宣言

Menifesto：all the solid melts in the air，to put out a menifesto，you must want A，B，C，to formated against 1，2，3.To fly or rage，to shapen ur wings to conquer and seminate little abc or big ABC. To sign，shout，swear，to prove ur no plus outro，to organize pros to form an absolute and irrefutable evidence. I am against action. I am for continuous contradiction and affirmation too . I am neither for nor against. I do not explain，because I hate common sense. I am writing a menifesto，because I have nothing to say. I speak only of myself and since I do not wish to convince.I have no right to drag others into my river. I am olidged no one to follow me. And everyone practice his art in his own way.if he knows the joys to rise like an arrow to extra layers or other joys to goes down to mine of corpos flowers，fertil basels. and Does anyone think they find psychic base common for all man kind. How can anyone expect to put order into chaos to constitute that infinite shape of variation？

MAN

朱利安·罗斯菲德(Julian Rosefeldt)《宣言》(MANIFESTO)共有两个版本，一个是由13个同步播放的视频构成的影像装置作品，另一个则是剪辑过的电影长片版本。

朱利安·罗斯菲德以50多个20世纪里程碑式的宣言为蓝本，重新拼接出13段兼具戏剧冲击和文学之美的诗意独白。

作品在向宣言致敬的同时，对宣言本身能否经受时间的考验，以及艺术家在当代社会中的身份提出了质疑。

在罗斯菲德设计的13个场景中，凯特·布兰切特(Cate Blanchett)塑造了送葬人、主播、朋克女、流浪汉、垃圾焚烧厂工人和家庭主妇等反差巨大的人物形象。

其中，家庭主妇的场景，是由布兰切特和家人（丈夫，儿子们）共同完成的。

《宣言》影像装置作品对展馆和设备的要求比较高，13个屏幕位置都是经过精密计算的，要达到艺术家“十三个单屏互不阻挡”的需求，展览场馆现场需花费不少功夫布置。

《宣言》装置作品最震撼的就是13个高清屏幕在一个特定的时间段，凯特·布兰切特会在每个屏幕上同步开始宣读各个时代的不同艺术家宣言，你可以体验现场13个屏幕“共同发声”的壮观景象，每一次的体验会随着你置身于不同的屏幕位置而有不同感受。

这种有近远有层次有空间感的观赏体验，是和《宣言》电影长片版本最大的区别。

《宣言》影像装置作品屏幕上是没有字幕的，朱利安·罗斯菲德不希望让文字来干扰他的画面构图，图像上有一行字幕和没有是完全不一样的，感受也不一样。

总的来说你可以从装置里面体会到很多从文本生发出去的东西。

《宣言》，美国纽约公园大道军械库展览现场，2016

《宣言》，上海昊美术馆展览现场，2017

是先看过装置艺术再去看电影的。

美术馆的解说和小册子以及十三个屏幕的放置、独立短片之间的联系和区别，这些一起构成了一件展品。

然而电影把顺序打乱，虽然通过剪辑把相似的艺术流派放在一起，但正如序章所说，艺术不应该仅仅是说教。

而电影正好把十二个独立短片各自营造出来的氛围环境完全破坏掉，使片子变得十分的不完整，难以沉浸在其中而且晦涩难懂，全片看下来留在脑子里的只有凯特的精湛演技。

展览给四星，电影二星不能再多了，其中有一星还是给凯特女王的。

个人最喜欢激浪派，演技最高分给流浪汉和主持人那一组。

因为是凯特加一星，否则词汇量这么大的独白可能都看不下去。

具有很强的实验性，想起孟京辉也是爱用这样的音乐，解释名词的概念，全靠演员演技和台词功底撑起来的作品。

观众肯定没法认同这宣言，因为它就在做着自己所否认的事，可以认为导演是在呼吁艺术家做更多真诚、灵性的作品，批判那些为了赚钱，自命不凡，自己都不知所云的伪艺术家。

比起电影确实是适合放在展厅里的“影像垃圾”，但不妨作为一场行为艺术来看，比起没看下去的《歌声不绝》强很多，可以看出拍摄剪辑功力，观众看得懂，是一个比较完整的作品。

