
但流逝的都是爱情吗？
所以说，联想有时是害人的。
刚到夏天时，我就确定这一定是一部悲剧。
无论他们两人如何相爱，最后都不会走到一起。
可我跟紫霞刚好相反：我猜到了结尾，却没猜到那盖世英雄，和七色的云彩。
剧情是老套的，你只需要看任何一篇有关键情节透露的影评，就可以知道整个剧情的走向。
其老套程度，跟里面高斯林的座驾差不多，都带着令人难受的年代差感。
很多时候你会质疑导演是不是故意的，让复古的服装、音乐和车辆被一台碎裂屏幕的iPhone带走了气氛。
所以导演甚至没有去处理这些看起来拙劣的漏洞。
在这部电影里，所有这一切只是作料。
有人说得对，这部电影带着浓浓的滤镜感，配上诸多洛杉矶的景色，让你一度怀疑导演是不是请了一堆街头艺术家，连布景的功夫都省略了。
尤其是咖啡馆的戏，从头到尾都吐露出导演的恶意。
浮夸的店员，周围人们的表情，不知道从何而来的世界之窗感的法式风情，都让人觉得过于刻意。
这一切在天文馆升华到了极致。
背景和人物都在极其浮夸且粗糙的特效环境下显得格格不入。
这又跟<500 days of summer>后半段那段动画一样，有人喜欢，有人认为极其破坏意境。
到这里，这部电影充其量算是致敬，像极了今年另一部年代感十足，剧情表现极其糟糕的< Hail, Caesar!>，让人觉得这又是一部导演卖弄情怀的好莱坞系列风情片。
然而，电影之所以保持对电视剧的艺术力碾压，靠的不再是剧情（从
一个小细节：高斯林在餐厅撞开艾玛·斯通，现场一片哄笑，大家心里都觉得，这是个低级的导演包袱；但在结尾处，再次回放同一画面时，却在两人碰触的那一刹那，整个颠倒了剧情，绝妙的配乐（预定奥斯卡）适时响起，带观众进入了另一个可能的未来世界，让人们看到了人们心目中想看到的结局。
戏剧张力：在人们随着导演的镜头结束想象后，像是喝完咖啡后嘴角的巧克力屑沫还没有擦掉，人们还沉浸在那一点点细碎的甜蜜里，却又回到了钢琴上的手，高斯林的尾音，和艾玛斯通的正脸。
当人们以为导演要撕碎一切刚刚建起来的美好时，高斯林终于抬头了。
两人双面交接时，露出了笑脸，音乐随之激昂，用一种交响曲的方式结束了整部幕剧。
而这，就是我没有猜到的那七色云彩。
结尾是好的，两人都有了各自可以拥有的最好的结局。
两人在追逐梦想中失去的只是爱情，他们获得的将是整个世界。
明明是梦想成真的结尾，却带着耐人寻味的悲剧感，这是导演在这部电影里最见功力的地方。
人们都说，悲剧要人生有价值的东西毁灭给人看，那是典型的莎士比亚式悲剧，即人物在生活中的失意，都带着原罪感和命运感，仿佛一切的悲剧都是注定的（当然，注定式的悲剧是人类先天最能接受的悲剧，与宗教的成功有异曲同工之妙）。
但悲剧早已经不再是那样简单的悲剧。
很多人写这部电影的影评都说，这部电影是复古电影，主打怀旧。
有人因此给了高分，有人因此觉得索然无味。
但我想说的是，认为这部电影是复古电影，本身就是一种错误的想法。
且不说怕是第一次有人将洛杉矶这个巨星都市拍得这样小巧，就算单讲这部电影的剧情，在冬去春来又一冬时，就已经超越了大多数爱情剧，人、景、乐三者的结合（两人在特写下的面部张力，爵士乐吧的景调以及交响曲式的音乐），就像是歌剧和舞台剧一样紧密，排练般精准。
这种对电影元素的调度和把控能力，是这部电影得以做到看似复古，实则创新的关键，也是需要影迷反复琢磨的一种数学式的美感。
肉末茄子。
