盗梦特攻队

Mimi是我今年看过最漂亮的二维女演员，这么说可不是自夸拥有了多么独特的审美，画面很舒服，背景乐也很好听。

在《西班牙公主》在狂奔的火车窗外被拉住，变化出狰狞的面孔咬向心理医生时，我就觉得可能会喜欢上这部作品。

有点意外的是，从前段的追逐戏中我判断这是一部不会出现流血事件的喜剧片，后面心理医生父亲朋友的遭遇，胶卷牵扯出的心理实验，都有点脱离二维剧情，贴向真实呢。

奇形怪状的路人，有病的心理医生，世界名画里藏着的梦魇，神秘的心理学实验，精神分裂的主角……《盗梦特工队》无疑是今年最烧脑有突发奇想的电影，没有之一。

作为一部关于艺术的动画片，电影《盗梦特工队》用将梦境与艺术进行了完美的结合，不到最后一秒，你可能永远分不清神秘是真实，什么是梦境。

以艺术疗法而闻名的心理医生鲁本自己就是一个精神分裂症的患者，饱受世界名画所带来的梦魇所困。

来找他看病的病人，也没一个是正常人：二维平面的纸片人，口无遮拦的4眼名人保镖，到处留名的三眼同性恋黑客，以及偷盗成瘾的杂技演员。

除了医生鲁本及自己臆想出来的侦探兄弟迈克，全片每一个五官对称身材合理的正常人，所有的人都像是毕加索和马蒂斯画中跑出来。

整个故事，在开头和结尾实现了完美串联，可以说全都是医生自己臆想出来一场梦。

在这场梦当中，最大的患者——医生，是一个活在童年阴影下的可怜虫。

为了把医生培养成为艺术家，医生的特工父亲不惜将医生将名画通过插帧的方式藏在医生所看的每一部动画片中，而这些名画最后都被医生结合动画片的故事幻化成一个个谋害他的场景。

也许是为了逃避现实，医生分裂出了一个同母异父的兄弟作为自己梦魇的解密人，分裂出了4个能力特异的病人作为自己寻梦的帮凶。

最终，在集齐了十三副画后，盗贼头子Mimi得到了解脱，医生自己也重回宁静。

本片的导演米洛拉科斯蒂奇本身就是一名画家，通过以毕卡索的立体派风格作为人物造型基础，借鲁本父亲之手将古典主义、印象派、肖像画、写实画甚至是波普艺术放在了十三副给鲁本造成终生困扰的画作当中。

更向《教父》、《盗梦空间》、《东方快车》、《罗生门》等经典电影致敬，每十秒钟就有一个彩蛋，堪称艺术史的《头号玩家》。

部分出现名画原画：爱杜尔·马奈《奥林匹亚》Olympia- Edouard Manet 现藏巴黎奥赛美术馆波提切利《维纳斯的诞生》

The Birth of Venus- Botticelli 现藏于佛罗伦萨Uffizi Gallery 迭戈·德·席尔瓦-委拉斯开兹《八岁的小公主玛格丽特肖像》

Infanta Magarita - Diego Velazquez 现藏于维也纳艺术史博物馆 保罗·高更的《拿水果的女人》

Woman Holding a Fruit- Paul Gauguin 现藏圣彼得堡Hermitage 文森特·梵高《邮差》

Portrait of the Postman Joseph Roulin-vincent van gogh现藏波士顿美术馆 弗兰克 · 杜韦内克《吹口哨的男孩》

The Whistling Boy- Frank Duveneck 现藏于达拉斯美术馆 弗雷德里克·巴齐耶的《雷诺阿画像》

Pierre-Auguste Renoir-Frédéric Bazille 现藏奥赛美术馆 爱德华·霍普《夜游者》

Nighthawks- Edward Hopper 现藏芝加哥艺术馆 安迪·沃霍尔《双面猫王》

Double Elvis- Andy Warhol

《盗梦特攻队》是近几年“彩蛋”电影中极致的异类。

这股风潮我最早的印象是从2012年《无敌破坏王》引用大量经典游戏角色开始，到去年现象级作品《头号玩家》更是证明了这股风潮的巨大市场号召力，中间还有乐高等许多作品也有着较高的完成度。

虽然这些电影也和《盗梦特攻队》一样在“余兴”部分目不暇接，但基本上都是在积极拥抱流行文化元素并唤起熟悉的旧日情怀，甚至连同样引用绘画作品的《至爱梵高》多多少少也不例外，谁又能说梵高如今不是人尽皆知又人见人爱的流行文化了呢？

《盗梦特攻队》则通过一帧一注释般曲折的引用内容创造了一个文本迷宫，炫技式地展现了作者在复杂性上的殚精竭虑，所有文化元素的作者化过程也饱含巨大的精神力。

但它也完全不是《尤利西斯》式的纯严肃作品，恰恰相反，所有庞大都精巧地框套进了一个“猫鼠游戏”的类型片主干中，使得它巧妙的主题不仅在原创文本中，而更是交织在马不停蹄的彩蛋部分。

如此观之这部电影像极了一次史无前例的策展，它自由调配着整个人类文化史上各种形式的伟大作品。

有趣的是“将艺术作品框套进动画”也是片中主角鲁本父亲所做的心理试验。

鲁本的噩梦是从父亲的葬礼后开始，父亲去世后父权的压力仍然延续，他再次面对自己的童年阴影，亟需能有一个和解。

片中有一段闪回，可以看到鲁本父亲从小就以权威姿态要求着遵从他的教育和价值观念，希望他成为艺术家，并以将经典名画剪辑动画的洗脑方式控制着他的童年娱乐。

如果将父权的压迫焦虑和博物馆名画带来的影响焦虑相对位，鲁本父亲将名画剪辑进动画中正如人类将艺术品锁进博物馆，鲁本医者自医的过程如同动画作者对其创作者焦虑的自我疗愈过程。

女主角Mimi解释为何偷艺术品时说：“因为美，不该被锁起来。

”这正是道出这次“策展”的野心。

传统博物馆用画框，用品味，用权威，用各种“锁”将艺术品固定下来，而正如“盗梦特攻队”这一翻译，它正是要“盗”出这些固定下的美梦，让它们再次自由。

这种自由尤其体现在几段恐怖元素鲁本梦境。

比如第五段噩梦是角斗场，不断分裂的《双面猫王》枪杀鲁本，又或者是第八段噩梦，《皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿》在悬崖边上用鞋子塞入鲁本的嘴。