我理解的是每个角色的转换都代表着语境，有象征寓言意味，即这话的口吻放在这人在某时的场景很合适，但也不能否认是为了拯救电影冗长单调的内核。

就是不知道大魔王为什么要模仿印度口音有点好笑，以及那个捡破烂的直接演个疯女人就好了，声音实在是不符合老头。

有些台词还是很好的，尤其是字幕组翻译后。

（但是有什么关系呢，大魔王说的话=正确的话）

人人都是独一无二的艺术家，让艺术成为我们抵抗世界的武器。

北影节放映《宣言》，片尾黑屏到结束时，现场出现了几秒钟的沉默，然后观众很犹豫地抬起手，稀稀拉拉断断续续鼓掌，不像别的电影散场时可以听到干脆整齐的掌声。

多少能看出一些不情愿的成分。

可以理解，纵然全程是凯特女神的独角戏，但是依然无法排解此片的晦涩难懂。

先锋的戏剧结构让很多人都云蒸雾罩不知所云，大段大段的让人费解的艺术宣言，以及歇斯底里的梦幻独白更是让人摸不着头脑，说文德斯的电影太文艺晦涩，那么好吧，看看《宣言》，这部电影会告诉你，究竟什么才是充斥着哲学性独白的实验电影，或者先锋艺术。

北影节上，有两部奇怪的电影看的让人有些懵圈，一部是阿巴斯的《24帧》，此片由24张照片特效合成一部电影，放映现场一大部分人对着会动的照片昏昏欲睡；另一部大概就是这部《宣言》，我想主创也许并没有打算让所有人看懂，只要你能听懂只言片语，或者无意间被某句宣言击中从而引发精神世界的山洪海啸，那么也算是功德一件了。

下面是我看完后的一些凌乱总结，算不上宣言，因为不成系统，斗胆拿出来和大家分享。

艺术不必全部真实，但是应该讲真话，应该揭露真相。

艺术反对逻辑、理性、限制，崇尚抽象、感性、自由。

艺术不是剽窃、复制、模仿，而是发现、孕育、原创。

艺术应该关照敏感灵动的柔软内心，而不是物欲横流的冰冷外界。

艺术是个人自我革命的武器，而不是被社会政党或者某个集体利用的工具。

艺术家不光是某个具体领域的匠人，更应该成为那个更好世界发生的先知。

艺术不是死去的过去，或者被过度想象的虚幻未来，而是现在的每一个存在瞬间。

艺术不是某个阶层的专属，不是达官贵人的庸俗消遣，艺术面前人人平等，人人都可以创造，人人都是艺术家。

艺术不是绘画音乐某个领域独有的边界性概念，而是一种无限的流动的不断生长的生存状态，一种激越的毁灭的又创造的存在瞬间。

艺术需要剥离芜杂世界的无聊表象，凿开一成不变的坚硬外壳，直接深入事物最初的本质，让本真的灵魂成为艺术源源不断的源泉。

艺术应该蔑视权威反对体制，反对一切冠冕堂皇的口号或者束缚教条。

艺术不应该有任何界限，无论是政治压迫、经济封锁，或者是僵化的文化体制束缚。

艺术纯粹又不纯粹，艺术伟大又不伟大，艺术存在于在社会人群之中，并且，艺术塑造着人的性格更引领社会发展。

艺术不是金钱的奴隶，不是速度的人质，让利欲熏心的商人和研制脑残发明的科学家去死吧。

艺术应该倡导一种新的价值观引领人类的未来，而不是在小圈子里自说自话孤芳自赏。

艺术不是好莱坞商人的赚钱工具，而是惊世骇俗的法国新浪潮电影。

艺术是酣畅淋漓的做爱，但艺术不仅仅是做爱。

艺术不是冷漠狭隘，不是恐同直男癌，不是铜臭的金钱，不是歧视弱势群体，不是耍酷搞婚外恋，不是装逼的学院派，不是法西斯统治，不是花边新闻明星八卦，不是学者名人胡说八道，不是被强奸的网络，不是犬儒主义，不是带着镣铐舞蹈……艺术只是艺术。