就像之前说的，心里想的是肉末茄子，吃起来才会觉得香。
少部分人对这部电影的差评，在我看来多半来自于此：在观影之前或中途就将它类型化，便失去了品味细节的心理建设。
这是部看重细节的电影，也是讲悲剧拍出新高度的电影。
2016年还有一个月，不出意外，它就是今年最佳。
8 ) 與夢想對立的只是現實嗎？
（本文同步獨家刊登於ViewMovie，如欲轉載請先詢問確認）達米恩查澤雷（Damien Chazelle）這位備受矚目的新人導編，近年遇上了一種有趣的「善意困境」。
意思即：觀眾往往會以一種自認善意來解讀他的片，將這些片的解釋朝向自己更想看見，通常也更善良的方向，令他聲勢大漲。
例如將《進擊的鼓手》（Whiplash）解讀為一位少年鼓手以苦學換來成就的勵志雞湯，或著將《樂來越愛你》（La La Land）解讀為一齣男女主角因為追夢來到洛杉磯彼此相愛，最後又為了追夢而忍痛分開的夢碎故事。
這實在令人費解。
事實上，達米恩查澤雷恐怕是世上對夢想家最苛刻、與善良最無緣的一位電影人了。
他的電影全能在以一種不張揚但不隱諱的異音，來表達他極度偏激的生活剖面──對沒有才能者的否定，與非議。
《進擊的鼓手》便是如此。
這齣故事在勵志故事的線性皮相，屢屢暗示了悲劇的種子，暗示鼓手苦學換來的絕非成就，而是悲劇。
劇中從頭到尾都迴避了此人有無才能的描寫，他苦練的成果究竟是否有他自我感覺如此良好也從未有一位外人肯定，唯獨他的偏執、心魔、把得到老師點頭與公開演出當成藝術唯一成就的瘋狂，被無限放大了。
最後他學業事業雙失，假若又真無打擊才能，他的人生將會多麼悽慘，可想而知。
這種悲劇，何來一絲一毫的勵志成分？
《樂來越愛你》便是這份悲劇觀念的延續。
塞巴斯蒂安（Sebastian）跟米亞（Mia）無法在洛杉磯一舉成名，不止因為現實殘酷，更是因為他們沒有走紅的本錢──他們想做藝術，卻無才也無德。
賽巴斯蒂安成日抱怨人人對爵士樂缺乏認識的嘴臉，正是他對爵士聖地被頂讓給森巴小吃百般奚落近乎歧視的同一張臉；他不允許第一次光臨爵士樂現場的聽眾聽錯任何一個音符，卻容許自己在多次進出的住宅社區隨地按車喇叭只為叫醒一個有手機的女人。
米亞對同居人出入洛杉磯各大派對積極找尋事業合作的舉動不以為然，認為市儈，但當她獲邀影人飯局卻吃到一半為了私事直接站起來一句未說就走人，然後在理應保持敬意的戲院站在銀幕旁擋住所有觀眾視線來找一個有手機的男人。
這倆個人成日希冀全世界尊重他們在意的事物（爵士、表演），卻嚴重缺乏理解體會其他人的世界的雅量，性格大大缺陷。
而一如《進擊的鼓手》，賽巴斯蒂安的前友人辦樂團辦得風生水起卻直到有人出事才勉強找他頂替，米亞屢次試鏡不順而自編自演的舞台劇則乏人問津更無更無好評，這些安排都婉轉暗示了他們的表現並非自認的懷才不遇，而是沒有輝煌到足令外人容許這份缺陷。
然而，靠著與現實妥協，無才無德的人竟然成功了。
僅僅過了五年，塞巴斯蒂安（Sebastian）就有了自己夢寐以求的私人酒吧，米亞就成了自己夢寐以求的跨國明星，只因為他們捨棄了自我與因應自我而生的愛情。
這種安排，正是不該把《樂來越愛你》簡單區分為夢想／現實對立的俗論的原因，捨棄自我聽來如此罪惡，實則不然。
若用結尾那一顆「如夢一場」，與今年故事主題如出一轍、更同為三大影展開幕片的《咖啡愛情》（Café Society）拿來比較便能明白，《咖啡愛情》詮釋的現實是時間推移，令眾人被放在自己不想安上的位置，人不變但立場會變，時光永遠無法回頭。
