掩不住的阳光

今年戛纳主竞赛唯二黑白影像影片其中一部《盛夏》（另一部是保罗·帕夫利克夫斯基的战争爱情《冷战》）是一部关于音乐、关于人物的电影，一部不那么传记的音乐传记片，讲述了前苏联摇滚先驱级人物维克多·崔在成为旗帜性人物之前夹杂着坚持、反抗与私情的历史与历史再创作。

影片聚焦的并不是摇滚乐迷津津乐道的关于崔的呐喊，也不是Kino主唱创作的艰辛，更不是他面对前苏联政治体制激发的关于公众关于意识形态的反抗。

导演似乎也避开了年代政治的大部分内容，即便不可避免，也尽量辅以音乐之佐料，让对年代的反叛从音乐中表达，再加上在影片中穿插所谓的复古涂鸦式MV，很容易陷入到导演刻意营造的音乐表达中，而一旦涉及到音乐，就关乎情绪了，一旦情绪涌了上来，音乐就别有韵味了，况且这是表达极致情感的摇滚。

所以，这部没有将镜头对准维克多·崔辉煌时刻的传记片，显得那么的不华丽，但限制了抗争，去掉了癫狂，以递进的私人情感为主线的另类摇滚表达，才显得如此美妙。

前苏联摇滚教父维克多·崔维克多-崔1962年6月21日出生在哈萨克斯坦共和国克基乌尔达，父亲是韩裔、母亲是乌克兰人，维克多·崔很小的时候到了列宁格勒，在前苏联国民反抗情绪高涨的那个年代，进入了列宁格勒从此便再也没有宁静恬淡的生活，维克多·崔曾今考上了谢洛夫美术学院，上大学期间的十年，也是前苏联政治体制摇摇欲坠的十年，这期间作为学生，充满对自由向往的维克多开始写歌，创作被当时视为对国家的背叛的从西方流入的摇滚乐，而经历了柔情的Beatles和美国70年代狂放表达自我的重金属、华丽摇滚时期，此时近乎成为自由、反压制、极端人性的摇滚乐顺理成章成为了七十年代末八十年代初前苏联年轻人表达对刻板、形式主义的现实政治的强烈情绪。

维克多·崔因此因为进入了学校领导禁止学生进入的领域被开除出学校，而后他去了一所专科艺术学校上学，并且继续搞创作自己的摇滚音乐 。

维克多·崔《盛夏》描述的就是还在学校，组建“加林和双曲线”乐队时期的维克多·崔，电影中的“加林和双曲线”是由其导师、前苏联摇滚奠基乐队之一Zoopark主唱mike为崔和他的同学打造，而偶然遇见前苏联当代最出色的摇滚乐队“阿科瓦里姆（Akvarium）”的主唱鲍里斯-格列本许科夫，崔的音乐生涯驶上了高速列车，加入摇滚音乐协会，组建了前苏联摇滚史上最伟大乐队之一的Kino，在鲍里斯的支持下，Kino的第一张专辑《45》面世，自此，维克多·崔和他的Kino踏上了反对不自由、反抗僵化教条之路，他用他的摇滚武器引领着前苏联的青年们捍卫爱情友情、对和平的热爱和表达改变、革新的政治诉求。

戈尔巴乔夫曾经亲自接见过维克多·崔，并热切对他说：“改革和人民需要你的力量，我们一起努力吧！

”。

不断的创作和与保守派的对峙几乎充满了崔的摇滚生涯，苏联解体的前一年，也是举世瞩目的俄罗斯红场摇滚音乐节前一年，维克多·崔因为车祸离开了他用短暂一生战斗的人间，第二日，所有改革派的报纸大幅报道一代摇滚先驱的离去，莫斯科的青年人选择阿尔巴特大街作为纪念歌手的场所，在拥挤的阿尔巴特大街，他们找到一面墙，把这里当成永久的祭奠之地，这也是维克多·崔的人面像多见于街头的原因。