艺术没有程式化的标准，也没有商业与文艺之分，可以流行，可以风趣，可以性感，也可以恶搞，说是一坨光鲜亮丽的屎也行。

艺术从来不介意自己是不是一坨屎，就算它是一坨无人问津的臭狗屎，我们也应该把这坨屎变成一坨五彩缤纷的充满希望的屎。

艺术是一次次潜意识活动的结果，艺术应该改造人的灵魂塑造美的心灵。

每件艺术品都是一场伟大的人类创造，在心灵掀起天翻地覆的革命。

艺术是夜空的星星，不是地上的高楼大厦；艺术是孩子手中的蜡笔，不是商人赚不完的钞票；艺术是情人间的低声细语，不是无止境的工作上不完的班。

艺术是对抗黑暗现实的武器，是治愈世道人心的良药。

艺术不能没有想象力，正因为有想象力，我们才能突破现实界限御风飞行，抵达任何你想去的地方。

艺术属于每个新生儿，在孩子的眼里，世界尚未被物质侵蚀，所以美丽如彩虹，天空没有被残暴污染，所以永远湛蓝动人。

艺术终将带我们穿越现实的束缚，突破生命的界限，走过死亡的深渊，直抵自由之境。

自由，我们永远向往的天堂。

生活中处处是艺术，一切都是艺术，艺术没有边界，宇宙即艺术，所有可以拿来用的，你用心创造出的，都可以称之为艺术。

世界已然无可救药，但是幸好还有艺术。

过去的一切已经死去，过去的艺术限制着艺术的前进，需要抛弃所有虚伪的僵死的束缚的旧艺术，创造一种新的现代美学，让新的艺术诞生于世，多样真实地反映现实世界。

艺术要进步，必须抛弃一切愚蠢的腐朽的教条，义无反顾地向着人类心灵大胆进军。

同时，要敢于破旧立新冒犯权威，哪怕贝多芬、歌德、莎士比亚、波莱德尔、马尔克斯，也不是永远正确永远不可冒犯，大胆踩着他们过去，去创造一种全新的现代感艺术。

艺术必须进行一次彻底的革命，由内而外，从形式到内容，从精神到肉体。

艺术应该革命，因为艺术已经堕落腐朽沉沦，已经到了改变的时候了。

否则，艺术将死无葬身之地，我们将死无葬身之地。

从来没有一个时代像现在这样，拥有这么多改变的无限可能，也从来没有一段历史像现在这样，艺术贬值得如此厉害，在物质和强权面前一文不值。

艺术错位如此严重，所以需要让艺术回到正轨，让艺术重新获得新生。

因此，艺术需要一纸宣言，去正视艺术的尊严与价值。

波普主义、达达主义、激浪主义、未来主义……都是一次次人类艺术史上的伟大尝试，他们不拘一格天马行空，勇敢地踏过人类精神的废墟，在新的战场上插上艺术革新的大旗，即使失败也虽败犹荣。

而现在这个时代，看起来物质丰沛资讯发达，网络化信息化全球化资本化，处处都是所谓冠冕堂皇的发展进步。

但实际上只是资本的进步强权的进步，这样的时代不需要完整独立强大的个人，不需要标新立异的精神，以及天马行空超然物外的艺术，他们需要的只是一个个廉价劳动力，螺丝钉电灯泡一般可有可无，一生被无聊的重复耗尽，鲜活的生命最终沦为毫无存在感的劳动力。

而碎片化的网络时代究竟是在解放个体成全艺术，还是在限制个体毁灭艺术，尚且是一个待解之谜。

所谓艺术宣言，就是破旧立新的先声，开启一场自发的精神革命。

就像《宣言》里说的那样，人人都可以成为自己的艺术家，我们都是独立的个体，浪迹他乡居无定所，用自己的艺术抵抗世界的剥削，从自己身上努力克服这个飞速发展的时代，在这个傻B时代做一个特立独行的艺术家，从自己的身上开启自我革命模式，让每个人都成为真正的自己，让艺术成为最原初的样子，就像我们儿时想象的那样。