《樂來越愛你》卻不然，男女主角能獲得一輩子最渴望的成就，正正在於他們人變了，在五年的時間內砥礪出可上檯面的才能、亦或磨掉了自溺自以為的不敬惡習，甚至兩者皆是，來換得造就自己。
換言之，妥協現實讓他們成為各方面都更好的人，才能與品德都是。
只靠犧牲一場愛情的惆惆悵悵，就能換來這一切變化，還會自動變成更好的人？
這才是比美夢成真更大的童話，名為成人童話的童話。
與夢想對立的未必是現實，也可能是另一場夢。
「當掉你的褲子，保有你的思想。
」（瘂弦引詩），《樂來越愛你》將這層關係拉的更為必然，夢與現實的關係成了一座倆頭都是夢的蹺蹺板，男女主角捨棄了一端，另一端就會自動昇空，彷彿命運是能自己決定的，只要妥協就能萬事順利，即使無才無德也一樣。
當然，這一切也許只是巧合。
達米恩查澤雷仍然是鼓勵夢想的，也鼓勵人人追夢，不要把才能與否放在心上，《進擊的鼓手》與《樂來越愛你》中的異音，不過是陪襯而已。
然而，假若如此，則更大的悲劇便會姍姍來遲，因為整齣劇真正與觀眾身處的現實靠攏的只剩一件事，便是那些對爵士樂與電影業的悲鳴。
片中講得很白，爵士即將消音，除非它能轉型；電影確實正在失去活力，中資大舉進駐與老戲院的收場便是證明（這種觀點頗有爭議，不過順其片中氛圍，姑且提之）。
換言之，這不是一齣稱頌爵士不滅、電影不死的號角，這是一首輓歌，一次反動，如同開場那段發生在公路上的百人車陣舞，塞車越是苦悶，步伐就越想跳靈活；秋天越是死沉，讚頌夏天的歌聲就越是深沉。
越大的苦痛只能用越強的歡愉來淹沒。
這就是全片的映照。
在男女主角有緣無份的愛情背後，真正邁向死寂的，是看似造就他們的舞臺本身。
9 ) 严肃影评#18：梦想，致敬，以及绚丽的爱乐之城 – 10/10
（1/18/2017：《爱乐之城》是我心目中毫无疑问的2016年最佳。
因此我后来又写了另外一篇更长的回顾影评，希望能把《爱乐之城》和2016联系起来，讨论这部电影对2016和影迷的意义，希望大家喜欢：https://movie.douban.com/review/8299938/）-
《爱乐之城》—— 纯粹而色彩斑斓的美好音乐剧这个世界上，只有为数不多的导演有能力吸引作为观众的我们进入他们梦中的那个充满个性的世界，让我们能够在短暂的时间里为之着迷。
这也是我们热爱电影的原因，因为在这短暂的时间内我们可以逃离现实，仅仅沉浸在纯粹的快乐之中。
而导演达米安•沙泽勒的新作《爱乐之城》，正是这么一部给人最纯粹的快乐，最色彩斑斓的希望，令人眼花缭乱，而又绚丽美好的作品。
《爱乐之城》在感受完《爆裂鼓手》那让人热血沸腾的疯狂后，相信成为沙泽勒这位新晋编剧型导演影迷的肯定不止我一个。
无论从作为编剧对角色的构造，或是作为导演对演员们演出的调度，还是对终场高潮部分那妙到毫颠的剪辑节奏感的掌控，《爆裂鼓手》都是那么让人惊讶的完美。
我们可以感受到年仅28岁的沙泽勒那应有的年轻创作人野心，却又被那与他年龄和经验（仅第二部长篇导演作品！
）都不相符的控制力所折服。
在我看来，《爆裂鼓手》在充满佳作的2014也是明显的最佳，甚至可以毫无疑问地被称为2010年以来最好的电影之一。
耀眼的创作才华，加上超出同年龄层创作人的掌控能力，不禁让我联想到中生代编剧型导演的代表人物保罗•托马斯•安德森（代表作《不羁夜》、《血色将至》、《大师》等等，均是电影界公认的传世佳作）。