人们在维克多·崔之墙前面怀念崔“维克多·崔对我们国家年轻人的意义超过任何政客、名人或者作家。

因为他从来没有说谎，也从来没被收买——他从未改变。

他是唯一一个形象与现实表里如一的摇滚明星，他的人生就像他的歌中唱到的那样，他是摇滚乐最后的英雄。

”激进改革派的《共青团真理报》在维克多离世第二天写道。

附：崔以阿富汗战争为背景的《血液型》：温柔的安乐窝，不过街道在等待我们的脚步。

军靴上面如星光的尘埃……舒适的沙发、格子纹络的沙发套、没有按时扣动的扳机阳光照耀的日子只是在灿烂的睡梦中虽然有付出代价的手段，但我不希望廉价的胜利谁的胸膛我也不想践踏我希望和你在一起，我只是希望和你留在一起不过天上高高的星星召唤我上路我的袖口上记着血液型我的袖口上有我的军号为冲向战场的我祈祷吧 为我祈祷吧不要让我留在原野上不要让我躺在原野上祈祷我的胜利 为我的胜利祈祷吧那年夏天，无关政治影片名字《盛夏》来自是zoopark主唱mike创作的一首歌，然而除了影片的前半段一处河边戏水，盛夏的气息便难觅踪迹了，变革的前夕，社会关系高度紧张，哪里有盛夏，即便人物们穿着短袖露着胳膊，但社会的寒意通过黑白色调无孔不入，与曾经的社会主流格格不入的摇滚乐，如今却是年轻人乌托邦式的信仰，沉浸在摇滚的中央，确实另一种盛夏。

激情四射的摇滚与黑白影像的组合是《盛夏》给人带来的新鲜感，黑白影像的出现往往伴随着年代质感或者将身处纷繁的事物提炼出抽象化的形象，七十年代末八十年代初的列宁格勒，黑白的画面像是导演有意制造一种回忆的氛围将你我囊入其中，周遭社会政治的不安经过黑白色调的磨合棱角也不那么分明了，唯一的火花来自列宁格勒那群看起来像疯子的年轻人和他们虔诚热爱的摇滚乐，70年代是摇滚发展的黄金十年，Queen、Davide Bowie、G N' R、T-Rex等歌手或者乐队让这10年打上了摇滚的烙印，彼时摇滚代表着一种精神，来自心底反叛与自由，而到了分崩离析的前苏联，摇滚乐便不再是它从前的样子，浓郁的政治意味让摇滚更像是武器，年轻人的精神武器，它演奏着红色，怒吼着愤怒，指缝间流淌着革命血液，它撕扯着红色，在好似不堪一击的压抑政体面前予以最有力的暴击。

都说摇滚是资本主义解放人性的产物，倒不如说摇滚是人类本来的样子。

时代大格局下的摇滚像狂风暴雨，而黑白影像中的摇滚却似乎去除了时代，离开了精神指引，从历史长河中剥离出一种抽象的、纯粹的艺术图景，七十年代北美躁动发泄的摇滚风格进入前苏联，黑白凸现了年代质感更是降格了70年代的摇滚表达，是年代诉求，也是狂野与文艺的有效融合，也许那个夏天不像盛夏，但通过黑白，也许世界还是会变得美好。

浸淫在黑白画面中，当突然出现彩色时，那一刻的色彩显得多么的不真实，导演用自己的语言制造了一个黑白的年代，不知不觉，我们的色彩观为之颠覆。

导演应该是想着与那个年代愤怒的情绪背道而驰的，影片开头或许就奠定了这样的基调，摄像机对准人物，随着人物走上旋梯，镜头跟着人物摇向前进的方向，到人物近端，摄像机处于微动态的颠簸中，兼具纪实感与艺术性，镜头美感作用于演奏的摇滚乐，与略显抽象质感的黑白影像合力带来了艺术摇滚的舒适情绪和美感。

影片中可以看到很多这样微动态的镜头、跟随人物的视点，摄影层面的动态表达和黑白图像下相对和谐的摇滚诉求，形成了一种美妙的融合。

三角关系却成了影片的主线影片作为人物传记并没有聚焦维克多·崔成为年轻人精神偶像的段落，而描写那段经历必然会涉及大量政治背景，但离开了反叛、愤怒人还有小格局的成长与情绪；作为关于音乐的电影，成长的得失与情绪的升华离不开音乐，都说歌舞片中的歌舞是情绪的升华，面对开心与失落，谁不愿意扭动几下吟唱几句呢，这是人类本真的表达。

但影片中的MV呢，当乐队一伙人与顽固的老人对峙，但崔与Natacha在巴士上挤出一条下车的路，当Mike回家路上遇到电话亭中的女人，这一刻的情绪表达又是怎样的呢？