只有我们的努力坚持，这个世界才不会永远是一坨狗屎，而会变成一片“精神至上”“艺术至上”的人间乐土。

你的宣言，你的选择。

你可以的。

（一些零散的感想，难免有不成熟之处，欢迎补充交流）

一个电影化的装置艺术，就其本质上而言并不是一部电影。

大魔王一人分饰12角，用现代艺术的语言把现代艺术拆解得体无完肤，看似一场革命实际只剩下虚无，整个作品在我看来更像一个巨大的自嘲。

用我那点可怜的艺术史知识去猜测这些宣言出处中的未来主义、超现实主义、抽象表现主义、构成主义、达达主义、波普艺术等等等等，成为我观影中的最大如果不是唯一的乐趣。

小伙伴一直问我台词和画面之间的联系，我倒是觉得执着于声画之间的表意联系并无意义。

这让我想起之前克鲁格和里希特合作的那本《来自静默时刻的讯息》，同样是画面和文字之间错格的若即若离，作者其实把两者之间的联系交给了观者去创造。

当代艺术一再用自身去证明，诠释已经取代了本质，于是这些来自艺术的宣言（诠释），本身也成为了艺术（或者垃圾）。

这片子大概意思就是叫你别装逼了，静静地看着她装逼就好。

这片子大概意思就是叫你别装逼了，静静地看着她装逼就好。

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这片子大概意思就是叫你别装逼了，静静地看着她装逼就好。

这片子大概意思就是叫你别装逼了，静静地看着她装逼就好。

《宣言》这部作品在德国异常火爆，在汉堡火车站美术馆展出时，展期设定在2月10日到7月10日，但是因为过于抢眼，最终只能从9月延期到11月。

《宣言》的最大的噱头恐怕是凯特女王一人分饰13角的“精分表演”，但看完成片你会发现本片最大的噱头并不在此，而在于大魔头这次成为了木偶，导演朱利安·罗斯菲德借凯特之口，“炮轰”艺术界，大搞特权。

在目前全球化的形态下，很多事情是朝着恶化的方向发展的。

尤其是特朗普上台后，至少我们在欧洲看到，民粹主义开始横行，普通民众普遍受制于资本主义，消费者除了对物质以外对其他都没有兴趣。

在20世纪时有那么多的宣言，为什么现在没有伟大的宣言了？

这正是朱利安创作《宣言》的初衷。

电影以真人虚拟故事去演绎这些抽象概念，当艺术介入生活它又会变得不同。

这一构想无论对导演朱利安·罗斯菲德还是演员凯特·布兰切特来说，都是一次挑战。

对于凯特来说，《宣言》的挑战在于表演形式的妥协，因为比起那些在宏大场景进行演出，本片仅仅将演员囚禁于12个封闭空间。

演员拥有的只是文本，如何在只有文本的情况下，既展现出情景也呐喊出心声，这是一个值得思考的问题。

幸运的是，凯特那浑厚有力的台词念腔以及微妙生动的表情，将生涩的艺术理论表现的惟妙惟肖。

对于朱利安来说，《宣言》集合了菲利波·托马索·马里内蒂、特里斯唐·查拉、卡济米尔·马列维奇、安德烈·布勒东、克拉斯·欧登伯格、伊冯娜·莱纳、索尔·勒维特、吉姆·贾木许等大师的宣言。

