逆仙而上

因为同预期的类型期待并不相称，前半段节奏对于会有点不适，但大概到中段先前铺设的线索开始往回收时，代入的东西便多了不少，开头的几个复杂的镜面调度初看还是会有被震撼到。

但节奏渐进，新鲜感消逝。

明显可以感觉到镜头语言的系统都是源于无比熟悉的大师们，典型就是从老塔到锡兰。

不难看出导演对于欧洲大师长镜头的汲取学习，视觉设计上的风雨水火、桌子上莫名摇撼的物件、手电筒、钟表、蚂蚁、蚊虫……但换个庸俗的词便是“集大成者”，因为镜头语言的系统并不新鲜，从老塔的风雨水火到锡兰本土式的嫁接，甚至《伊万的童年》水井构图以及《三只猴子》里浅焦景深走出的借尸还魂的基本就是照搬。

导演自述是发小真实事件改编，但事件本身悬疑感和惊悚感十足，聋哑人与无言之牛的二位一体到对外部世界恐惧的声音通感都是亮点，但局限于视听。

使得真实事件过于概念为先了，追求电影本体似乎抽象的感觉，忽略了人物情感实的存在。

个人在现场只打了三分，但应该是过于苛刻了，满分十分的话七分肯定是有，推荐适于所有艺术片的影迷。

但个人始终认为创作者本身选择这样的一个创作路径，却没有走的更远更深的话，那只是大师徒子徒孙用剩菜回炉重炒所呈现的一场视听盛宴。

可能跟今天没吃饭有关系，有点坐不住，看到一半就想走了。

但还是坚持看完了。

其实导演的镜头还是很美的，触动的点还是很多的，也确实感觉没看懂，可能跟我没吃饭有的时候看走神了有关系吧。

导演演后谈讲的遗忘是我最近偶尔想的事。

人生中有太多事被遗忘了，可能我选择遗忘最多的是让我痛苦的东西。

可能也不是我主动选择的，是身体的本能。

往自己内心关照在我看来是一个剖心的过程，剖心本身是一个痛并快乐的事儿，就像打个手电筒往自己内心深处照照，看到那些黑黢黢的，长满蜘蛛网的地方，或者是被尘封已久的过往。

那充满了伤害、痛苦、孤独和寂寞。

尤其是看那些不怎么想看的东西，充满了伤疤。

唯一的泪点是结尾处那些回闪的镜头，我似乎看到了电影学院。

那是我曾经呆过的地方，就是生活的回忆。

还是曾经，也就是过去。

这个导演想要告别的过去，轻轻共振了我的过去。

主演的恐惧，也让我想到了我的恐惧。

（不想展开聊，但我发现恐惧都与死亡相关。

）其实很多的镜头都是错位的，主演看到的时空都是交错的。

我在想时空的交错和导演所讲的无法交流是否可以类比。

有没有可能这个世界交流的错位就是时空的交错。

时空就是交错发生的。

导演所讲的创作时他所有的过去和现在在大脑里搅拌，这种炒饭和高度的凝练就是会失真（失帧），所能意会的人少之又少。

看完电影出来等电梯看到在按摩椅和小凳上睡着的人，他们的鞋子脏兮兮的，不知道是工人还是什么人。

总之正常人应该不会睡在那吧，最后出来我还花了4块钱把最后两根糖葫芦买了，本来都走了，又扭头把它买了，尽管我不想吃。

感叹我这同情心。

听不见/说不出的儿子，对世界的认知产生变形，他眼中的世界，如同镜面/水面/玻璃的反射后形成的影像，也类同一个监控录像中呈现的世界，于同一时间敞露出生活的各个侧面。