这些名画中的人物在此都不再岁月静好，有些和当时穿插它们的动画片混合，要么成为纯粹的恐怖元素，要么成为裹挟着父权的象征。

片中总共有13幅画，另外4幅并没有具体噩梦场景呈现给观众。

结尾火车车窗上，我们看到鲁本的倒影出现了Mike。

其实Mike只是鲁本的一个梦境，或者说是如《双面猫王》一般的一体两面。

“我不想学着喜欢。

”面对雷诺阿时鲁本曾说的。

鲁本成为了艺术病医生，一定程度上没有如父亲期望那般成为艺术家。

于是，他构想出了一个完全摆脱了父权后的自己。

“我梦见我是两只猫，两只一起玩。

”片头的字卡如是说。

这也正是梦的魅力，梦会给予人们满足，鲁本和麦克都只是在不同视角上试图找寻自己罢了。

而梦境崩塌回到火车的关键点，正是鲁本看到了自己对面放着的杯子中有和麦克家一样的冰块，某种不合逻辑的破绽让梦中人醒来。

最开始的火车上，鲁本在看的《深眠》一书开始了这次深邃的梦境。

而最后的火车上书变成了《欣赏艺术》，“盗梦特攻队”的成员都是他的患者，联系中间“扮演小红帽”的段落，仿佛在证明中间的一切只是鲁本针对睡前手边素材编制的梦境。

但在漫长没有尽头的海上铁轨，再次出现的蜗牛（蜗牛的壳也是螺旋），首尾对称的PCFC231，又都在暗示着某种超现实或者循环的存在。

面对伟大作品不断的人类艺术史，作者自由地引用、排列、重塑，也会思考自身在其中的位置。

这种沉重的负担下，《盗梦特攻队》直面更高的精神主题，它没有用画框用权威用品味将自己固定下来，而是利用多义性和哲学向的精神分析，让动画这种极致灵活自由的艺术形式成为和传统策展相反的载体。

大量作者化的再创作，尤其是偏抽象派的绘画形式，对观众产生了审美间离效果，这是比片中大量艺术史内容更具观影门槛的部分。

但如果观众接受并理解了作者的勇气，这些天马行空的想法落实到类型元素，使动画保持着商业和艺术风格的统一，大量风格化的奇观展示，可谓形式和内容皆百无禁忌。

猛烈新鲜的视觉冲击、名画电影埋梗无数，全方位的艺术动画！

“美不应该被锁起来，艺术是心灵烦恼的钥匙” 高空红高跟鞋、有大象记忆的老妈、拥有三维母亲和一维老爸的二维儿子、贴满邮票的人体快递… 天马行空的想象，耐人寻味的幽默，新奇猎奇的角色和画风，好听的配乐和歌曲，一切看起来那么吸引人！