《爆裂鼓手》之于年轻的沙泽勒，就如《不羁夜》之于26岁的安德森一样，是让世界第一次认识他们的扬名之作。
而这次沙泽勒为观众们带来的《爱乐之城》，则像极了安德森带着《不羁夜》的余威所奉上的《木兰花》。
不是说这两部电影的内容有多么的相像，毕竟要对比一部音乐剧和多线性叙事作品是不可能的。
但是如果没有《不羁夜》的成功，安德森也不可能会有那著名的无限预算来制作《木兰花》，更不可能创作出在他自己看来“将是我最好的作品”的集大成之作。
而如果《爆裂鼓手》没有那么深受观众喜爱，相信制片人们也不可能有信心让沙泽勒这个年轻人去执导《爱乐之城》这部他梦寐以求想制作的作品。
毕竟这可是观众们最不喜爱的音乐剧，而且更是没有任何原始素材的原创音乐剧。
看看几年前的《悲惨世界》吧，即便是有着小说以及百老汇歌舞剧的铺垫，却还是在最后的电影作品中有着各种的不尽人意。
更何况新晋导演要在一夜成名之后满足观众的期待，可不是那么容易的。
天才如上面提到的安德森，纵然有着无限的资源也未能完美处理好成功过后紧接着的作品，而昙花一现的例子更是数不胜数。
但在我看来，《爱乐之城》却能满足即便是最挑剔观众的期望。
炫彩，华美，令人感动，让人笑中带泪，这些都是对《爱乐之城》最恰当不过的形容词。
对音乐、浪漫和洛杉矶的情书当我们细数经典音乐剧时，很难想象竟然没有太多的作品能给观众展现洛杉矶的真正面貌。
我们当然可以说《雨中曲》中有着无数的好莱坞电影场景，但它却从来没有把南加州那些笼罩着山岭的朦胧天空和酷热阳光真正展现在观众面前。
当然，它还缺少着比弗利山庄里那些豪宅中让人羡慕的游泳池，以及洛杉矶地区那臭名昭著的拥挤交通。
而这拥挤的交通，恰巧在《爱乐之城》的开场一幕中有所展现。
La La Land，这个并不为人熟知的洛杉矶别称，似乎给人一种奢华欢快的印象，这跟电影中以洛杉矶为舞台的歌唱和舞蹈相得益彰。
《爱乐之城》不仅是对过去经典音乐剧的致敬，也是对音乐和浪漫本身的赞美，更是对洛杉矶这座天使之城的情书。
《爱乐之城》讲述的是米娅（艾玛•斯通饰）以及塞巴斯蒂安（瑞安•高斯林饰）之间的爱情故事。
米娅在华纳兄弟摄影棚里的咖啡店工作，同时失意地参加着各种试镜，一心想完成自己成为好莱坞女演员的梦想。
在电影开端的其中一段歌舞中，我们看到她跟数不清的室友挤在公寓里生活。
她们想方设法说服身心俱疲的米娅去参加派对，那种在电影里看起来豪华却实则空洞无比的好莱坞派对。
但至少她在派对上遇到了被迫弹着无聊圣诞乐曲的钢琴师塞巴斯蒂安，一位追逐着被遗弃的爵士乐，立志要开属于自己的爵士乐吧的年轻人。
他不理上司（当然还是由那个JK西蒙斯饰）的意见，在派对的结尾弹奏了自己编写的歌曲，最终无奈被裁。
虽然当时失意的他对米娅的赞叹感到漠不关心，但他不知道的，却是这首歌曲不仅理所当然地吸引住了同是追梦者的米娅，更重要的是导致了这场将改变他们命运的邂逅。
当然，如果你所期待的是新颖独特的剧情，《爱乐之城》大概不会满足你。
“这两位事业上的失意者，抱怨着看似遥远的梦想互相鼓励，渐渐坠入爱河”，剧情确实就是这么发展的。
撇去爱情不说，追逐梦想，这大概是最能引起观众们共鸣的永恒主题了吧。
“洛杉矶充满着各种追梦的人们。
”沙泽勒这么说道。
而我们也可以真真切切地从电影中感受到他对这些追梦人的赞颂。