线性的时间，作为一种空间的隐喻，是人类语言后的思维产物。

当“我”无法说话，“我”的感知超越了线性时间的限制，可以触达任何时空。

因此“我”可以通灵，“我”眼中的世界呈现出似梦的逻辑：不同身份、年龄的人叠加一起，不同场景、画面任意切换，不受到物理时空的限制。

“我”在看到父亲的通缉布告后，回忆起儿时自己几近被父亲溺亡的恐怖往事，摩托车后视镜里的玩水画面突然浮现，而这一视角在后来的追溯中是父亲当时的视角。

儿子与父亲的视角合一，过去的父亲与当下的自己叠影。

电影结尾，喊出“最后的告别”的洗车女人，此前一直是爱慕窥视的工厂女工，此刻却变成不告而别时的母亲。

戴面具的儿子显然就是童年的自己。

在郊野，工厂女工突然变换为幼年妹妹的脸，在这个女性身上，我投射了家庭温暖的渴求？

父亲需要精准的时间来维系精神世界的稳定：手表时间必须与标准的钟表时间对准。

但钟表时间能说是绝对准确吗？

也许校准手表时间的同时也把准确的时间给调错了。

时间乱序正是他发疯的根源。

上课时间没有孩子来上学，时间错乱了；女儿坠井身亡，对他而言时间停滞了。

时间发生错误，世界陷入混乱，精神世界于是崩溃。

电影说手表丢失导致了父亲杀人，但手表不正是他自己丢进了女儿亡故的井里，这是否意味着他主动放弃作为维系生命之本的精准时间，随同女儿一同消失了。

他的世界不再有能够校准的时间。

全面两孩消息的发布，对父亲无疑是打击，让他忆起痛苦的往事，这曾就是他精神病症的根源。

他再次被卷进时间的圈套，他彻底崩溃了。

《最后的告别》电影观后感“看见边缘”之禅宗《十牛图》与荣格谈梦·路小姐观影团20241229岁末年尾，遇见好片，感恩宿命。

此篇读后感中观点很个人，不求认同。

属于遇见喜欢的片子，不吐不快那一挂的。

（多引用和剧透，慎！

） 我曾在课堂上，乐此不疲地与同学分享一个文字游戏，“屏幕(Screen)”与“屏|幕”。

屏是荧屏、显示器或监视器;但，屏也可以是屏风—分隔、阻断我们视线的装置，是屏蔽。

同样，幕是银幕，也可以是帘幕、帷幕……所有让我们看到的所在，间或同时令我们不见;所有显示，间或同时是遮蔽和阻断，电影的无穷魅力，正在于看与不看，可见与不可见。

或许，它也是取代了规训社会的监控社会中让我再度于被看、非人目光的逼视中争夺看并看见的权力的场域和路径。

—《镜与世俗神话-经典电影十八讲》戴锦华 路小姐选片，必属精品。

映前几乎完全没有过多的去看电影的来龙去脉，包括预告，保持一张白纸的心态去看电影，是一种个人习惯。

开篇，第一眼惊艳，水中倒影的视觉语言，完全契合了我这种对于“镜花水月”概念刨根问底的人的High点。

那一瞬间神经回路链接到的是几个大字“掬水月在手”。

对于我这种完全没有心理准备，会遭遇一场什么样电影的人来说，处处都是惊喜。

一滴眼泪没有掉，却被一种巨大的悲伤所淹没。

平静、清冷、悲伤，扼住咽喉的命运之手，牵引着每个人情绪，上演着另一种版本的《活着》。

像我这种人生经历，不足够支撑到100%解读电影“情绪”与细节的观众，通过107分钟的“渲染”，看见应该被看见的边陲/边缘/角落，无形的墙/幕/屏被打破。

这也许就是电影的意义。

这绵长的大梦知其为梦的你啊醒来救助那些迷途的人吧—《明惠上人歌集》分条聊聊此片我个人的高光感点吧：1视角 聋哑人主视角的中国影片，非常少见。

多少电影能让观众在观影途中，静到听见自己的心跳？

出生就在一个完全寂静的世界，那是怎样的孤独？

经书里说的六感眼耳鼻舌身意，对应的六识色声香味触法，健全的人视为理所应当。

那残障群体，又被主流社会看见多少？

记得前阵子有朋友问，“为什么现在大街上很少看见残疾人了？

”看看被各种车辆占据的盲道。

这世上也许没有完完全全的感同身受，但一个社会的文明程度，主要看其如何对待弱势群体。

路，还很长。

2 镜头语言 最适合大荧幕的电影。

反田园牧歌式的农村，《小森林》揭下了面纱，关掉了80%的美颜，呈现了中国农村真实的“色彩”。

因为少了“耳与舌（语言）”，眼识从而最大程度的调动，用极少的台词营造的意识流场景/镜头，引领、启发、探索、支撑了观众“以身入局”，强迫观者调动“个人体验”和“生活经验”，参与一场禅宗开悟式的观影体验，去“经历/体验/感受”故事本身，而不是“被动的”的被告知，“我演/表达的是什么”。