一个人如果意识到一系列潜在的运动的全部含义，他的意识中可能就不存在情绪而如果他没有完全意识到这点，那么，一系列运动行为就是不连续的和不完全的，并且他就会体验到情绪，而诗歌和情绪有关。

诗歌来自情绪，诗歌是情绪的一种形式。

而当音乐与画面结合形成音乐录影带，人们可以“看见”音乐，人的情绪似乎随着音乐画面具象物体化了，情绪不再抽象，变得可以描述，这是诗歌做到的，MV也在影片中做到了。

还记得《雨中曲》里的一幕吗，与心爱的人道别后，唐在雨中围绕着灯柱唱跳、挥洒情绪的画面成为了经典，我们很难将这一场景用MV概括，毕竟那存在于电影中，服务于电影情绪，而那时更是没有MV的概念；但如今，MV已是成熟的娱乐产业产品，在MV里讲述故事被称为“电影MV”，音乐是基础，故事是主体，满足人们的视听习惯，但电影里未尝不可尝试融入MV，MV需要以一种方式在电影里体现价值，这种方式似乎是影片里体现的情绪，即故事中的情绪感。

所以影片中所谓的“MV拍法”我更愿意理解为探讨MV融入电影的实验性拍法，颇具诗性，放大情绪，体现了情感。

彩色画面却显得不真实至于故事，在如此体现质感的包装下，无需大格局，无需政治话语，更无需煽动群体意志，也许愿意安稳呆在包装框架里的情节才最合适。

小格局的人物传记《盛夏》是戛纳电影节主竞赛第三场，虽然没有志在拿奖电影那样野心勃勃的模样，但至少足够让人眼前一亮。

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连刷了两遍，确定这部<盛夏>是本年度个人最佳榜单电影之一，关于俄罗斯摇滚教父Viktor Tsoi的传记电影，仿佛看到80年代初的中国摇滚景况，何其相似，最爱片头海滩的那段，激情和音乐创作及梦想的乌托邦。

当viktor抱怨录音设备差，麦克安慰他“当孩子们在走廊唱着你的歌，那才是你的声音”，所有的人涌进棚里和音，他们为创作的音乐争执，如何编曲填词，讨论如何起乐队的名字，你会看到在苏联体制下有这么一群懵懂又执着于音乐不甘于平庸怀有梦想的年轻人，没有音乐流派为自己的音乐定义，但是他们却推动了俄罗斯摇滚乐的发展，影响了后世。

片中Psycho Killer的那段MV涂鸦似处理手法真是棒，类似在片中出现了三次。

演教父的亚洲小哥我一直以为是中国人，特有北京摇滚文青的气质，但结局头发理了眼线描了秒变韩国人，一查果然是个韩国人。

插播一个小花絮：在国外社交平台PO了张此片剧照并抒发了一下感想，未几，收到男主角那位韩国小哥的赞，于是到他帐号去溜达了一下，看到他发动粉丝们为牢中的导演在网上签字请愿，我看了一下已经过了请愿的期限了，无能为力，只能衷心祈祷导演能早日重获自由。

片尾曲

★★★☆☆鏡頭調度不錯 ，火車戲與海邊戲最棒黑白影像的質感不太豐滿 ，穿插的彩色畫面十分漂亮歌曲是我聽過且喜歡的，很好乖寶寶章故事文本單薄到如三幕劇的第一幕 ，格局太小 ，三人的關係描寫不足撐起130分鐘有三場使用歐美歌曲與手繪線條的歌舞片段調度和歌詞渲染力：火車最佳雨天次之公車末座歌詞給了兩人拆夥的伏筆但同前面所述 ：「太少了！

」#夏#鏡象電影

应该算是在FIRST的第一部和最后一部电影了，毫无争议的年度十佳，黑白色调下拥挤的人流，稀薄的氧气，嘈杂的高频喊叫，低频低噪与长镜头污染着80年代的摇滚，那时的摇滚是秘密的，压抑的，不被允许的。