这几十位艺术大师主要活跃于一战前后。

宣言内容横跨几百年，在这短短的95分钟内，如何将宣言的力量稳定发挥出来？

好在朱利安用一种拼贴艺术，做到了影像极限，我们看到了一位年轻影像艺术家的野心之举，13段宣言积攒的力量宛如火山爆发，直击人心。

朱利安·罗斯菲德，1965年出生于德国慕尼黑，现生活工作于柏林，是一位德国艺术家和电影人。

在1990年代中期完成了慕尼黑和巴塞罗那建筑学的课程之后他以视觉丰富和精心编排的动态影像作品闻名于世，这些作品多以复杂的多屏装置呈现。

受电影史、艺术史和流行文化史的同等启迪，罗斯菲德运用熟悉的电影修辞将观众带入超现实的戏剧领域，这其中的居民为日常生活的仪式所吞没。

幽默和讽刺用以引诱观众进入被打造的奇怪而熟悉的世界。

朱利安擅于运用丰富的装置艺术与视觉魅力，去结构生活中陈词滥调的仪式。

朱利安深知高级的讽刺都是源于生活，而非设计出的戏剧。

比如2016年他在美国圣路易斯肯普艺术博物馆展出的《美国之夜》，朱利安借鉴西部片风格，将其与当代美国政策变化进行关联。

如作品中出现了奥巴马和小布什的木偶决一死战，两种肤色的人种与西部片中不同种族的残杀，形成呼应，意味深长。

这一点在《宣言》中也有所体现。

艺术家姬内卜·赛迪哈认为：“艺术能帮助你逃离现实、表达政治观点或个人主张，可以帮助你思考，增强感知力，质疑世界，讲述故事，留存并保持记忆的鲜活，挑战既有观念和外部世界。

用诗意的眼光去观察世界，用你希望的方式，去认识世界。

”

只有我们参与其中，去讨论它时，艺术才会对我们敞开怀抱。

艺术也可以是政治语言，它象征权力，就像《自由广场》中那位艺术馆策展人，将自己的社会地位转化成一种冷暴力。

同样，《宣言》也可以视作政治语录。

序言：我在写一份宣言：我不逼迫任何人来追随，艺术领域里人人都能另辟蹊径，只要他感知到愉悦——如箭般飞升，远达天际。

或者另一种愉悦——深入矿井，看遍野尸花，处处痉挛。

会有人真心认为，他找到了全人类的共同精神基础吗？

一个人怎能将无尽无行的混沌加以秩序化？

就凭人？

角色：乞丐：情境主义：资产阶级政治体制正在朽烂，其哲学、文学、艺术全面破产。

而艺术家的角色也在全面变革，我们的艺术是革命期间的艺术，既是对堕落世界的反制，也是对全新世界的先知。

我们高声赞扬革命，视它为生命的唯一引擎，我们赞扬发明家们的灵动。

年轻、强壮、我们举着革命的火把，大步前行。

这个地方，属于反抗的灵魂。

吝啬鬼和享乐者都给我滚。

在这段引用了卢齐欧·封塔纳《白色宣言》、纽约约翰·里德俱乐部《草案宣言》以及康斯坦特·纽文华的《宣言》里，它们统一到一起可以称之为一种变革语言。

比如康斯坦特·纽文华他曾声称“绘画已死”，艺术家应同时具备画家、设计家和工程师的三重任务，彻底颠覆了固有思维对艺术的束缚，包括卢齐欧·封塔纳弄出一个洞，打破画布的空间，创造“一维思维”。