《桃花源记》“乌托邦网游”，导演的意图非常明显，不太相信极少的预算能够在加油站搭建出这样的场景，也许在试着呈现命运索取的同时，Ta也安排了一场馈赠，端看有没有双智慧的眼睛找到并看见。

3 灵气满溢之白牛与方圆（男主）白牛出场，就让我想起《佛教与心理治疗艺术》中提到的禅宗廓庵的《十牛图》。

导演用白牛的不同成长阶段，来呼应/对照方圆不同的人生阶段，并用来作为转场、回溯、梦境的时间锚点，几乎起到了”时钟“的作用，也给出了一个“高于人”的视角。

一个活在过去的男人，和一个厌恶自己过去的女人，彼此在对方身上的需求错位，无论是对逝去妹妹的投射还是找到一个可以放心倾诉不怕背叛的树洞，平行线相交于一点之后，就是无法回头的告别和各说各话的悲凉。

（话说很喜欢监控器直给部分，感觉给观众开天眼了笑）4 符号与隐喻 这个话题可说的就太多了。

男主异父的弟弟的面具和角色设定、孤绝沙洲的身影与雷电、监控画面的贴纸、几次镜像镜头的出现以及最后所有镜面/玻璃的碎裂与永远无法准时的手表。

相信我，映后的交流收获不要更多。

第一个蓝色面具出现在镜头前，我心里自动响起BGM，“蓝脸的窦尔敦盗御马”…赶紧战术性喝一口饮料，强制拉回跑偏的“意识”。

5 万物有灵 苍蝇、蚊子、蚂蚁、牛虻、知了等，看见这些生物别提有多开心。

中国农村版的《万物有灵》，必须单独列一条来表达一下敬仰之情。

想起《阿拉姜色》里特效做出来的蛾子。

「若卵生 若华生 若胎生 若化生（金刚经）」，终于有人在讲人的故事中，注意到这些小生命了。

（此处cue一下《破•地狱》的蝴蝶）6 留白 这部电影有一种东方画的美感，留白处很多。

电影剪辑出来之后，也许就跟原创团队的联系就没有那么大了，但就跟镜头里的绳子一样，另一头牵着的是观众。

而片子之后的生命力，是由这一个个观影的具体的人，延续的。

这也许是所有“艺术品”的命运。

剧情，可以按照各位看官自己的“视角”去解读，导演给了我们机会，允许了每个人（包括我）能够安心的保留自己的“偏见”。

悲观的人看见悲伤，乐观的人看见希望。

允许我用一段荣格谈梦来结尾。

荣格如此評價自己的夢:以前我們認為自我意識產生的種種體驗是實實在在存在的，此夢的目的就是要糾正這種認識，它告訴我們從「另一面」看來，我們的無意識世界是真實的，而我們的意識世界不過是一場夢幻，我們所見到的所謂真實世界都是由一個特定的目標編織而成的，就像一場大夢，只要我們身在夢中，就會覺得它是真的。

這種世界的狀態很像東方所說的幻境。

后记 听说First版本比这个公映版本多了6分钟。

而我昨天刚好看了《误杀3》，同样非常推荐。

原来泰国才可以有佛。

这几天也看完了《鱿鱼游戏2》，那么问题来了：“规则制定者，如果下场玩游戏，那么Ta需要遵守自己制定的规则吗？

”...但Ta要做的，却是尽力去捕捉自己心中涌现的具有重要意义的画面，并敦促人们一个一个去「寻找自己的牛」。

我是谁？

谁是牛？

再继续补充一下，导演的身份、个人经历、影片的获奖、拍摄的台前幕后、团队的各种艰辛和付出，也都是很值得去探索的镜头外的故事。

可以自行拓展阅读。

总之，值得去电影院看的好电影。

至于禅宗的《十牛图》那就说来话长了，有缘再聊吧。

7月28至8月1日，到西宁参加今年的第15届First青年影展，只看了20部竞赛长片中的6部电影新作，当时没有及时地在豆瓣上发表意见及打分，为的是等等影展评委的评价结果。