三处超现实幻想用漫画的方式顽皮戏谑，列车上的那一段直接梦回《欧洲特快车》。

在Mike冲向屏幕的那一瞬间我激动的流下眼泪。

他们是一群最自由的人，一丝不挂，奔向焰火，奔向大海像海鸥一样叫喊，他们是一群最真实的人，妻子毫不掩饰对丈夫说着对Viktor的迷恋。

MV式的叙事方式，原声都好听到哭，黑白的色彩主调不卑不亢，这正是80年代摇滚最初的样子，这是摇滚乐对那段历史的宣言，这也是对摇滚乐迷的一记深鞠躬。

看电影《盛夏》（Лето，2018）时觉得奇怪，怎么找了一张东方脸孔来演这位苏联摇滚歌星维克多？

原来 Viktor 姓崔（Viktor Tsoi，1962-1990），父亲是个朝鲜人。

我们这边也同样有个玩摇滚玩出名堂的朝鲜族人，叫崔健。

我对摇滚乐说不上喜欢，但不讨厌，崔健等人有些歌还蛮耐听的。

《盛夏》里面的歌都不是我喜欢的，但这位苏联崔和他的贵人、摇滚前辈麦克（Mike Naumenko，1955-1991）夫妻，三个人之间的感情，反常态地没有搞出个“嬲”字出来，让这部电影很有看头。

只可惜，这两位摇滚明星都如流星般，英年早逝了。

2018.12.18 http://william-ho.lofter.com/post/6c3aa_12c0b87fc

暑假看的俄罗斯某新锐导演的新片 创作者好像把对当时zf竖起的中指隐蔽在所有乐队演出场景中 看演出听音乐不是为了借机宣泄也不是为了寻找慰藉 而是求生存 每一排座椅下按耐不住而抖动的双腿都是对被虚化的政治的蔑视与反叛 是艰难游动在压制环境下的有限自由 被彷徨的人们小心翼翼地享受 只是我以为那种变态般的桎梏只存在那个模糊不清的年代 直到今天看到网上视频中那些女孩子的遭遇 脑中浮现三个字WHY 稍微冷静之后其实觉得 对于发生地点与时间的震惊也不至于惊讶到不敢置信 让人寒心 生在红旗下 摇滚你mb

黑白影像之于苏联摇滚乐是再合适不过的了。

右边这发型真的不要太帅！！！

抛开传奇乐队，就电影本身而言太多的问题，这么好的镜头被用成这个样子，全部极致的广角却并没有营造出距离感或者冷静克制，更多的像是影片的最后一处政治表达“契塔九点，哈巴罗夫斯克和海参崴十点”，这是割裂感，这是在同一国家不同的维度。

在镜头中除了画面质感我几乎看不到在摄影上出彩的地方，既然要用广角那么提炼信息是必不可少的一点，并且摄影是如何植入影片表达的，是如何诉说翻山越岭只为一杯双倍浓度咖啡的年轻人，是如何诉说开放思想和孤独的雨中漫步这样矛盾但共处一室的微妙关系的等等。

导演显然是没有找到平衡点。

再说画面调度，有几处室内的戏还有最后上台演唱的部分，基本还是做到了空间丰富的展现还有人物景观的各种配合变化等等。

其中最棒的一处在磕嗨了的少年从现实跳进想象的海滩的部分，甩掉象征欲望的红色内裤，奔向广袤无垠的蓝色大海，最后消失在一阵海浪之中。

（个人最喜欢公交车的部分）

这一段的MV质量还不错所以在结合故事本身来说，一个三角恋的故事似乎无法撑起带有现实主义和时代表达的主题，并且期间如此多的MV，放在电影里真的太傻逼了！

导演像一个小丑一样在炫耀着自己的技术和想象力，但其实这完全是没有创造力的表现，并且影片除了个别不错的美术布光和影调而外真的没有任何奇观可言。

如果关掉画面只听配乐，感受只会更好。

作为苏联摇滚教父似乎他不是本片主角，主角只是音乐而已。

敬礼其实影片开头还是非常不错的，自由的摇滚乐手和一群正襟危坐的鼓掌机器，好像自由意志和恐怖统治会形成疯狂的时代呐喊，结果导演并没有这样想，或者自己根本驾驭不了，就政治而言基本就是停留在影片开头的几个镜头。

结尾处崔如愿以偿他崛起了，成为了摇滚经典，Mike离开大厅，娜塔莎成为了画面的中心，远景是虚掉的mike的背影，声音是新一代摇滚乐崔的演唱，作为辅助的观众在此时鼓掌欢呼，可掌声欢呼声被消掉了，这个时候三者形成了一种微妙但稳定的关系，Mike 也许不是不愿看到新王加冕，在摇滚的世界中个人情感是主要源动力，任何外界的因素在此已不重要，这一群青年终于在歌声中得到和解与成长。