都符合情境主义对思考方式的打破。

同时凯特饰演的乞丐，也可以看作资本主义发达后社会遗留问题的写照。

角色：股票经纪人：未来主义：去他妈的但丁，莎士比亚，托尔斯泰，歌德。

看看我们，我们还没完蛋呢，我们的心永不止步，让神圣电灯的统治慢慢建立吧，为青春，暴力和胆量留出空间。

在一个世纪以前，意大利诗人菲利波·托马索·马里内蒂发表了重要的《未来主义者宣言》，在意大利这个文艺复兴圣地，敢于挑战权威的宣言在当时看来是酒后狂言。

当放置于当代它却毫不违和。

他表达出对陈规思想的厌恶，以及对高科技和暴力的偏执崇拜。

在这一段路中凯特以股票经纪人身份出现，可能是对未来主义苦涩宣言的具象表现。

股票代表着速度与冷暴力，这与菲利波的宣言不谋而合。

角色：垃圾焚烧工人：未来主义建筑：我们不再以教堂，宫室和讲坛的设计者自居，我们应当建立酒店，光廊和直道，很有益的清拆。

让我们铲平丰碑，铺地，台阶。

让我们淹没街道，广场，让我们抬升城市的标高。

我们必须发明并重建它，让城市如船坞般巨大而喧嚣，我们的住宅必如一台台庞大的机器。

汽车、飞机、工业化的城镇等等在未来主义者的眼中充满魅力。

未来主义建筑强调紧迫、运动和抒情。

此情此景，朱利安将镜头对准生活百无聊赖的焚烧工人，她日常的工作是清理垃圾，也可以看作是工业文明盛产的赃物，一个社会微观写照。

同时，电影以凯特漠然无光的脸庞暗示一种陈旧势利。

而她日常工作穿行的楼宇在不断变化，通过这个平凡视角引入未来主义的浮夸理想，反差感处理得很有味道。

角色：建筑师：构成主义：我已自我归零，将自己从愚昧绝望的学院派艺术中解放出来。

米罗的维纳斯，是衰落的一个直观案例。

她并非一个真正的女人，而是一个拙劣的模仿。

米开朗基罗的大卫，是一个畸形。

尽管所有文艺复兴大师都精通解剖学，但他们对于身体的表现上，都没有做到真实。

在构成主义段落中，朱利安充分发挥了他对建筑物观察的敏锐度，例如在科学家一章中，悬浮在凯特头顶的黑色长方体完全仿造了库布里克的经典作品《2001太空漫游》中的“黑石”。

朱利安·罗斯菲德曾说，库布里克、塔可夫斯基在内的电影导演都是他灵感的来源。

“黑石”在太空漫游中承载着深刻隐喻，那是对伟大时间之谜的探索。

构成主义崇尚抽象概念，而用“黑石”表现人与宇宙关系，这一手法可以说是非常抽象了。

因此，当凯特头上巨型黑石悬浮时，导演极简的意图不言而喻。

角色：葬礼主持人：达达主义：达达，眼下仍是一坨屎，但从今以后，我们要拉出五彩缤纷的屎，为艺术的动物园做装饰，以各种迎风招展的领事旗帜。

达达既不是疯狂，也不是睿智，也不是讽刺，达达就是虚无。

前文提到的那些反抗旧思想的运动恐怕都没有达达更具颠覆性。

因为达达是彻底无政府的，他们声称“破坏就是创造。

”将达达主义宣言用葬礼主持人之口表达出来，这已经非常激进了。

一战后人民对社会的绝望，以及对资本主义的不信任催生了达达。

作品中凯特肃穆的形象仿佛是对那些曾经被朝圣的艺术品，进行一场庄严又冒进的葬礼。

通过凯特的演绎，让这场宣言既保持了达达派的愤世嫉俗，又拥有一种诗意的美感。

角色：木偶操纵者：超现实主义：我坚信，对梦境与现实双方的未来解决方案——是将其融为一种绝对的现实，一种超现实。

理性并不创造，形态的创造过程，从属于潜意识。

潜意识——这个宏伟的意象之源，孕育着结构人类本性的各种观念。

潜意识塑造，组合并转化着个人在这一幕中，背景里隐约的警笛声作为引入者，观众看到一系列历史人物被做成木偶，其中包括马丁·路德·金、曼德拉、希特勒、阿拉法特等，几个横移镜头直接串联起浩瀚无边的历史长河。

这一场景与安德烈·布勒东提出的《第二次超现实主义宣言》有异曲同工之妙，社会和政治的激进主义必须与艺术创新相结合——木偶和木偶戏作为一种政治手段，发挥了超越艺术自身的价值。