现在影展颁奖典礼过去了，影展最后的评奖结果似乎与我的见解不大相同，对比一下，似乎可以思考一些问题。

我只看了6部竞赛长片，心里对它们的打分是：剧情片《浊水漂流》四颗星、《裙子剪刀布》三颗星、《一个人的葬礼》三颗星、《最后的告别》三颗星；纪录片《孤注》四颗星、《两颗星球》三颗星。

评委会最终把最高荣誉“最佳影片”、“最佳导演”同时颁发给了影片《最后的告别》，给了《一个人的葬礼》“一种立场”荣誉；《浊水漂流》获得“特别荣誉”。

这和我的判断不大相同，倒是由每场观众现场投出的1.5万张选票选出的“观众选择荣誉”最佳剧情与记录分别是《浊水漂流》、《孤注》，和我的喜爱相同。

再看看一些高校青年学者自发地在First影展中打出的影片评分表：

你看，他们里面对《浊水漂流》、《孤注》、《一江春水》（此片女主获得评委会给的最佳演员荣誉）也都打出了高分；《最后的告别》和《一个人的葬礼》只得了2.8及1.6的及格和不及格分。

最近一篇《青年导演“死于”豆瓣开分》的文章也颇引人注目。

现在在豆瓣上，《最后的告别》和《一个人的葬礼》的得分是7.0（330人次）和5.8（359人次）；《浊水漂流》达到7.8（1043人次）、《孤注》8.2（742人次）。

我没有看过的《一江春水》7.1（491人次），口碑也很不错。

这篇文章指出“豆瓣无罪，而在于我们的评价体系过于单一。

” 对比这些，我并不是在非议本届First影展的评委们的工作。

我体会他们是在坚持以“提倡青年人的创新精神和艺术探索”为原则的评价主张，这和去年评出的两部极具创新、先锋意识的最佳影片《情诗》豆瓣6.8（785人次）及“一种立场”荣誉的《艺术死了》豆瓣7.1（598人次），一脉相承。

此次观影和评价过程，使我想起了41年前，我们第四代导演刚刚出道时的一段往事，更回忆起当时张骏祥老导演的一次演讲《尊重电影的文学价值》！

那是在1980年初春，文革结束后电影局召开的第一次电影创作会议。

会议上放映了被打倒、停拍电影十年的老一代电影人在1979年拍出的新作：《李四光》(凌子枫）、《归心似箭》（李俊）、《从奴隶到将军》（王炎）、《啊，摇篮》（谢晋）、《二泉映月》（严寄州）、《傲蕾一兰》（汤晓丹）、《吉鸿昌》（齐兴家、李光惠）、《北斗》（周予）等佳作，也放映了第四代青年导演当年刚刚拍出的处女作《苦恼人的笑》（杨延晋）、《生活的颤音》（滕文骥）、《小花》（张铮）、《瞧着一家子》（王好为）等，新老导演们对它们进行了热烈地讨论。

结合作品和当时正流行的理论文章《丢掉戏剧的拐杖》（白景晟)、《谈电影语言的现代化》（张暖忻、李陀）的艺术大讨论，时任上海电影局局长的张骏祥老导演，在创作会上做了《尊重电影的文学价值》的长篇发言。

张骏祥导演（1910年12月—1996年）早年毕业于清华大学外国文学系、美国耶鲁大学戏剧研究院；解放前后创作执导过话剧《边城故事》、《万世师表》、电影《还乡日记》、《乘龙快婿》、《翠岗红旗》、《燎原》、《白求恩大夫》等。