苏联政权在随后不久也将瓦解。

如果可以我希望所有bb波西米亚狂想曲的人都能有幸看看这部作品我爱死了镜头处理视听语言人物对白画幅音乐剪辑 所有导演风格化的巧思我都爱 奔腾的红色血液 蓝色大海 黑白镜头和蓝色条纹格子衫 情绪定格又流动 流畅得仿佛一块红布所以叙事还有意义吗？

FUCK THE PLOTS! FUCK THE MEANINGS! I don’t even give a damn!我试想过用很多种方式过这一生 谁知讨论艺术和音乐的原旨是我混乱人生的唯一真实 不去探讨两种意义上的meta 只从纯粹的情绪角度出发 我就是世界上唯一的音乐 是柏林墙上开出的野花 我吻我爱我放肆大笑我疯狂捶墙 只因我喜欢 FUCK LOU REED WE ARE T-REX

今年戛纳电影节上有一部金棕榈提名的影片不仅获得场刊高分，口碑更是一路飘红——基里尔·谢列布连尼科夫执导的《盛夏》。

这位导演的作品目前累积尚不算丰厚，但也算影展常客，《门徒》2016年就在戛纳进驻过“一种关注”单元，更早前的《背叛》得到威尼斯电影节金狮奖的提名，以及《尤里日》获2008年洛迦诺金豹奖提名，因此我们不妨将这位蓄势待发的俄罗斯导演归置入值得期待的新锐导演大营。

本片将镜头聚焦于20世纪80年代初的列宁格勒，一群深受西方摇滚乐洗礼的年轻人以蓬勃的创作力与散发着蒸腾热意的无穷精力，把生命投入到摇滚乐的创作中去，并身体力行地演绎着激情与梦想，在禁锢的现实中寻求超然、灵性、自由的世界。

列宁格勒摇滚俱乐部里两代摇滚青年——Zoopark乐队的主唱麦克·诺门科与Kino乐队的主唱维克多·崔在音乐上互相欣赏，并通过前辈提擢，后生接力摇滚精神传承，维克多与麦克的妻子娜塔莎互生情愫。

影片虽然将时间定位于较为敏感的时期——苏联解体前夕的最后“安定”时光，但显然不打算对政体和时局大肆鞭挞，一方面是出于审查与被钳制（毕竟导演由于其经营的果戈里剧场涉嫌挪用公款而被软禁，但真正原因众说纷纭），另一方面则是由于在摇滚外衣的包裹下，三角恋是另一条主线。

也正因如此，影片重点虽落在黑白光影的澄澈和运镜的流畅、调度的娴熟上，叙事却被挤到最稀薄的状态，政治背景近乎虚焦导致叙事近乎平板化，主宰全片的是丰沛充盈的情感流淌，缺点也是一目了然的。

MV式拍法里蕴含的丰富视听语言本片最让人诟病的可能就是“故事单薄无聊，借摇滚之名拍MV”，不无道理。

不过我相信大部分观众会对开场的长镜头跟拍印象极为深刻，从窗口开始手持一路跟随，进入到俱乐部内部、厕所、准备室，扫过乐队群像，最后终于定位于光芒万丈的舞台。

将近三分钟的长镜，交代了时间、地点、人物、事件以及主要冲突等丰富信息，导演对场景内部的调度手法之娴熟可见一斑。

另外几段跟拍麦克上楼梯、进录音室的长镜，亦有同样效果。

对空间的把控调度是本片一大特色，拍摄狭窄的室内场景多为手持，跟随人物行动游弋，紧贴人物的情绪流动，也昭示青年们不无混乱的情感与生活状态。

而黑白光影赋予这种“混乱”以表象上的纯净明洁，仿佛所有的焦虑、不满、抗争都在掌控完美的光线里洗涤了一遍，批判的犀利性也随之削弱，可能这正是导演的意图，借片中角色之口言及：“避开政治，悠闲地讨论虚无。

”动画的加入是另一亮点，不仅使视觉效果的丰富，更是内在情感斗争的外在表现，比如麦克留给娜塔莎和维克多独处的空间，在雨夜里痛苦地思想斗争，唱着Lou Reed《Perfect day》的红衣女人，与逐渐漫画化的雨点一样，最终想象替代了真实。

因此动画部分也指代不可能发生的幻象产物，如火车上摇滚青年们被其他乘客指责为“意识形态的敌人”，因而发生冲突，他们模仿Sex pistols，以臆想中极度夸张的言行对抗令人窒息的现实环境（这一段可能是全片最明显的直击现实之处）。