角色：家庭主妇：波普文化：我要的艺术既政治，又情色，还神秘。

我要的艺术，成长却不自知。

我要的艺术，抽起来像支烟，闻起来像双鞋。

我要的艺术，可穿，可脱，如同裤子，会穿孔，就像一双鞋。

会被吃，就像一块派。

有趣的是，在这一场景中导演设计了一场古板母亲与冷漠丈夫，儿子的吃饭戏。

我们知道，很多导演都喜欢拍人吃饭，尤其是多人聚餐的场景，实际上这是最难拍的情景。

无论在镜头调度还是台词分配上都难以规划。

但就是这样传统的场景才符合波普艺术的定位，因为艺术是生活的艺术，生活是艺术的生活。

艺术并不高冷，每个人都有成为艺术家的可能性。

《蒙娜丽莎》性感神秘的微笑是艺术品，杜尚的小便池也可以是艺术品，当下的艺术取决于你看世界的方式。

角色：女朋克：强硬主义/神创说：我们追求真相，不在外表的实相，而在思维的实相。

我们必须创造，人们不再困与模仿，他会发现，他能丰富世界的模样。

得益于大自然的滋养，他的头脑也滋生出新物象。

一首诗，一幅画，一座像，一艘轮船..我们创造，那是我们时代的印记，力推美学极限。

创造艺术，凭一己之力。

革故，鼎新，过去，我们弃若敝覆，我们活在当下。

在强硬主义段落中，凯特的夸张造型带着微醺的状态，实在是印象深刻。

她游走在酒吧内，大肆宣扬着言论，急于去改变世界。

改革、创新并凭一己之力，这与观众对摇滚乐手的常规想象很贴切。

那些带有狂妄思想的家伙，就像他们皮肤上的纹身一样刺眼。

凯特这一造型恰好迎合了强硬派的精神，从而抛砖引玉引发观众思考强硬主义融合了立体主义、未来主义、达达主义的精髓，同样，它也具备政治先锋派的理念。

神创说提倡地球上一切生命都是由上帝创造的，神对世界万物的改变具有协调性以及美感。

角色：私人派对首席执行官：旋涡主义/青骑士/抽象表现主义：伟大的漩涡艺术万岁。

生活存在于过去和未来，而艺术只存在于当下。

我们站的是真正的当下，而不是矫情的未来或者被神话的过去。

那些天天打着现代旗号的未来主义者，恰恰最矫情。

我们需要人性的无意识，愚昧，兽性，当然还有梦想。

同样受到立体主义与未来主义影响的还有漩涡主义，他反对多愁善感，推崇工业机器的活力，以及各种暴力形式，典型代表是诗人庞德和雕刻家爱泼斯坦。

青骑士这个由艺术家康定斯基创立的抽象学派，对世界的影响非比寻常。

而由康定斯基所绘的《点、线到面》也成为一个经典案例，康定斯基丢弃了繁琐、矫情的装饰，形成独属于青骑士的流派风格。

这和欧洲的包豪斯，美国的抽象表现主义都有相似特性。

角色：舞蹈动作设计师：激浪派/梅尔茨/行为： 日常维护是个烦人的差事，占据了他妈的全部时间，清理台面，洗净碗碟，洗你脚趾，完成报告，校正笔误..现在，我将只做这些日常维护的琐务。

把他们冲进意识里，作为艺术。

所以我称之为艺术的，就是艺术。

毫无疑问，激浪派在建筑、设计、音乐领域都有所建树。

这个发迹于60年代的国际线艺术组织，在全球拥有像小野洋子、约翰·列侬、约翰·凯奇等众多拥趸。

激浪派的思想来源自杜尚和达达，梅尔茨也是，只是没有后者更具开创性的言论。

而行为艺术是在20世纪五十年代崛起，并在当下十分流行的一种艺术形式，艺术家亲身介入作品中，打破了以往封闭的交流模式。

那些看似无趣的生活瞬间变成艺术家手中的画笔，在这一场景中，凯特扮演一位舞蹈家，导演有意强化了她的行动力，这与行为艺术的表现形式不谋而合。

角色：新闻播报员：观念艺术/极少主义：当下的艺术都是伪装。

当一个艺术家在运用概念式的艺术时，就意味着他所有的计划和决策都是预先构思好的。

执行不过是例行公事，预先构思的创意，会成为制造艺术的机器。

与那些打破旧思想的艺术形式不同，观念艺术提倡打破戒律，可以篡改并挪用。

观念艺术家从杜尚的《泉》中汲取了营养，认为只要创造者主观上认为是艺术的东西，都可作艺术品陈列出来。

极少主义又被称为ABC艺术，因为它真正将客观存在放大，与那些简约派相比，极少主义还会强调出事物的物质性。

为了贴合观念艺术的“虚假性”，朱利安在安排这场新闻播报时，特意让凯特同时饰演场内主持人与场外主持人，并在仪表上做了很大改造。

而当播报完毕，观众才发现场外记者淋雨是造出来的布景，所以我们看到的新闻也是虚假的。

角色：教师：道格玛95：吉姆·贾木许“Nothing is original, steal from everywher”（没有什么东西是原创的，所以你可以在任何地方剽窃）