他还是一位著作盛丰的电影理论家，专著有《建筑我们的剧场》、《导演术基础》、《关于电影的特殊表现手段》等。

这次的发言后来整理为文章《用电影的手段完成的文学》，在《电影文化》1980第二期上发表。

老导演在发言中对我们青年导演当时正热衷的“长镜头”、“时空自由”、“黑白彩色交错”、“视听意象”等“电影语言现代化”的实践与理论给予当头一棒：电影语言“无所谓现代化及非现代化”，你们今天迷恋的各种“新”手法，都是过去许多国家的电影导演使用过的。

电影，特别是故事剧情片，应该是剧作内容与电影外在形式的相互有机结合。

电影的剧作技巧则是继承了人类千年的小说、百年的戏剧历史创作积累的经验及手法发展而来，因此电影不仅不应该和“戏剧离婚”，还必须与戏剧、文学永远“结婚”！

这篇发言及后来发表的文章曾引起电影界长期的讨论，当时我们年轻气盛，似乎很不服气，反驳的文章、言论不少， 几年、几十年过去了，我们实际上早已接受并赞同了张导演的观点；我也在创作和课堂上反复重复着这一观点。

所谓电影的“文学价值”就是指的电影剧作中的“情节结构、人物塑造、主题提炼”三大核心。

这次西宁First影展获奖的《最后的告别》、《一个人的葬礼》的两位青年导演都在我们北京电影学院学习过，在影像创作上很有才华，富于创造精神及追求魄力！

前者突出的是视觉浅焦点、独特的诗意造型意象；后者刻意使用“狗的视角”，全片无对白、黑白影像；明显地看到他们崇拜的塔尔科夫斯基的《伊万的童年》（1962）、日本新藤兼人的《裸岛》（1960）等经典电影的影响。

但是，除了精致、出色的影像创造外，两部影片的情节、人物叙述均薄弱、凌乱，主题提炼含糊，严重影响了观众的接受度。

时隔41年，我也想向今天的青年导演们再次呼吁或建议：“尊重电影的文学价值”！

尊重就是要学习、了解文学、剧作的重要性，就是要让创作站在“文学的肩膀上”！

你们看看第三代、四代、五代导演的处女作或代表作，多数都是成功的小说和戏剧改编的，如《芙蓉镇》、《早春二月》、《林家铺子》、《黄土地》、《红高粱》、《霸王别姬》等；第四、五代代获金鸡奖最佳影片的《城南旧事》、《野山》、《红衣少女》、《人生》、《老井》、《秋菊打官司》等也是小说改编；我自己留得下去的几部作品《湘女萧萧》、《本命年》、《黑骏马》、《香魂女》等也无不是站在沈从文、张承志、刘恒、周大新等作家的肩头攀登；小说改编或原创电影剧本要有好的电影剧作家出力，《红色娘子军》、《舞台姐妹》、《巴山夜雨》、《邻居》、《孙中山》等，均是因为有功力成熟的剧作家做基础。

现在似乎青年导演自编自导是个时尚。

但是，导演们自己一定要清醒地认识到：“多数导演是没有独立创作剧作的能力的。

”（这是我在导演教学里常说的一句话） 导演的职业造成我们把许多时间和精力花费在找剧本、拉资金、制片、处理合作关系等等繁杂事务活动之上；而且拍片题材不断变化，“打一枪换一个地方”，再聪明、再有才华的导演，也很难像作家或剧作者那样沉静下来，长久地观察、体验、分析生活中的人与事，细致、从容地构思、想象、打磨作品。

所以，建议青年导演们要注意增强自己的文学、剧作素养和技能，要主动依靠小说、戏剧及专业剧作者的力量，使自己的导演创作生涯更加顺畅、长久，少走弯路。

电影的内功与外功都必须具备，只想着自我表达、技艺探索，对情节叙述、人物塑造、主题开掘、类型把控的内功不下功夫，即使可能偶尔获得赞赏、奖项，却很难走向观众及市场。

First近期的一些获奖影片很难成功地走入影院或网络市场的现象，值得研究。

有的青年导演说现在好的作家及小说太少，不像你们八十年代那样繁荣，没得选。

其实，现实可不是这样。

不仅新时期出现的作家们一直在继续创作，如刘震云、余华、贾平凹等最近都有长篇新作问世，中篇小说的新人新作就更多了；至于网络文学中的新作者、新作品更是海量涌现，《琅琊榜》、《庆余年》、《无罪之证》、《隐秘的角落》等成功的网剧就是明证。