此时担任打破第四堵墙职责的旁白介入者举牌：“这些都没发生过！

”，这位同行男子直视镜头，打破幻想，有间离效果，还担当着叙事视角的功能，他替代观众出入幕间，恰如基顿式跃入银幕，真实和想象的界限被模糊了。

除了动画，影片还采用彩色嵌入、分屏等花哨手段，一部分彩色配合动画暗示内心戏；另一部分则是主观视点的切换，Zoopark乐队的传记摄影师将摄影界镜头对准乐队时，乐队成员们立刻呈彩色，说明他们的生活在日常中是灰暗失意的，而在有立场选择的素材撷取中是明亮鲜艳的。

三人行的聚拢与分离比起眼花缭乱的视听语言和反复的调度手段，叙事单薄到几乎可算是“没有故事的故事”。

影史上关于三人行的经典之作甚多，如《祖与占》、《戏梦巴黎》、《她比烟花更寂寞》、《情迷六月花》等，都以滚烫的情爱与颇具戏剧化的峰回路转让人过目难忘。

而本片中随性的相处、淡然的离开，婚外恋似有似无、欲语还休，比起他们投入摇滚乐的狂野跌宕，这段三角恋的开启和结束都堪称云淡风轻。

“天空不留痕迹，鸟儿却已飞过。

”彼此的相逢与互赏，在各自的生命里镌刻上记忆。

初次相逢的夜间海滩，涌动着逃离现实钳制的青年们吟唱欢舞，篝火照亮了他们年轻而自由的灵魂，美好的青春肉体在浪潮里奔跑，这是一切故事的开始，这是盛夏的开始。

娜塔莎与维克多就相逢在这片流淌着音乐与风的海滩上，维克多初试啼声、技惊四座，谁能预料到这将是影响俄罗斯摇滚乐坛的传说呢？

黑塞在《堤契诺之歌》中这样写道：“夏日只拍动一下它既短暂又贪婪的金色羽翼，就飞快地逝去了。

”如此描写适合这段褪去道德批判色彩的恋情，以及麦克和维克多辉煌而短暂的生命留存，在盛夏明亮的光线里盛放过后迅疾消匿，如夏日傍晚的霞光散尽，他们所能做的只有记住并怀念，这怀念里渗透了光线的影子，落日的余晖，风的方向，远处海浪的回声。

差点踏入摇滚史上著名“27岁俱乐部”的维克多，显然拥有天赋的吉他演奏技艺与敏锐的社会观察力，他创作的歌词富有生活气息，贴近现实，配以美妙旋律，很难不让人产生好感。

麦克和娜塔莎几乎同时在初次见面就认同了这个年轻人，并逐渐参与到彼此的日常生活中去。

娜塔莎与维克多确认心意是公交车上随着Iggy Pop的《The passenger》，借乘客之口唱出心中荡漾。

麦克对维克多的欣赏，无疑是伯乐式的提携，为初次登场的Kino乐队带动现场气氛，引导他们进入地下音乐圈子，帮助他们出专辑，甚至在娜塔莎直言对维克多的好感后，麦克留给他俩独处的空间……削弱三人之间容易狗血化的情感矛盾，焦点仍是无处不在的音乐，两位在俄罗斯摇滚史上均占一席之地的音乐奇才，因为音乐相逢，也因为音乐而分离。

在T-Rex的《Children of the revolution》过后，矛盾日益明显。

针对heavy metal（重金属）与disco（迪斯科）之间的选择，暴露出麦克和维克多的创作风格截然不同，彼时西方摇滚乐涌入苏联，在“时效”上略有差异——The Beatles、Bob Dylan、Led Zeppelin、The Doors、David Bowie、The Who、Echo & the Bunnymen、Billy Joel……横跨英美60到80 年代，处在勃列日涅夫统治下的青年们从照单全收到细化类别，也是必然的趋势。

尤其是麦克与娜塔莎对Lou Reed的看法争议，亦可折射麦克与维克多的分歧。

分歧在Kino出专辑后的一次小型演出后采访中显露无疑，麦克希望有朝一日能在千人音乐大厅演出，而维克多只愿在小酒吧享受音乐的乐趣——于是，分离近在眼前。

在一段模仿Joy Division的演出中，仿佛重温了那一个个逼仄演出场所内外的心动故事，所有热力四溢的夏日夜晚路灯下影子的重叠，发酵的空气里满是一颗颗年轻灵魂的咆哮，基顿式迷醉地跃入银幕，从而正式消弭脑海中臆想的产物，想象成为现实。