天马行空的梦境借着动画电影发挥了最大优势

有一种电影，拍出来就是让人膜拜的。

《盗梦特攻队》有点像《至爱梵高》，算是张靓颖《Dust My Shoulders Off》的加长版，电影的剧情主要是靠大量的艺术品串联起来的。

不过，相比其他两者，一个只专注于梵高的作品，另一个只展现了12幅名画，《盗梦特攻队》显然容纳的更多。

电影中不仅有名画，也有很多现当代的艺术品，还截取了不少电影的元素。

总之，《盗梦特攻队》的信息量很大，画面异常饱满，随便按个暂停，构图元素色彩估计都能分析上一阵子。

就连墙上随便画的涂鸦，都是“存在即是合理”，如若你把它想得太简单，这个彩蛋就注定要错过了。

就比如这个涂鸦，在电影中出现了两次，但还是很容易让人“视而不见”。

第一次一闪而过，怪不得自己；第二次持续时间虽然长，但是注意力全在汽车能不能逃出隧道了，确实没怎么留意。

这个作品，取材自戈达尔1975年的电影《第二号》。

我去！

这谁能看出来？

你以为导演是在开玩笑，不过很显然，电影中这种例子太多了。

下面就简单罗列一些电影中出现的艺术品，除了个别作品，其他都是按照电影播放的顺序罗列的。

电影重点提到的《夜游者》、《玛格丽特公主》、《维纳斯的诞生》等13幅知名画作，就不再说了。

画面中间这两个游客，出现在很多场景里，感觉像是美国超写实雕塑家Duane Hanson的Tourists Ⅱ（1988）。

不过，在电影进行到一半的时候，有一个镜头明显借鉴了这个作品。

推着童车女人的两条腿，借鉴了波普艺术家艾伦·琼斯（Allen Jones）的Wet Seal（1966），他的作品受成人杂志的影响比较大。

下面这个镜头，借鉴了马奈的《女神游乐厅的吧台》（1882），现藏于英国伦敦大学科陶德美术学院。

栏杆上的海报，貌似是梅里爱的《月球旅行记》(1902)。

缝纫机的女人，借鉴了阿根廷超现实主义艺术家Leonor Fini的La Machine a Coudre（1978）。

下面这个镜头借鉴了《阿波罗与达芙妮》，同题材油画和雕塑的版本都太多，不太清楚具体指的是哪一个。

画面中的女人，借鉴了维米尔的《倒牛奶的女佣人》，是他1658年至1660年创作的油画，现藏于阿姆斯特丹国立美术馆。

墙上挂的那副画指的是德加的Two Dancers Relaxing。

T恤上印着的惊恐人头，借鉴了挪威画家爱德华·蒙克《呐喊》，一共有4个版本。

左侧女人腿模样的台灯底座，借鉴的是前面提到的艾伦·琼斯。

右侧的雕塑借鉴的是洛奇雕像（Rocky Statue）。

这个应该是，穆布里奇研究马的动作时，做实验的镜头。

当时，他在跑道上摆了12个相机，当马飞奔而过的时候，依次按下了快门，把照片叠加播放就是这样的效果。

墙上这些匕首、剃须刀之类的，应该是科瓦尔斯基留来做纪念的，不过引用的都是真实存在电影名称，像《第一滴血》、《惊情四百年》等，连上映的年份都一样。

下面这个拍死蚊子的镜头，有点像蝙蝠侠。

拜拜·乔扮演的是“思想者”，法国雕塑家罗丹的作品。

下面这个镜头很明显是《草地上的午餐》（1863），法国印象派画家爱德华·马奈的作品，现藏于巴黎奥赛美术馆。

这幅画还出现在了，后面的一个T恤男身上。

鲁本老爸等放映室简直就是个宝藏，墙上的海报指的是，保罗•威格纳的电影《布拉格的大学生》（1913）。

画面左上角的海报，指的是G·W·帕布斯特的电影《三便士歌剧》（1931）。

画面最右侧的贴牌，指的是Max Skladanowsky和Emil Skladanowsky导演的《摔跤手》 Ringkämpfer (1895)。

这个镜头让我想起了，《权利的游戏》第四季中，红毒蛇被魔山挖眼的镜头。

下面这个镜头，借鉴的是摄影师安德烈·柯特兹的The Fork（1928）。

拜拜·乔摆弄着自己碗里的躺，模样有点像抽象派蒙德里安的作品。

瓶子上印着的画，指的是“青铜时代”雕塑，罗丹的作品，现藏于法国卢森堡国立博物馆。

这个镜头，借鉴了爱德华·霍普的New York Office（1962）。

有点像形而上学画派乔治·德·基里科的The Enigma of the Hour（1910）。

下图左侧，有一个希区柯克的剪影，算是一个彩蛋。

画面中后背景的雕塑，借鉴了达·芬奇在1487年前后创作的世界著名素描“维特鲁威人”。

画面最右侧的墙上有一幅画，是前苏联艺术家Nina Vatolina的Ne Boltai（1941）。

中间上侧是Republic of Councils Monument（1969），中间下侧是“大卫雕像”，右侧是“工人与集体农庄女庄员”（1937）。

这幅照片，借鉴的应该是斯皮尔伯格的《大白鲨》（1975）。

下面继续回到，鲁本老爸的宝藏放映室。

画面最右侧，墙上挂着的海报，指的是约瑟夫·冯·斯登堡的《蓝天使》Der blaue Engel (1930)。

在电影胶片中剪入其他电影的镜头，让人联想到了大卫·芬奇的《搏击俱乐部》 (1999)。

右侧墙上这幅海报，没看错的话应该是安德鲁斯姐妹的歌曲"Bei Mir Bist Du Schön"。

画面中央的海报，指的是弗里茨·朗的《玩家马布斯博士》Dr. Mabuse, der Spieler (1922)。

这张画面中部的海报，是自己非常喜欢的《卡里加里博士的小屋》（1920），由罗伯特·维内导演。

画面中部偏右，指的是G·W·帕布斯特《潘多拉的魔盒》Die Büchse der Pandora (1929)。

波普艺术展上的作品是最多的，画面左上方指的是Mel Ramos的Hippopotamos（1967）。

画面右侧的涂鸦墙，借鉴了黑泽明的《罗生门》（1950）。

画面左侧背景中的“大拇指”，是法国雕塑家恺撒·巴尔达西尼的Thumb（1965）。

画面左上方指的是斯图尔特·戴维斯的Switchski’s Syntax（1961）。

画面左上方是Tom Wesselmann的《第一号吸烟者(第12号嘴唇)》 Smoker，1 (Mouth，12)（1967），中部下方是罗伊·利希滕斯坦的作品Sunrise（1965）。

最左侧是Richard Lindner的ICE。

中间是罗伊·利希滕斯坦的M-Maybe（1965），最右边是他的Head with Blue Shadow (1965)。

这里，拜拜·乔讲了一段安迪·沃霍尔的名言，“每个人都能成名15分钟”那个。

画面中央接球的女人，依然是罗伊·利希滕斯坦的作品Girl with Ball（1961）。

墙上这个“椅子餐桌”，是Daniel Spoerri的Kichka's Breakfast I（1960）。

下面这个套着轮胎的山羊，是罗伯特·劳森伯格的Monogram（1955-59）。

这个依然是Daniel Spoerri的作品，名字叫Eat Art（1960）。

右侧是乔治·西格尔(George Segal)的马戏杂技(Circus Acrobats，1981)。

右侧倒出油漆的铁桶，是恺撒·巴尔达西尼的Directed Pink Expansion（1967）。

画面右侧的自行车轮胎，是Marcel Duchamp的Bicycle Wheel（1913）。

背景版上面，借鉴了玛丽莲·梦露主演的《七年之痒》（1955），这个比较明显。

画面右侧是乔治·西格尔(George Segal)的Portrait of Sidney Janis with Mondrian Painting（1967）。

画面左侧是Daniel Spoerri的作品，截图就能看出来，名字叫Shower（1960）。

右侧这个车，是爱德华·凯恩霍兹（Edward Kienholz）的Back Seat Dodge‘38（1964），属于“观念艺术”。

画面左侧是Alain Jacquet的Camouflage Botticelli（1963-64）。

这个是Billy Apple的2 Minutes 33 Seconds (Red)（1962）。

下面这组是艾伦·琼斯的Hatstand, Table and Chair（1969），画面里面躺在地上拍照的那位，感觉跟国内的车展摄影师有的一拼。

推购物车的女人，是Duane Hanson的Supermarket Lady（1969）。

由于自己眼力有限，水平更有限，电影里面肯定还有很多画作和影片没有标记出来，大家可以在评论区进行补充，片尾字幕也显示了都植入了哪些作品（以上描述若有误也可指出来）。

《盗梦特攻队》的整体风格倾向于毕加索，感觉每个人物都是从其作品中走出来的，舞厅里的歌女有好多只眼睛，布鲁诺是二维的身体，大街上满是两个头的行人。

我们跟随鲁本的视角，在梦境和现实中循环往复。

而首尾呼应的结局，也跟诊所的“莫比乌斯环”标志一样，形成一个闭环，让人有点莫名其妙。

犯罪、心理、艺术算是这部电影的三大核心，据称导演非常喜欢艺术品和电影，所以想拍一部结合两者的影片，但单纯讲艺术有点枯燥，所以就想到用一个犯罪故事将其串联起来。

看了一些采访资料后发现，导演制作电影的逻辑，跟其他人还是有很大区别的。

他个人比较喜欢达达主义，超现实主义，德国表现主义者以及波普艺术。

所以，人物设计借鉴了很多立体派和达达主义的灵感，放映室里面有很多德国表现主义电影的海报，电影的后半段能看到很多波普艺术。

而且，他会把画面放在首要位置，故事要服从于自己喜欢的画面。

他崇拜喜欢彼得·保罗·鲁本斯(Peter Paul Rubens)和伦勃朗·凡·莱因（Rembrandt van Rijn），然后就用他俩的名字造了自己的主角Ruben Brandt。