让-吕克·戈达尔：重要的不是取自何处，而是用之何方。

道格玛95：不得加入拍摄地不存在的道具和布景，不得加入音乐，除非是现场本身的音源，必须手持摄影机拍摄，电影必须是彩色的，电影布光是不接受的，禁止进行光学加工和使用滤镜，还有，电影不得包含任何肤浅行为（谋杀、武器等），类型片是不可接受的，还有导演不可署名，这个很重要。

在影片终章导演设计的角色是教师，真是颇为微妙。

可以想象，老师对幼年儿童的教育或许会在其一生中起到奠基作用，因此片尾的重量感不言而喻。

同时，朱利安也毫不避讳自己对电影史中那些著名导演的追随，道格玛95对真实的偏执追随，以放弃技术为前提，回归电影原始状态。

辅助进贾木许与戈达尔的“反原创”，又强调了《宣言》思想的包容性。

在《宣言》中，朱利安对于镜头的调度也很讲究。

慢镜、俯拍镜头缩短观众与艺术作品之间的距离感。

《宣言》与那些摆在博物馆的静物油画不同，它拥有繁盛的生命，而这一切都是影像艺术赋予的奇迹。

侵入感的强烈烘托令观众完全融入到忘我状态，对于艺术家宣扬态度起到了极大帮助。

最后，值得一提的是，当我们阅读20世纪重要艺术宣言不难发现，倡导者几乎均为男性。

这说明男性自身就代表一种权力，那么朱利安选择一位女性来解读13种宣言，自然意义非凡，当然你可以理解为一种潜在的女权象征。

比起那些陈词滥调的所谓艺术精品，朱利安对作品的定位非常明晰且谦卑。

“Nothing is original”也是导演的态度，正如宣言都不是他写的一样。

本文首发于奇遇电影公众号，请勿转载！

“不仅要改变艺术界，它旨在改变全世界。

我们在世界中寻找自我，向世界呼喊出自己内心的不安，我们要重现狂飙突进的时代。

”导演朱利安说。

—— 引言我并不是很懂艺术，但我熟悉我所理解的个人世界，充斥的虚伪，矛盾和永无止尽的贪婪。

这是这个时代，这也是每一个时代。

身处于这样的或者那样的体制下，我们永远都是戴着枷锁前行，我们幻想着有朝一日可以自由的舞蹈，却不得不在第二天早上按时起床去推石头上山。

我们，用我们来欺骗自己，用他们去给他们做榜样。

铸建了一个庞大无比的监狱。

而宣言，大概也算是一种反抗方式了吧。

1.影片中除了情境主义宣言借由男性之口说出，其他未来主义、达达主义、激浪派、超现实主义、波普、极简主义、抽象表现主义等当代艺术宣言都是女性之口说出。

而历史上真正发表这些艺术宣言的都是男性，借女性形象说出充满男性气质的宣言本身就是对于历史上女性艺术家话语权缺失的一种暗讽。

2.情景主义者发表宣言的场景是真实的荒凉，而女性形象发表宣言的场景是繁荣的虚假，场景配上宣言让人感觉极度压抑、造作和浮夸，违和感和不适感挥之不去。

印证了片头字幕所说的“所有当代艺术都是谎言”，即艺术都是虚伪的，抨击了“艺术要求真理不是真诚”这一错误价值取向。

3.影片赞同的是情景主义者的观点（即使人的日常生活重新成为真实生存的瞬间，使日常生活成为艺术。

）真正的艺术只能在发自天性的游戏行为中产生，这分别对应了片头几个成人在玩烟花和片尾孩子们的玩耍，并且这些玩耍场景都是真实的，交流互动的，充满活力的——这才是培育发展艺术的真实情境。

4.影片临近结尾道格玛95的宣言被应用在孩子的教育场景中，一方面是提倡艺术创作要力求真实，另一方面教条式的宣言又扼杀了真实，这也是对当前扼杀了孩子的天性和创造性的教育的讽刺，在这种教育体制下长大的孩子只能成为前人思想的复读机。

5.影片所有的主旨都在开头，后面都对前面所述思想的印证。