但就是有着这么陈旧的剧情和主题，沙泽勒却一点都不忌讳在电影里穿插各种只会在音乐剧中出现的让人瞠目结舌的场面。
比如米娅和塞巴斯蒂安在观看《无因的反叛》后偷偷走进洛杉矶地标之一的格里菲斯天文台，为观众们呈现了一幕违背物理定律，跳跃在星辰之中的舞蹈。
不习惯音乐剧的观众大概会挑刺这不合乎常理的一幕吧。
但音乐剧中又有什么是需要合乎常理的呢？
放下那些死板的逻辑吧，没有人会真的在大街上以歌唱代替正常对话来交流的，但音乐剧的这种形式却总能为观众们带来无尽的喜悦。
导演兼编剧达米安•沙泽勒以及饰演女主角的艾玛•斯通实际上，沙泽勒从来都是一位乐于借鉴前人的学徒。
在接受采访被问道是否需要在制作时为年轻人们对音乐剧的陌生而添加新意时，他这么说道：“经典的音乐剧之所以经典，是因为它们的简朴，是因为它们没有过多的剪辑，是因为它们在选择角色们开始歌唱的时机上那么的真诚。
试着不去强迫某一首歌曲的出现，而让电影中的角色的感情去决定什么时候他们需要音乐。
”这也是为什么电影中的音乐出现得恰到好处，而不是仅仅为了成为音乐剧而充满着各种过分的歌舞场景。
《爱乐之城》中还充斥着对过去辉煌一时的经典音乐剧的各种致敬，包括塞巴斯蒂安围绕灯柱那酷似《雨中曲》的场面。
但这当中不得不提的则是对已故法国新浪潮导演雅克•德米的偏爱。
或许沙泽勒对德米的崇拜已经不是什么秘密了吧，比如他的处女作名为《公园长凳上的盖伊和艾德琳》，而盖伊和艾德林正是德米的音乐剧代表作《瑟堡的雨伞》中的男女主角名字。
而到了本作，沙泽勒更是把《瑟堡的雨伞》中那绚丽华美的色彩重新使用现代的方式展现在了观众眼前。
这当然还包括前文提到那备受瞩目由于塞车而导致的开场一幕，让人瞠目结舌的舞蹈编排以及扣人心弦的音乐迅速让观众进入这部音乐剧的世界，而米娅和塞巴斯蒂安多次擦身而过的场景似乎也从一开始就预示着故事的走向。
但尽管电影中充斥着怀旧与致敬，我们却还是能在不同的小地方感受到原创的气息。
这在如今这个原创作品鲜见的时代显得更加的难能可贵，毕竟我已经记不得上一次非百老汇改编的原创音乐剧电影是什么时候了。
而跟上一部被大众所接受的音乐剧《悲惨世界》相比，或许《爱乐之城》更能打动我的地方正是它的原创性，以及那让观众们更能理解以及更有代入感的故事。
当然，还少不了沙泽勒对音乐，尤其是关于音乐的电影的热爱，因为这在画面上显露无遗。
从某种意义上说，《爱乐之城》像极了昆汀的电影，充满着导演对某类型影片的热爱。
只不过昆汀有让人血脉偾张的枪支和血浆，而沙泽勒则为大家奉献迷人的音乐和歌舞罢了。
瑞安•高斯林和艾玛•斯通间有着神奇而动人的化学效应但除了导演的天才之外，不得不提的当然还有斯通和高斯林的演出。
我们在《疯狂愚蠢的爱》里已经看到过他们两个充满化学效应的合作了，而这次他们的演出更是让作为观众的我们像是感同身受一样关心着他们感情的走向，为他们呐喊，为他们落泪。
他们的关系是那么的甜蜜而又自然，我甚至觉得没有其他的明星能达到这种效果了。
而斯通，继《鸟人》那让人惊讶的精彩表演后，再次展现了过人的天赋。
尤其是她那双大得有点像漫画人物的眼睛，跟音乐剧的欢快和虚幻相得益彰，却又微妙地诉说着她的内心世界。
至于高斯林，在他复出后不仅还没有拍过一部让人失望的作品，更是挑战着各种不同的戏路。
继《大空头》和《耐斯侦探》成功的喜剧演出后，这次他又证明了作为半个音乐人出演音乐剧可以说是游刃有余。