他喜欢田纳西·威廉斯的《欲望号街车》，就用了科瓦尔斯基的名字。

电影中咪咪有一段爬楼梯的镜头，完全复制了爱森斯坦《十月》里面的一个镜头。

像波提切利《维纳斯的诞生》和安迪·沃霍尔《双面猫王》，从一开始就想好要放进去了，是为了制造戏剧冲突，后来才想到弄了一个“变章鱼”和“快抢决斗”的戏码。

有时候场景已经定好了，就是缺少角色，那么接下来就开始找艺术作品。

比如电影开场后不久出现的“咬胳膊”，导演说就是想找一个公主，最后就定了《玛格丽特公主》。

甚至，他也会在谷歌街景里面找素材。

除了上面这些，电影中还频繁出现了很多意象，比如蜗牛、蝴蝶、燕子、冰块等等，感觉猫狗出现的频率是最高的，尤其是猫。

至于电影到底想表达什么，其实不太明白。

可能，就像电影片名中的“Collector”一样，鲁本收集完13幅作品后，才破解了年少时，父亲给自己种下的心病。

用咪咪的话来说，就是“用问题来解决问题”。

而导演也是如此地热爱艺术，他本身其实跟鲁本没什么区别，想做一名“Collector”。

然后，在他的作品中，尽可能多的表达自己所爱。

分享其对艺术的热爱，最终用艺术来解决我们面临的一些烦恼。

总之，看完《盗梦特攻队》后，就如同参加了一个试听音乐会，挺爽的，感觉这就够了。

电影中有个场景让人印象很深，咪咪一行人在波普艺术展上大打出手，旁边围观的人居然以为这是在上演一种艺术。

这段镜头让人联想到了《天鹅绒圆锯》中，一个女人死在了展品旁边，大家居然也以为这是“艺术的一部分”。

前段时间，英国脱口秀演员Ian Cognito在舞台上表演时发生了抽搐，观众当时也认为这是表演的一部分。

不知道导演对波普艺术是什么态度，植入了那么多作品，想必还是喜欢的吧？

艺术真的是让人越来越难懂了！

其实，在看《盗梦特攻队》的时候，不止一次联想到了戈达尔的《电影史》（B站有全套资源）。

但实话讲，没有一定的阅片量，真的很难支撑一分钟。

当你在看一本哲学著作的时候，会觉得字都认识，就是不懂什么意思。

而在看《电影史》的时候，你甚至连画面语言都不认识，更别提懂了。

记得《三傻大闹宝莱坞》里面，兰彻用自己两个朋友的名字，捏造了一个词语。

并在讲台上表示，谁先从书本里找到解释，就能得到某种奖励。

同学们原本很瞌睡，听到后都提起了兴趣。

可能，导演的意图也是这样，与其像评论家一样，枯燥地展示博物馆的知识，还不如设置一个“找彩蛋”的游戏，让大家主动去搜集电影里面的艺术品。

所以，《盗梦特攻队》也算是艺术版的《头号玩家》了。

鉴于还没什么人写影评在此把十三幅画原作都整理出来很佩服导演的功底，下了很多功夫，世界各地博物馆和地标建筑细节做得都很真实到位，芝加哥机场那段确实和现实太像了，虽然说取材是2号楼但是国际Terminal 是5号，不过片场观众还是一片赞叹不断 当然也有一些小bug先上画作1. Olympia- Edouard Manet 现藏巴黎奥赛美术馆

这是四人帮给Ruben 偷的第一幅画。

不过实际版本大小没有动画里的那么大大概是2米*1.5米左右。

注意右下角的黑猫和左脚高跟鞋的意象——马奈这幅是模仿提香的维纳斯原画，但是实际上模特是19世纪巴黎的妓女，旨在批判当时艺术界盛行的对古典主义的拙劣模仿。

2. Venus de Urbino- Titian 现藏于佛罗伦萨Uffizi Gallery

提香的原版。

不过按照剧情设定应该是有一幅是在罗马偷的，但是这一幅和维纳斯诞生其实都在佛罗伦萨，可能搞错了。。。

3. The Birth of Venus- Botticelli 现藏于佛罗伦萨Uffizi Gallery

维纳斯的诞生，这幅估计大家都不陌生。

维纳斯变成大章鱼的这个想象力orz。。。

4. Infanta Magarita - Diego Velazquez 现藏于维也纳艺术史博物馆

西班牙公主，神圣罗马帝国Leopold一世的王后Margaret Teresa的童年画像。

人家小姑娘怎么惹着你了@@不过这段有个bug，本来是维也纳艺术史博物馆的镜头漠然乱入了勃兰登堡门，难道说是在柏林办的特展？

5. Woman Holding a Fruit- Paul Gauguin 现藏圣彼得堡Hermitage

这幅没有展开细节，大致是用来凑数的6. Portrait of the Postman Joseph Roulin- Vincent van Gogh 现藏波士顿美术馆

Roulin大叔继隔壁Loving Vincent 之后再次被恶搞了，这次设定是抓住主角一起飞到阿尔勒上空玩跳伞7. The Whistling Boy- Frank Duveneck 现藏于达拉斯美术馆

Duveneck 的吹口哨男孩共有两版，一张在Cincinnati 一张在Dallas，根据动画里的镜头应该是Dallas的这一版8. Portrait of Dora Maar- Pablo Picasso 现藏巴黎毕加索博物馆

不100%确定是这一幅，因为毕加索画的女像有很多，片子只是提了一句毕加索而已，没有展开9. The Anatomy Lesson of Dr. Deijman- Rembrandt 现藏于阿姆斯特丹博物馆

同样凑数的，没有展开，也只是提了一句伦勃朗10. Pierre-Auguste Renoir- Frédéric Bazille 现藏奥赛美术馆

那个在悬崖边坐在椅子上的人应该就是雷诺阿了。

开始没有认出来，感情好心网友指正11. The Treachery of Images- Rene Magritte 现藏洛杉矶美术馆

这幅也被人用烂了，超现实主义代表作12. Nighthawks- Edward Hopper 现藏芝加哥艺术馆

此后去AIC 再也不能直视这幅画了QQ13. Double Elvis- Andy Warhol （有数个版本）

设定是在东京办的特展，然后整个变成了一个毁现代艺术的盛宴很多路边，酒馆和住宅里的海报制作也非常精心，等线上资源出来后加上截图继续整理。

（如有错误欢迎指正）

《Ruben Brandt, a gyüjtö》的中文片名翻译成了《盗梦特攻队》，听上去有点中二，但实际上，Ruben Brandt这个主角的名字取自著名画家鲁本斯和伦勃朗，这部电影也如这个片名出处一样，到处都是彩蛋，是一部名副其实的艺术史盛宴。