结尾处，成名后的维克多吟唱着“我知道我的树，不会生长超过一周”，在灯影里伤悲而深情地将目光投向那如风消逝的往事，像是与青春告别的回声，像是时代落幕的先声，更像是一语成谶的预言。

这些在夏日繁盛开放过的花朵，很快就要面临冬日的侵袭。

小时候经常听到大爱无疆，不懂什么意思。

如今长大了，还是不懂什么是爱，更别提大爱是否存在。

仔细琢磨，也难以评定爱大不大，但爱确实很广大。

比如今年的戛纳，随着亚洲电影口碑的爆炸，亚洲地区变得异常团结跟兴奋，也不分中日韩了，尤其是我国人民，《小偷家族》得金棕榈奖一事我们比日本还要高兴，就好像是枝裕和是中国国籍。

▲《小偷家族》《燃烧》均在戛纳大放异彩这种大爱无疆说通俗点应该叫共鸣。

共鸣点则是人种，都是黄皮肤的亲故，你拿奖我也开心。

这种共鸣也同样发生在《盛夏》里。

「盛夏」Лето

《盛夏》和中国其实冥冥中构建了联系。

共鸣点在于俄罗斯和中国同为社会主义大国，有着同样严密的集体化生活，同样的领袖个人崇拜。

而另一个共鸣点，是上世纪七八十年代两国共同风靡的摇滚乐。

▲面对小崔这位女同志无法自拔且不说中国摇滚教父是不是崔健，当时他的出现确实影响了那个年代的中国青年，而《盛夏》讲述的是另一个老崔，苏联摇滚教父维克多·崔（Viktor Tsoi）的故事，神奇的是，他是个韩裔苏联人，这也印证了一个道理，音乐无国界。

▲维克多·崔（Viktor Tsoi）当年活在铁幕下的苏联青年们没空考虑史实是否崩塌，经济体强不强大，他们唯一的信仰可能就是风靡资本世界的摇滚乐。

▲万人空巷的莫斯科红场摇滚音乐节，199160年代初秘密流入列宁格勒大学的西方摇滚乐迅速蛊惑了这些生来反叛的青年，即使在政府重力打压下，他们也有渠道购买到磁带光盘，或是凭着热情收听西方电台。

前所未有的刺激感诱发了一大批苏联的摇滚乐队，从前期的学习模仿到后期独立创作，到后期形成苏联特有的“弹唱摇滚”诗歌风格，随之而来的是摇滚俱乐部的兴起。

▲崔早期成立乐队“加林和双曲线”在列宁格勒摇滚俱乐部表演，现实（左）剧照（右）《盛夏》的故事便开始于列宁格勒摇滚俱乐部（The Leningrad Rock Club），80年代前苏联最大的摇滚阵地，它像一个造梦场，凡是在这表演过的乐队，之后都成为了传奇。

俱乐部台上zoopark主唱麦克在热唱，台下观众却碍于管制，只能通过手指挥动和抖腿来打节奏，更别提横幅标语了，即使音浪太强，晃了也会被工作人员撞到地上。

▲蠢蠢欲动的青年们，剧照扑面而来的政治气息让观众误以为这是一部关乎政治的电影，但实际上导演只是把发生过的事如实交待，不管是俱乐部里荒诞的管制，还是火车上中年男斥责年轻人违背主流意识形态，唱敌人的歌，出道前歌词的严密审查制度，全是真实有考据的经历。

因此导演曾说的“没有政治讨论”是完全正确的，他所有的意图都在片尾的那句字幕里“谨以此片献给我爱的人”。

▲剧照抛弃了政治讨论，只留下共鸣感强烈的由摇滚乐包裹着的乌托邦，这些青年在乌泱泱的空气中抱团取暖，在人满为患的集体公寓狂欢作乱，在海边醉酒脱衣，放飞自我尽情歌唱，“我是个懒惰鬼，妈妈，妈妈。