没有了他们两个真诚而打动人心的演出，《爱乐之城》大概只会是一部以华丽的技术和风格让人赞叹的音乐剧罢了。
而尽管他们的歌声和舞姿不可能达到专业水平，沙泽勒的镜头却也能像一个老道的舞伴般指引着他们在合适时翩翩起舞，让他们的表演看起来无懈可击。
美丽的制作与画面，相信影迷们会喜欢的对于为什么他如此深爱着音乐剧，沙泽勒是这么说的：“现在的我们比任何时候都更需要在大屏幕上看到希望和浪漫，需要看到一些只有电影才能做到的事。
而音乐剧作为梦境，作为我们梦的语言，作为一个可以用音乐表达自己，可以让感情违背现实规则的世界，在我看来是那么的简单而美好。
”而这种简单和美好，恰恰是我觉得《爱乐之城》最让人着迷的地方。
《爱乐之城》或许不会是一部在电影历史上被称为杰作的作品，但在各种超级英雄片和续集横行的2016，它的原创性以及敢于冒险让人耳目一新。
更重要的，则是它带给观众们恰到好处的纯粹欢乐。
你可能不喜欢音乐剧，但相信《爱乐之城》会让你忘记身边繁琐的事情，带着微笑走出电影院。
但如果你还是在犹豫是否要喜欢上这部电影，或许剧中的对话可以表达沙泽勒的心声吧。
“你不觉得这太怀旧了吗？
”米娅这么问道。
“这才是重点啊！
”塞巴斯蒂安如是回答。
“那如果人们不喜欢呢？
”“Fuck’ em（去他们的）！
”这么耿直而又才华横溢的沙泽勒，无论他下一部作品是什么，我都一定会继续捧场的。
毕竟如果他真的如开头所提的，像安德森一样将要成为这个世代最为耀眼的导演的话，相信他后面肯定会为大家奉上《血色将至》般的伟大作品的。
就让我们拭目以待吧。
10 ) 爱乐之城观后
年纪大了，已经多年不去影院看片。
今天破例到离家最近的五棵松成龙耀莱影城的杜比影厅，去看了这部呼声很高的，真正宽银幕、环绕立体声的电影《爱乐之城》！
我给它打四颗星。
三颗星给视听制作，给歌舞片样式的完成度。
一个85年出生的年轻导演，对百年电影传统，对好莱坞歌舞类型电影如此热爱与尊重，学习、模仿、创作得堪称精良 。
第四课星，是感谢它唤起了我1986年在美国加州LA做访问学者一年的难忘记忆。
片名LA LA LAND，巨大的银幕里，出色地展现了电影之城洛杉矶的许多著名景地。
特别是那个放《无因的反抗》的电影院，分明是影迷和学子们周周要去的、UCLA学校边的艺术影院—NEWART。
记得在那里，我补上了黑泽明、伯格曼、谷达尔等多少大师的名片经典啊；包括至今人们也很难看到的，让当时所有观众都目瞪口呆的《感官王国》、《楢山节栲》的彩色大银幕放映。
当然不能给满分，因为从哪一方面讲，这部电影都没有什么创新的光彩。
可是它却获得了许多奖，在即将揭晓的奥斯卡奖中获得了最多的提名，肯定也会摘得不少小金人。
可悲啊，这个技术第一，娱乐第一的时代！
最后10分钟太美，跟《妈咪》里那一段令人心碎的幻想未来异曲同工。无尽的深情终究只求得一首歌的时间，与你做完一场梦。现实无非求而不得，电影无非梦与幻。在现实中抱紧电影的梦，梦又何曾不是现实的一部分？
我们都愿意相信，时光倒流给了另一个结局，这就是电影的魅力。它给了我最真的梦，最美的爱情，多愿在电影里长梦不醒。心情很矛盾，既佩服导演拍这样纯粹电影的勇气，又担心电影公映被不识货的人鄙弃。好比当年的《艺术家》，《爱乐之城》也将我带入银幕里欢笑流泪，好一场声影传奇！
说好看的人何止是没看过黄金年代的歌舞片，可以说是没好好看过几部电影。
fuck the dream.