我认为，如果对艺术史略知一二，又比较习惯毕加索式的立体主义绘画，那这部电影可以提供非常好的审美体验。

电影是一种多媒体形式，除了剧本本身的文学性之外，视觉和听觉也是构成电影的重要因素。

我认为这部电影的视听表现力非常强，有两场戏尤其令我印象深刻。

第一场是鲁本为三位患者治病，让他们围着篝火进行角色扮演。

这里的画面渲染和音乐所营造的节奏感，使得整场戏特别有原始宗教的仪式感；第二场是Mimi和Mike的追打戏，这部分没什么台词，全靠画面的构图和配乐的张弛来控制节奏。

画家出身的导演米洛拉德·科斯蒂奇（Milorad Krstic）对画面的精致把握，再加上作曲家Tibor Cári团队制作的高质量配乐，把视觉和听觉结合在一起，营造了一种非常独特的节奏感和美感。

结尾处的构图和色彩非常美画面创作形式出生于斯洛文尼亚的导演米洛拉德·科斯蒂奇（Milorad Krstic）是一名画家，他非常喜欢达达主义、超现实主义、德国表现主义者和波普艺术。

电影中的人物设定借鉴了很多立体派和达达主义的灵感，采用了毕加索式的立体主义画风，因此，我们会看到各种三个鼻子、两个眼睛、眼睛长在耳朵上的人物形象。

法国诗人阿波利奈尔曾说：“毕加索研究物体，就像外科医生解剖尸体一样。

” 我们能看到这部充满想象力的怪诞风格动画，得益于导演六年多以来对这部作品的耕耘，他说：“我需要寻找懂得解剖的动画师，花了很长时间才找到合适的人选。

”实际上，立体主义和超现实主义的绘画风格，非常适合表现梦境，因为超现实主义的诞生与弗洛伊德的梦境理论息息相关。

超现实主义创始人之一安德烈·布勒东曾说：“梦境与现实这两种状态似互不相融，我却相信未来这两者必会融为一体，形成一种绝对的现实，亦即超现实。

”超现实主义者力图摆脱理性的支配，顺应潜意识的指挥。

在这种理念的指导下，不受意识和逻辑控制的梦境，便成为了超现实主义的创作沃土。

这种绘画方式，反倒让我们更接近梦境的“真实”——毕竟梦境可以怪诞、可以夸张、可以为所欲为、可以把人物形象完全解构和重塑。

或许有些观众不太习惯立体主义和超现实主义的绘画方式，更别提应用到动画片里。

但动画本身就是不真实的，既然是不真实的，又为什么一定要模仿真实场景和真实人物呢？

动画的形式特点，决定了它可以任由想象驰骋。

比如我很喜欢纸片人的设定，这个二维的人物，母亲是三维立体的、父亲是一根线。

这种把维度也纳入到生育中的天真想象力，不是非常有趣吗？

比如用超现实的方式演绎波提切利《维纳斯的诞生》、马奈《草地上的午餐》等名作，对艺术爱好者来说，又何尝不是一件又惊喜又好玩的事呢？

马奈《草地上的午餐》

波提切利《维纳斯的诞生》这部动画，其实也表达了导演的艺术观念——与他所依托的超现实主义、达达主义、立体主义相似——他所采用的画面创作形式，也是一种对传统动画的思考和创新。

故事设定导演的出发点是想基于自己对绘画艺术的热爱，做一个关于绘画的电影。

他说：“对我来说，这部动画更多地意味着与年轻一代分享我对艺术的热爱”。

为了拍出一个可以让观众把注意力集中一个半小时的电影，他必须讲述一个有吸引力的故事。

而他认为，犯罪故事很能吸引人。

但以犯罪为主题，就不得不引入反派角色。

导演说他不希望主角鲁本被一些丑陋的怪物困扰，“我想要美丽、纯真的生物和人类，然后把他们重新想象成险恶的事物。

”因此，梦境成了他解决这些初衷最好的载体。

恰巧，他所喜爱的超现实主义、立体主义画风，又是表现梦境的一种非常好的手法。

于是，一个围绕“噩梦”展开的故事，就这样渐渐成形了。

父亲葬礼后的每天晚上，鲁本都被恐怖的梦轰炸：马奈《奥林匹亚》中的黑猫撕咬他；杜韦内克的吹口哨男孩折磨他；波提切利的维纳斯用头发勒得他几乎窒息……这些故事，部分源于导演个人看画时的想象。

他说，波提切利的维纳斯是个漂亮女孩，但如果她的头发变长、如同章鱼一样张牙舞爪，会是怎样一番场景？

他把这些天马行空的想象，融入进了电影，组成了一个个奇幻而有趣的故事。

而对艺术爱好者来说，最大的惊喜莫过于，那些名作中的形象“复活”了，他们走出画面，和鲁本进行骇人的互动。

导演把他对绘画作品的想象，分享给了观众，让我们以一种全新的视角和方式，去观看那些名作。

艺术不该是折磨人的梦魇鲁本被梦魇折磨，源于他的心理技术专家父亲从小对他进行的“潜意识”植入。

父亲为了替中央情报局做潜意识感知的实验，在鲁本儿时看的动画片里，植入了艺术作品，让它们根植于鲁本的潜意识。

但抛开这种刻意控制潜意识的行为不谈，绘画作品的巨大影响，有时真的会扎根于我们的潜意识中。

比如一个遍览印象派绘画的观众，很难在看到睡莲时不联想到莫奈；一个遍览梵高作品的观众，很难在看到向日葵时不联想到梵高。

当你很了解一幅画或以为画家、一个时期的画作，它就仿佛潜入了你的潜意识，随后在某些特定场合，重新出现在脑海中。

这样的“潜意识”并不令人感到不悦甚至恐惧，反而有时会给我们所看到的实际景色披上一层朦胧而美丽的外纱，让我们通过画家的眼睛，美化我们所看到的世界。

而可惜的是，自小受到强加的艺术教育的鲁本，并没有把艺术作品转化为美好的潜意识。

那些被安插在动画片的名作，最终成为了困扰他的梦魇。

当他逐渐通过收集画作来对抗噩梦后，那些作品终于不再是折磨人的工具，而回归了艺术品本该拥有的位置。

这大概是画家出身、非常想与年轻人分享艺术的导演想表达的对艺术教育的看法：艺术不该是强加的、强迫的，它应该用它自身散发的魅力，吸引年轻人自发地去接近、去欣赏、去获得令人愉悦的审美体验。