而古代、近代、现代中国作家们的著作，如四大名著、明清小说、戏曲；鲁迅、张爱玲、沈从文等等，则更是我们影视导演们永远开掘不完的宝藏。

再说一遍老话，“尊重电影的文学价值”！

拉杂写下的一些感想，仅供拍摄自己的First影视作品的青年导演们参考。

2021-8- 9 北京

现场20人左右无人提前离场结尾掌声都蛮认真旁边大哥看了很久手机在母亲熄灯后离去他哽咽了过程中几次触动父亲患上干净衣裳后望向孩子兄妹俩环抱父亲以父亲视角回忆河边洗澡的开头通缉令故意杀人的后知后觉 熄灯后以为是相拥实际是儿时最后的告别告别了以前 了吗？

ps北方孩子 河南孩子知了 医院 老生弄啥了 农村的蝉鸣 夏日的飞虫 想到白鹤去了 以为会睡着 现场没有在跟着镜头剪辑思考挺有趣的加油～

从看到第一个时移镜头的调度开始觉得《最后的告别》有点像《路边野餐》，后来诗，手表的意向运用也觉得像，但其实它俩天差地别。

说实在的我更喜欢《路边野餐》，因为《最后的告别》太苦了，再加上它的取景地在河南，这个苦对我来说就有点太真实了。

是的，路边野餐在我们河南就是这样的。

开阔的农田取代曲折的山路，诉苦取代谈情成为诗歌，亲人互戕取代黑道纠葛造成死亡。

时间魔法无法营造幻梦只能带来折磨。

除了苍蝇没有生命跳舞。

除了白牛没有生命慈悲。

在那段小时候“洗澡”和长大后泅水的镜头转换里，突然想到，有时候我们很难分辨父母是想教会我们游泳还是溺死我们。

在我生活过的，并不算贫苦的河南地区。

也能感受到父母和子女之间存在过一段微妙的互恨期。

父母觉得孩子是生活的累赘，孩子觉得父母是自己不幸的元凶。

在这段时期里，双方都是受害者，罪在看不到希望的日子。

只是先忍不住的人，会成为悲剧的根源。

我想没有人知道怎么度过这段时期。

但它就是会过去的。

在无数次不可言说和邪恶幻想后，突然有一天就过去了。

导演说片名的意思是为了一段（提了会剧透的所以我就不详说了的）记忆做最后的告别，我觉得片面的意思就是和那种莫名的怨恨告别。

最喜欢的镜头是父亲第一次出场。

在警察刺眼的闪光灯下冰冷沉寂的死物，突然就被还原成了烛火摇曳里沉默寡言的苦命人。

映后私下问了导演，他告诉我选它是因为那个镜头里父亲像在倾诉。

他当然是在倾诉。

方圆由于听不见，所以没有名字，它的存在意味两组关系，一是正常人与聋哑人，即健康与病态的关系，病理既是生理也是精神上的，一是保安与工人，即观看与被观看者的关系。

方圆借摄像头延伸与强化，偏向了视觉，并想象一个正常的世界，一个破碎的过去，一个还有可能的获得爱情的未来。

而他无法告别过去，过去就像父亲忽然闯进森林般闯进它的生命，他误以为的爱情是来自拥有另一个破碎的过去的她，因为他听不见她的倾诉，这是爱还是妥协呢？

他能够逃脱父亲的宿命么，能不像父亲回到痛苦之地结束了自己的生命，烧掉了世俗家庭外的另一个小屋，走向疯魔，其实手表并不存在，可父亲觉得它一直存在，才认为护士弄丢了它的手表，过去像他以为丢弃，却无法丢弃的手表，紧紧缠绕着他。