抛开歌舞致敬，就是一个简简单单的爱情片，讲了一点励志而已。然而对于不了解歌舞片的人来说，那些致敬完全不知道，get不到点。
本年度最被高估的片子就是La La Land了 一个八五后导演的野心之作 可惜阅历不足 剧本各种尴尬俗套 各种故作姿态 浪费了两个优秀演员的表演
看了十次都没能坚持看完，歌不行舞也尬，这也能叫歌舞剧？？？
所以布景服装美就是大家都穿成m&amp;m巧克力豆吗｜致敬这么多片但比不上致敬的任何一部也很难得｜作为歌舞片歌不行舞更是差到尴尬，踢踏舞跟雨中曲根本没法比｜作为爱情片我根本没看出来他俩之间有啥好爱的作为一部梦想主题片也丝毫不努力啊！电影结束时我真的起立鼓掌了，因为庆祝终于特么结束了
在脑海里和你过完了一生
＃用光了九叔的25cents买票＃演员肢体僵硬唱跳不好台词dream什么followgiveup的可以再写的烂一点讲太多太直白了没任何美感，所有人的价值观看起来都非黑即白天文台里两个人升到星星的画面真是好难看啊五毛钱的特效剧情cliche不要紧但是其中的细腻情感全被抹灭了反观法国同样cliche的艺术家是有多细腻
音乐、镜头、色彩、服装都不错。但男导演的父权大他者一如既往（）女主哪怕不能继续和男主柏拉图，那女主也没必要去和一个不需要塑造（电影里也确实没有塑造）、存在就是大他者的父系符号结婚生子啊。这种对比凸显不过是丑恶的趣味——非要用一种关系范式体现爱与不爱，典型南泉思维。就好像女主如果在象征界里无配偶，最后十分钟就无法起效，呵。包括“结婚生子”就是至福这种观点我也是真的，，，，配上全程高跟鞋弱役，除了开头夸奖的部分，我的浪漫已经被摧毁得差不多了。最后，因为男女主之间确实是爱，不是角色扮演，这种真正的爱情还是有助于动摇父权资本社会下的爱欲控制的：得到爱情不等于得到一切，不等于侵凌性，爱是当一个人处于不那么匮乏、相对丰盈的状态时，不需要爱、不需要另一个人但仍然选择去爱的结果。理性给三星。
限于两位主角的舞蹈功底和僵硬的肢体表现，歌舞应该表达出的情绪张力不够。满脑子中二的old school is only school思想，以及和周遭的格格不入的男主倒是有点意思，不过高斯林的表演太拘束，人物矛盾也表现的不够深入。结尾和天文馆算是片中最好的两场戏了。
又美又甜又让人心碎，一个“男孩遇上女孩”的俗套故事都能拍得那么有新意，要变Chazelle脑残粉…
平庸至极。歌舞片爱好者的我看傻了。
总有那么一个平行时空里，所有的好事都会实现。例如梦想成真。例如永不分离。
相信若干年后，这还会是一部对我意义非凡的电影。它有对爱情的一切幻想，更展现了电影造梦的魔力。正因为电影，才得以弥补现实的缺陷，正因为缺陷，我们才对爱如此痴迷。
俗套的故事 可是我就爱俗套啊 就像我嘴上说不要 可心里暗搓搓地想被送花很久了 片子的摄影 音乐 用色 还有打光真是一流 有笑有泪 光是那个阳光明媚的开场舞就能让我开心很久了
最后的闪回美妙，也有年轻人审视人生的伤痛。但整部电影的基调相比前作实在是太过平庸，少了真实无奈的张力，充斥着追寻梦想的甜腻。男女主角之间毫无火花，没有纠缠刻骨，只是各自举着梦想的牌子谈了一段轻飘飘的恋爱而已。
其中的迷影成分着实有着难以抗拒的诱惑，但这是否又是电影这一门类已然走向老迈的征兆。想到这点，有点让人灰心。我把它看作是歌舞版的《咖啡公社》。。。
服装一星，天文馆一星，What if一星。不能再多了。复古？不如《大艺术家》。音乐？不如《芝加哥》。歌舞就更别提了。最佳导演…？最佳女主…？