我认为，这部电影本身也算是导演对于艺术教育的一种实践。

他在电影里融入丰富的世界名画元素，运用立体主义和超现实主义表现手法，讲述一个亦梦亦真的犯罪故事，试图让观众在获得视听审美体验的同时，自发地去探索电影里的彩蛋，从而对绘画史和艺术史产生兴趣。

艺术的力量非常强大，它可以提供审美体验，也可以提供一部分真理。

当你无法用只言片语解释什么是“美”时，一副绘画或许就能带你进入“美”的世界；当你无法用三言两语解释什么是“神”时，一段音乐或许就能带你进入“神”的天堂。

艺术看似由理性的技法来构成和演绎，却又能提供非理性的、超越性的体验。

导演一定希望，通过他的作品，可以让更多人进入艺术的殿堂，与他共同感受艺术所带来的无与伦比的体验吧。

行为主义和精神分析从1879年心理学正式独立为一门学科以来，公认的四大门派有行为主义、精神分析、人本主义和认知学派。

行为主义最先兴起，它的代表人华生曾放言：“给我一打健康的婴儿，一个由我支配的特殊的环境，让我在这个环境里养育他们，我可担保。

任意选择一个。

不论他父母的才干、倾向、爱好如何，他父母的职业及种族如何。

我都可以按照我的意愿把他们训练成为任何一种人物——医生、律师、艺术家、大商人，甚至乞丐或强盗”。

显然，他提倡后天决定论，认为人经过后天的打磨可以被塑造成任何样子。

于是那段时期兴起行为塑造法，原理是想塑造一个好的行为就把这个行为和好的体验相联结。

而想消除一个不好的行为就把这个靶行为（或想法）和极度令人不适的体验相联结，比如为了消除罪犯的邪恶想法，当犯人产生犯罪想法时，就给他喂生石灰，或折磨他的生理（电影《发条橙》中曾经典重现这种场景）。

然而结果却不尽人意：效果难以持久。

更是因为一味的强调外力而忽略人性和情感体验，最后遭到铺天盖地质疑。

被行为塑造法折磨的《发条橙》男主，最后他成功消除邪恶思想了吗？

与此同时，重视人们内心本身，挖掘潜意识的精神分析理论通过不断成长，逐渐替代了行为主义成为心理学主流理论。

精神分析学派开创者弗洛伊德提出了人的意识三层次理论，他认为人们可以自我意识到的意识只是人们全部思维的冰山一角，而平时意识不到的前意识和潜意识才是决定人们行为的关键。

他的这个理论最后冲破了心理学领域，在哲学界、艺术界、文学界……等等领域都引起轩然大波，对后世影响深远。

他还有用潜意识理论阐释“梦”的著作《梦的解析》，从精神分析的角度讲述了梦和潜意识的关系，对后世催眠和心理治疗有开创意义。

另外还有“里必多”、人格发展阶段等等理论，以及另外两个大学派，因为和本电影关系不大这里就不说了。

鲁本父亲影片开头，精神医师鲁本（Dr.Ruben Brandt）挣扎着从梦中惊醒，对着答录机记录：我的噩梦越来越强烈，梦中的人物一直在攻击我，我这样已经三个星期之久……而触动他开始噩梦的时点正是他父亲的去世。

他的父亲格哈德（Gerhard Brandt）出生在东德，是一名心理技术专家。

1967年在美国情报局CIA帮助下，逃离东德和家人举迁到华盛顿，从此为CIA服务。

鲁本并不知道，他从小被父亲当做试验品，被关在影片室中看含有世界名画的动画片，每25帧动画片便有一帧是世界名画，父亲想通过实验，证明这种行为可以让他爱上艺术，而成为一名艺术家。

格哈德出生成长在冷战时期的东德，东德属于社会主义阵营，和前苏联十分亲密，实证主义盛行。

有前鉴拿自己做实验的方法叫“自测法”，著名成果如艾宾浩斯记忆曲线。

拿自己孩子作为观察对象的人也有很多，比如弗洛伊德就拿女儿安妮当做观察对象来记录。

但是在自己孩子身上做实验这种事还是非常骇人听闻，格哈德的实验是我们前面提过的行为主义和潜意识理论的结合，他想通过阳性强化（孩子喜欢的动画片和名画结合）和潜意识种植来达成使孩子成为艺术家的目的。

而结果也许真的有效，虽然鲁本没有成为完全的艺术家，然而从鲁本的奖状可以看出，他因为在心理治疗中运用开创性的“艺术疗法”而获得颇多赞誉。

鲁本因“艺术疗法”获奖多次与此同时，警探迈克·科瓦尔斯基（Mike Kowalski苏联姓氏）与盗瘾者Mimi在巴黎街头展开一场追逐。

他乐观开朗，自由奔放。

和沉郁的鲁本那么不同。

然而他也有遗憾，母亲对父亲讳莫如深，家里至今也只有他和母亲二人照片，他不知道父亲是谁。

直到母亲告诉他，格哈德就是他的父亲。

她为了不让科瓦尔像他哥哥那样沦为父亲试验品，当初只能离开。

家中只有母子照的科瓦尔本片的梦境性为什么所有人除了两个男主的器官方正，其它人物都是随意构图？

为什么男女主飞檐走壁都可以毫无损伤？

为什么世界名著被偷抢如此顺利？

为什么鲸鱼可以在地下游？

为什么鸟儿可以比火车快？

为什么建筑结构可以完全不符合实际？

这一切都是因为导演在刻意营造一种梦境感，事实上，影片从头到尾都是一个人的一场梦。

那么，是谁的梦？

鲁本和科瓦尔斯基鲁本和科瓦尔的关系让我想到了庄子的庄周梦蝶。

影片最后通过玻璃反射揭示了鲁本就是科瓦尔，科瓦尔就是鲁本在鲁本的梦里，他想象自己成为了脱离父亲、和母亲在一起而变得开朗的弟弟科瓦尔，弟弟从没有经历过父亲的折磨实验，而是自由奔放的生长，最后在巴黎成为一名声名远扬的警探，过着率性自在的生活。