”维克多·崔玩味的歌词点燃了这个盛夏，也开启了成名之路。

▲麦克海边热唱，剧照《盛夏》的网络注解是音乐传记片，但我不这么认为。

它并未把维可多·崔个人放大，而是着重记录这帮年轻人的自由状态和对音乐浓烈的爱。

包括三个主要人物维克多·崔，麦克和他的妻子娜塔莎，他们的戏份实际没差多少，情感上也是如此，尤其是麦克的情感线，作为维克多的伯乐和引路人，在面对自己的妻子坦言想亲吻别人时的内心挣扎，为爱妻完成心愿腾出空间站在雨中的凄凉之景，生活却仍在继续，假装什么都未曾发生，这些戏直击人心。

▲孤独的男子，剧照也许因为导演有着丰富的戏剧经验，他设定了一个能与观众直接对话的角色，这一类角色经常出现在戏剧中，因其可以自由穿梭于戏里戏外，故有着叙事和注解的功能，同时又是全程出现的。

所以在片中几段展示精妙绝伦的想象力的桥段，他让大家出戏看一段MV，最后举牌示意结束。

▲穿梭于戏里戏外，告诉观众“一切都没有发生”导演在画面中加入动画涂鸦，参与的演员虽说音乐素质不太好，但面带情绪随声附和的欢乐画面充满了趣味。

▲想象力与创意齐飞，剧照这几个桥段几乎成为了影片的点睛之笔，导演借用这种方式对政治进行抗议，却告诉他们“这些都没有发生”，受到了戏弄和羞辱的当权者应该都极恨导演却又无处下手。

▲想象力与创意齐飞，剧照散发完想象力，还有数不清的致敬，像前面几个MV致敬了Talking Heads的“Psycho Killer”、Loud Reeds的”Perfect Day”和Iggy Pop的“The Passenger”。

▲致敬梗，剧照导演甚至加入了一段纯致敬伪纪录片段：演员们摆弄造型，再加入手动后期完成经典的专辑封面，像比利·乔尔，披头士、地下丝绒、大卫·鲍伊、T-Rex等。

说白了，摇滚乐就是他们的青春，所以这部电影压根不在乎政治，它承载的是一代人的情怀。

当然俄罗斯当权者可不认情怀二字，在去年7月导演基里尔·谢列布连尼科夫就以欺诈，贪污罪在圣彼得堡被逮捕，并从8月23日开始一直被软禁，多次限制行动自由。

当时《盛夏》还在后期拍摄及制作，同时他在排演一部关于同性恋的芭蕾舞剧《Nureyev》。

▲导演基里尔·谢列布连尼科夫在狱中调皮在当权者眼里他是个惯犯，他曾创作了批评教会，讽刺国家腐败问题的戏剧，歌剧和电影，也因此得到了盛誉。

他被指控贪污至少6800万卢布（115万美元）用于艺术项目的国家资金。

民众普遍认为指控理由相当无力，都清楚这是一次镇压言论自由的行径。

▲戛纳影展，《盛夏》演员用名牌声援导演基里尔的遭遇意外呼应了片中角色的现实命运，维克多·崔在1990年便因车祸身亡，麦克也在1991年因病去世。

影片最后人物的出生年月和逝世时间的出现让人格外动容，它就像是导演钟情地告白，充满着感性。

在戛纳影展上，《盛夏》的制作人说基里尔的创作初心是表达纯粹的爱和自由。

谈政治？

俗了。

《盛夏》并未揭露什么社会黑历史或是政治宣言，有的只是对那段岁月无限的感慨与怀念。

摇滚乐对于普罗大众或许只是一种娱乐，但对于俄罗斯人民来说，它就是爱情，和平，自由。

他们靠它活命，宣泄对现实的不满，反抗对天性的压制。

「最后的英雄」维克多·崔的陨落打击了无数歌迷，人们拒绝承认他的英年早逝，有人甚至悲痛到自行了断，街头小巷纷纷流传着“崔没有死。

他只是出去抽根烟。

”的话语。

导演在最后借用麦克的嘴巴说出“出去抽根烟”那一刻，观众该哭还是该笑呢？

该笑吧，维克多·崔虽已离世，但他的自由意志已经被无数人继承，那场人类史上最疯狂的1991年莫斯科红场摇滚音乐节就是自由意志最好的见证。

▲如同革命运动的演唱会，政府出动坦克镇压，1991一代人的觉醒代表着时代的前进，这一刻，每个人都是英雄。

再回过头缅怀，依旧能看见那年盛夏的夜晚，废木堆积的篝火，伴随着琴弦和歌声，赤裸狂欢的伙伴，这时我们早已告别迂腐的灵魂，驶进前所未见的自由彼岸。

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