在回忆中，母亲的脸一直是模糊的，当父亲砸碎了镜子，拒绝观看自己，并进一步逃离现实后，才变得清晰，方圆的生命寄托与叙事重点从父亲转向母亲，而母亲的离开意味着家庭关系的彻底破碎。

那个戴面具的小孩寄托了自己的从前，他的幻想与对亲密关系的渴求在一个雷雨天冲进了现实，影片停留在了这里，他会被当成下一个疯子么？

2024年12月18日，冬天，观《最后的告别》，107分钟的电影，片头片尾交代整个故事，片中交代事情发酵的过程。

看了一场视听语言很“电影”的影片。

影片中我从出生就是聋哑人，父母计划再生一个孩子，作为帮衬弥补。

后来妹妹因为意外溺水早夭，导致父亲精神病情加重，一度要杀死我。

贫困的家庭，去世的妹妹，精神失常的丈夫，聋哑的儿子，这一切导致母亲离家出走。

多年后，我听见一位名叫彩霞的女子说为了家中孩子选择在家找一份加油站的工作，不出去务工了，我想起了一直不能忘怀的有关父母妹妹的往事。

在电影中有这样一个画面。

夏天，父亲在地里蹲着，风吹弯了玉米苗的腰，他拿着放大镜对着蚂蚁照，我在一旁河里洗澡，父亲过来企图溺死我，一旁的牛静静地看着。

这里父亲的内心惊涛骇浪，果然下一秒就展开了行动。

但是呢，这以后的故事呢。

所以说这是一部视听语言很“电影”的影片。

来说说我在电影节放映现场的全过程，真真是一次笑掉我大牙的经历。

如果买票去看电影，遇到看不下去的片子，中途退场是避免进一步恶心自己。

但是出于对新导演处女作，一群有梦想年轻人劳作的尊重，我没有中途退场，也努力去思考作品想表达的东西，但凡有一点用心的设计，我都为导演点赞。

可偏偏遇到的是一群皇帝的新衣，无料却傲慢无礼，张口闭口诗意艺术你不懂，自欺欺人还不允许有其他声音出现的人。

两个小时的电影，前半小时的空镜头是导演自我沉浸在诗意里面，但这半小时时间也太JB长了吧，你不能一直做梦吧，你总得说说你要讲什么吧。

好，然后来了一大段监控视频，主角连续的动作通过监控视角，一个镜头一个镜头的展现出来，刻意连续的运用监控视角给人疲惫感，再大的厂也有监控失效的时候，那剧情是不是还要卡断了。

剧情里出现了几首诗，是电影表现诗意的地方，那LT出镜都可以说是艺术的表达了。

还有桃花源记不是初中的课文吗？

为什么是小学生在读？

男主是聋哑人，其他角色不是聋哑人吧，两小时的电影对话不超过几分钟，为了装深沉而深沉，并不是所有的沉默都是金。

角色的设定不清不楚，男主爸爸正常工作突然间成精神病？

男主因为是聋哑人所以他爸爸就要置他于死地？

女儿意外死去死后给观众看拉棺材盒子进土里盒子都快拉开了且不让别人帮忙的一幕，是创作者内心的阴暗和扭曲吗？

算是很变态了，这几幕真是生理不适到极点，太可怕了。

这是一部不知所以然却又各种标榜文艺的电影，可笑的是在first映后交流会上，观众在交流观后感时婉转的表达出电影存在的不足时，这片的制片人听不得半点观众的客观评价直接来一句：你就不应该来这个影展看电影请你出去！

哎呦喂这么厉害的呀只能听无脑吹捧的话，提意见的话半点不接受？

那来吹捧你的人是不是都是托啊，首先问一句你谁啊？

你是电影节规矩制定者？

我真金白银花钱看的电影，看完你要搞个映后交流会让观众说话么我耐着性子看完提点合理意见还能搞这么一出。

请做戏先做人，礼貌谦逊有艺德可比作品本身更有持久的生命力哦。

我觉得电影展收取的门票你不值那个价，算我都匀给其他片子了哈。