他借以想象成为弟弟，释放内心被管控下积久的压抑，也释放对母亲的思念和对父亲的爱与恨。

表面上鲁本是一名精神医师，事实上在梦里他却是那个可以肆意驰骋在世间的、享受母爱和不知父亲罪恶的弟弟。

又或是？

科瓦尔跟随母亲离开父亲后，通过不停在脑海中构建父亲伟岸形象来掩盖对父亲抛弃的疑问与责怪。

他在成长中学习父亲学过的知识，看父亲的著作，接受父亲的理念，慢慢变成父亲的一部分。

他虽然成为一名潇洒肆意的巴黎警探，却在梦里人格化出另一个自己——被父亲细心教导过的哥哥鲁本，亦是父亲缩影本身。

以此来抒发对父亲的思念和填补生命中对父爱的缺失。

而无论是谁的梦。

梦主人极力保持的内心平衡都在父亲去世那一刻被破坏。

一路上在收集画作，实际是在收集关于父亲的碎片。

潜意识和父亲有关的一切对父亲的爱和恨，让他循环在自己梦里。

因为他再没有机会和父亲和解了。

没机会再问一句你为什么这么对我。

也没机会听一声对不起。

这足以让一个人崩溃，也足以让一个人长眠不醒。

只是在梦里，是做一个不愿承认父亲拿自己做实验而正面临崩溃的卓越精神医师鲁本？

还是做一个马上就要发现自己父亲是个混蛋的自由意志警探科瓦尔？

悲伤的是哪怕在梦里也要面临真相和抉择。

这是他永远都不愿去承受的结局。

也是噩梦永远存在的本始。

所以每当真相全部拆穿，故事便又回到了开头。

影片最后画面又回到了鲁本坐火车和火车轨道，和影片开头如出一辙又或许？

也许最不残忍的结局，是解释成这一切是父亲临死前的走马灯。

在现实里，鲁本和科瓦尔都存在，只是不明现状。

格哈德因为对儿子们深深的愧疚和自责，在回光的梦境里让自己成为了他们，并经历着他所能想象的他们全部痛苦和快乐。

全家福MIMI关于梦境到底是谁的。

我个人更愿意把造梦者理解成是导演本人，他用一个全知视角，制造了一个以鲁本为主要意识，而父子三人意识皆在的长梦。

梦里既有鲁本和科瓦尔永世无法与父亲和解的悲伤，也有格哈德再也不能补救的遗憾。

而MIMI同其他三个可爱的来访者一样，也是梦的一部分。

也许他们曾是父子三人生活中的真实人物，但在影片中，他们都是主体意识形态的一部分，履行着主体的意志，是主体内部寻求真相的化身。

鲁本借由四人的各怀绝技而纵横在世界各大博物馆去拼凑画作和真相，又借由MIMI的梦境第一次捅破了鲁本和科瓦尔互为彼此的真相边缘，最后，MIMI和伙伴们随着完成帮助鲁本寻找真相的任务而消失。

而真相大白的时刻，鲁本却没有醒来。

他坐在火车上，让故事走入循环。

四人完成任务消失在男主梦境世界的留念由此，导演从全知视角想表明的、鲁本和科瓦尔世界的梦境性和悲剧性昭然若揭。

沉溺于爱与恨在心理咨询室中，来访者的症状总是和父母有关。

如果一定要我用最短的话去形容它，那么——通常第一步，来访者要用一年时间去接受自己父母“是个坏人”的事实，接受曾经被自己奉为人生指向的价值观，只是父母扭曲价值观的继承。

而自己只是父母扭曲思想的牺牲品。

第二步，来访者会用一到两年时间或更久去迈出尝试和解的第一步。

他们停止重复的逃避和悲伤，随着咨询的进行，来访者症状有所缓解，他们学会新的沟通方式和情绪处理方式，并且开始有勇气去面对造成自己症状的源头：父母。

这是一步质的飞跃。

哪怕之后的日子会有新的冲突和矛盾，但来访者和父母的沟通都不再浮于形式，而是在来访者的要求下直指问题核心。

第三步，可能要用很多年，来访者会在生活中通过和父母不断的“冲突-和解”来制造新的相处模式。

第四步，来访者内心已经强大到可以处理任何父母带来的负面情绪和影响。

能从父母成长角度去合理解释他们的思维和行为模式由来。

并且尝试用自己已经成熟的健康思维、行为模式去影响父母，从而构建起一个新的健康家庭互动模式。

通常第三步和第四步总是融汇贯通的，而多数人则永远卡在了第二步。

有些人至死都没有勇气和父母对峙。

这其中就有我们的梦主体鲁本。

而随着鲁本父亲的去世，和解——变成了永远不可能的任务，也变成鲁本心中永远解不开的结。

鲁本心里明明白白。

所以在发现真相时，他才微笑着显得那么淡然。

在潜意识深处，他早就知道一切。

只是依旧选择一遍遍沉浸在梦里，我相信这已经不是第一次他作出这样的选择。

故事的最后，也是一切又要重新开始的地方。

主角在孤独的车厢上，又一次驶向无尽彼岸。

承载主角的孤独车厢

驶向了永远没有尽头的彼岸在一片暖光中，他无法放下的，早已不是恨。

影片结束了。

除了吹爆导演的叙事能力、意象塑造、逻辑构架、剪裁节奏、视觉艺术、音乐修养以及令人叹为观止的广袤知识面……等等等等以外。

联想到今日17岁男孩因和母亲吵架而跳桥的新闻。

也想说。

无论是作为父母、还是子女。

愿你我今日都能珍惜当下，来日不悔不恨。

04.19.2019

《盗梦特攻队》堪称是彩蛋控的盛宴，除了多不胜数的经典艺术品外，影片中关于电影的彩蛋和细节同样令影迷满足，下面彩蛋君就来为大家一一细数。

相信看过《低俗小说》的观众对迈克和米米跳的这支舞不会陌生。

路边海报上的法语翻译过来的意思为“梅里爱回顾展”，指的是法国电影先驱乔治·梅里爱，而海报上的月亮不难令人想到他的经典作品《月球旅行记》（1902）。

汽车追逐中，迈克差点撞上婴儿车的情节致敬了《法国贩毒网》。

电视上播的是《教父》的经典场景。

迈克家里的跑马灯致敬了英国摄影师埃德沃德·迈布里奇在1878年拍摄的《飞驰中的萨利·加德纳》，这是世界上现存最早的运动画面，为未来电影发展奠定了基础。

影片中无处不在的希区柯克，这是在暗示希胖热爱客串的癖好吗？

迈克的刀具收藏品大部分来源于动作电影。

1.《鳄鱼邓迪》 Crocodile Dundee (1986)

2.《水中刀》 Knife in the Water (1962)

3.《第一滴血》 First Blood (1982)

4.《铁血战士》 Predator (1987)

5. 《荒野浪子》 High Plains Drifter (1973)

6. 《大独裁者》 The Great Dictator (1940)

7. 《惊情四百年》 Dracula (1992)

8. 《铁面无私》 The Untouchables (1987)

实际上，收藏品中的列出的其它电影都是瞎编的，像《我的宝贝离开了我》《轻轻吻我》《塞维利亚的理发师》。

有趣的是，影片中的另一个片段提到了这些片子，称它们是用家庭暴力来表现男子气概的好莱坞电影代表。

电视机中的画面致敬了本片导演的作品《My Baby Left Me》（1995）这一幕致敬了费德里科·费里尼的《八部半》（1963）。

鲁本提到他最爱的卡通片是《海的女儿》（小美人鱼），那是1968年的苏联动画版。

该片中的“海女巫”给鲁本留下了深刻的童年阴影，以致于把波提切利的维纳斯看成了邪恶的大章鱼。

当然更为人熟知的章鱼海巫是这样的。

桌面上的是洛奇雕像，出自电影《洛奇3》（1982），现实中位于费城美术博物馆前。

墙上的钟致敬英格玛·伯格曼的《野草莓》（1957）。

杀手车上的吊饰出自黑泽明作品《用心棒》（1961）。

鲁本父亲的电影实验室中能看到许多德国表现主义电影的海报，这个电影流派出现于20世纪10、20年代，追求用荒诞离奇的手法，呈现高度夸张、变形、主观化的世界。

（这种风格体现在了鲁本那些光怪陆离的梦中）画面右侧的海报是1913年的德国无声电影《布拉格的大学生》。

左边的海报是G·W·帕布斯特的早期经典《三便士歌剧》（1931），改编自德国戏剧名作。

右侧铭牌上是1895年斯科拉达诺夫斯基兄弟拍摄的短片之一《摔跤手》（1895）。

墙上的海报从左到右分别是：《潘多拉的魔盒》 Die Büchse der Pandora (1929)（女主角露露的名字与发型呼应本片中的米米）《玩家马布斯博士》 Dr. Mabuse, der Spieler (1922)《卡里加里博士的小屋》 Das Cabinet des Dr. Caligari (1920)《蓝天使》 Der blaue Engel (1930)右下角可以看到"C. WESTWOOD FILM"，可能是故意把克林特·伊斯特伍德名字中的East改成了West。

这个画面中出现了《大车队》（1978）的海报，据说这是中国改革开放后引进的第一部美国故事片。

墙上的涂鸦为黑泽明的电影《罗生门》（1950），翻拍自芥川龙之介创作的短篇小说。

玛丽莲梦露的《七年之痒》（1955）。

迈克的姓氏“科瓦尔斯基”（Kowalski）来自《欲望号街车》（1951），也就是马龙·白兰度的角色姓氏。

影片中出现的一些名字也致敬了著名导演，比如奥赛美术馆的安全主管叫弗朗索瓦（François，弗朗索瓦·特吕弗），还有吉赛贝（Giuseppe，吉赛贝·托纳多雷）是意大利黑手党……聊完电影彩蛋，接下来为大家分析结局的隐藏细节，相信看完全片的观众都会有下面的疑问：Q1：这个故事是一场梦吗？

这是一个开放性问题，我个人认为答案是YES。

但其实故事的发展过程并不重要，重要的是结果：主角最终摆脱了过去，成长为更好的自己。

而为什么我认为一切是鲁本的一场梦呢？

首先，在影片开始的时候，鲁本正在看一本书《深度睡眠》（Deep Sleep），预示着他即将在漫长的火车旅程中沉沉睡去，经历一个通往内心深处的梦。

到了影片的最后，鲁本在火车里惊醒（梦境结束），捡起身前的《享受艺术》（Enjoying Art），书的封面正是《维纳斯的诞生》，说明他已经摆脱了童年梦魇，不再产生诸如章鱼海怪等幻象。

上面的画面中有两个值得注意的细节：1. 书的封面是黑色的。

在此之前迈克在约翰·库珀家中找到的同一本书却是完全对立的白色。

这种对立还体现在两人的衣着上，鲁本穿白色衬衫，而迈克穿黑色外套。

2. 黑白两本《享受艺术》的出版社都是Double Bear Press。

以上说明影片前后发生在不同现实中。

（当然，我们可以认为这是一本书的不同版本）如果以上细节不够说服力，我们再来看看这个画面，这是鲁本被“邮寄”前的场景。

观影时注意这一幕的前一秒，我们能清楚听到火车行驶的声音，但画面中并没有火车（只有一条游过的鱼），因为这就是睡梦中的鲁本在现实里（火车车厢中）听到的声音。

Q2：鲁本和迈克是同一人吗？

首先我们回到影片的第一幕，导演在最开始已经用一句话暗示了两人的身份，鲁本和迈克实际上是两只一起玩的“猫”，而两只猫都是“我”。

鲁本戴着两条不同颜色的领带，穿着不同颜色的鞋，这是双重人格的象征。

鲁本在笔记本中写到，担心自己出现精神分裂症的先兆。

鲁本和迈克第一次面对面时，两人的脸透过玻璃重合在一起。

米米的梦里，出现了一只长着两个头的小熊玩偶，呼应上文提到的Double Bear出版社，再度证实鲁本和迈克的关系。

更明显的一处，米米在梦中看到鲁本的背影，转过头来却是迈克的脸。

影片后段，鲁本的家剧烈摇晃时，他发现自己被手铐锁在椅子上，这是鲁本的另一人格——迈克——“拘捕”了偷画的自己。

在影片的最后，导演给出的暗示也很明显了，鲁本从窗户中看到了另一个自己——迈克。

文 | 彩蛋君KL 【任何形式转载请联系授权】

酷炫独特的美术风格，种类繁多的配乐，流畅的叙事，有趣的天马行空的剧情。

特别是片中以影片的艺术风格再造众多名画，饶有趣味。

在影片中插帧影响潜意识这个说法以前就曾经听闻，只是深表怀疑，同时也好奇，这部片会不会也有某些插帧行为来愚弄一下我们观众呢？

剧情：结尾部分好像有深意，但我想仅仅以心理医生心病疗愈成功来理解也大差不差；侦探线讲述心病原由；黑帮线是阻碍特攻队行动；而特工队中个个身怀绝技又有心病，终于疗愈成功。

导演：一个不算复杂的故事，顺时间线进行；细节满满，天马行空的风格视听服道化：个性十足的视效风格，像毕加索笔下人物一般天马行空的美术，配乐到位，音效重低音振到爆演员：配音演员将角色的性格演绎得很到位，特别是几位的磁性十足的声线令人印象深刻。

疑惑：用刀切割边缘拿出名画不会破坏这张画吗？